POLZET, la nueva obra de Pa Sucat

Imagen de la obra

Día de estreno el sábado 22 de octubre en el Teatro Nacional de Cataluña con Polzet (Pulgarcito), el célebre cuento del escritor francés Charles Perrault, que la compañía de Valls Pa Sucat puso en escena a modo de celebración de su 25 aniversario. Una propuesta ambiciosa y arriesgada, pues la obra se representó con música en directo original de Jesús Rodríguez Picó a cargo de un cuarteto dirigido por Marc Moncusí y una compleja puesta en escena firmada por Lluís Graells que incorporó sombras, video y una escenografía diseñada por Eudald Ferré, autor también de los títeres y del vestuario.

La propuesta revela la madurez de los titiriteros de Pa Sucat, ansiosos de enfrentarse a textos complejos y de ofrecer soluciones también complejas pero desde nobles posiciones de síntesis, pues todo se resuelve con tres únicos actores-manipuladores: el mismo Eudald Ferré en el papel de Pulgarcito (encargado asimismo de manipular a sus seis hermanos), Jordi Jubany en el papel del Padre Leñador y del Ogro, y Dolors Sans en el de la Madre y de la Mujer del Ogro. Creo que el gran acierto del montaje es precisamente el desdoblamiento del trío de actores, que llegan a triplicar sus roles manteniendo una coherente correspondencia dramatúrgica entre ellos, gracias al ardid de enmarcar el cuento en una familia de comediantes de la legua cuyos miembros encarnarán a los distintos personajes de la obra. Un trabajo dificilísimo que Pa Sucat resuelve de un modo admirable gracias al gran oficio del titiritero Eudald Ferré y a la experiencia y buena técnica de los otros dos actores-manipuladores.

El montaje no rehuye la crueldad ni el dramatismo del cuento aunque lo dulcifica visualmente al evitar un tratamiento “gore” de las escenas. También ayuda el recurso dramatúrgico al lenguaje del “cine mudo”, que permite la exageración dramática sin caer en lo escabroso. Para ello, la música de Rodríguez Picó se instituye como un factor determinante, al otorgar desde el principio hasta el final unidad poética y coherencia narrativa al conjunto. Un trabajo excelente el suyo, bien ajustado a su cometido, que hila la obra con elegancia rítmica y sonora, y que la eleva hacia alturas dónde ni el gesto ni la palabra podrían llegar.

Por cierto, la reivindicación del Polzet, ¿no es acaso la reivindicación de lo pequeño y de lo socialmente insignificante, que para sobrevivir debe usar todo su ingenio más el principio de solidaridad hacia sus pares, por muy arrogantes y desdeñosos que éstos sean? En una época como la nuestra, en la que los individuos debemos enfrentarnos a la humillación constante infringida por bancos, gobiernos y grandes corporaciones, la moraleja de este cuento constituye una buena inyección de optimismo y de energía positiva, algo aplicable a todo lo pequeño, desde el mismo teatro de títeres frente al Gran Teatro, las regiones y los países pequeños frente a los imperios y a las grandes naciones, los socialmente "prescindibles" frente a los ricos y poderosos, las pequeñas empresas frente a las gigantes, etc. En este sentido, la moraleja del Polzet es de una actualidad apabullante. Una sana actitud que además no se anda con chiquitas, pues a la hora de sobrevivir y de salirse con la suya, no valen remilgos ni se evitan los ineludibles sacrificios de la imbecilidad.

Parece que Pa Sucat, para celebrar su aniversario, ha querido ponerse “las botas de siete leguas” de la audacia titiritera, dando saltos cualitativos que apuntan directamente hacia el futuro. Un magnífico arranque que enlaza con su ya dilatada carrera.

El Festival GUANTde Valls

Cartel del Festival GUANT

Del 14 al 23 de octubre tiene lugar en la ciudad tarragonina de Valls el Festival GUANT. Dirigido y organizado por el grupo Pa Sucat, celebra este año su séptima edición con un programa que ha sorteado los recortes (abundantes, por lo visto) y que se afianza como uno de los más interesantes de los que se celebran en Cataluña. 20 compañías son un número importante. Entre ellas, cuatro presencias internacionales: el reputado ChonChon de Argentina y Chile, tan querido por el público catalán, con "El Enmazcarado", Robert White de Argentina con sus impresionantes números visuales, Malgosia Szkandera de los Estados Unidos con una refinada propuesta para adultos y el TAP Ensemble, de Italia, con el estreno de "Don Giovanni in carne e legno", una interesante combinación de guaratelle napolitanos y actores.

Abrió el Festival la veterana compañía de Vilanova i la Geltrú L'Estaquirot Teatre con su aplaudido "Ploramiques" que se presentó en el recoleto Teatro Principal de la ciudad. El sábado 15 por la noche pudo verse también el espectáculo "Palòodrom" del grupo Pengim Penjam, otro histórico de Cataluña que presentó esta arriesgada propuesta para adultos de un teatro poético que juega con elementos sencillos y primordiales como son pechinas, piedras, arena, caracoles... Grupos como Desguace Teatro de Sevilla, Anita Maravillas, Forani Teatre, Mercè Framis, Ne Me Títere Pas, el mismo Pa Sucat, Disset Teatre, el Señor de las Bombillas, Galiot Teatre, Txo Titelles, Laitrium, Companyia B, Cia Am-Art, y yo mismo, completaron la programación.

Esperemos que la consolidación de GUANT siga recibiendo los apoyos que hasta ahora ha tenido, tan merecidos como indispensables para la salud titiritera de nuestro teatro. Más información aquí.

Recordatorio del Curso “Crear una Obra. Títeres, sombras y objetos”

Imagen de Carmen, espectáculo de
La Fanfarra

Del 24 al 28 de octubre

Información técnica aquí.

¿Cómo encarar la creación de una obra?  ¿Tenemos claro lo que queremos cuando nos planteamos un nuevo espectáculo? ¿Existen caminos o procedimientos que permitan orientarnos en el tremendo desafío que siempre representa crear una nueva obra?

Preguntas que buscarán respuesta en este curso en el que Toni Rumbau intentará destilar su experiencia de más de 35 años de profesión compartiendo enfoques, procesos y herramientas de organización del trabajo titiritero.

Para ello se aplicará un escalonamiento de siete procesos distintos pero sucesivos, complementarios y necesarios, que deberán concluir con la presentación de una pequeña obra el último día.  Un trabajo que combinará constantemente práctica y reflexión, y que nos llevará por los distintos compartimentos de la creación escénica.

CURSO SOMBRAS, TÍTERES Y OBJETOS: crear una obra

Tras la pantalla. Taller realizado en Beirut, mayo 2011

- Octubre 2011. Del lunes 24 al viernes 28.
- 5 días de duración
- Horarios: de 16h a 21h
- Total horas: 25
- Lugar: La Mona de Seda. Barcelona

¿Cómo enfrentarse a la creación de una obra  que junte autoría personal con el lenguaje del teatro de títeres, sombras y objetos? Desde la subjetividad del creador, pasando por las disciplinas del desdoblamiento, la dramaturgia sintética de los lenguajes populares de títeres y sombras, la multiplicidad del lenguaje artístico contemporáneo, hasta llegar al rito de la representación ante el público. 

El curso ofrece a los interesados una metodología de pasos sucesivos y articulados, que deberán culminar en la práctica combinada del “teatro interior” de sombras con el “teatro exterior” de títeres y objetos. 

 Dualidades claves:

     Interior / Exterior
     Tradición / Modernidad
     Subjetivo / Objetivo
     Sombras / Títeres

El curso está dirigido tanto a principiantes como a profesionales, sean titiriteros, actores, maestros, artistas plásticos u otras personas relacionadas con el teatro y la imagen.

Para ver información sobre Toni Rumbau, pulsar aquí.

Algunos textos de referencia sobre contenidos relacionados con el curso:

- “Función en Trípoli. Semejanzas y diferencias entre Polichinela y Karagöz”, publicado en el blog de Rutas de Polichinela.

- “Títeres y sombras: dos herramientas de conocimiento”. Publicado en el fanzine peruano “Mil Vidas”, que dirige Martín Molina.

El espíritu libre, rebelde y heterodoxo de Polichinela se encarna y se manifiesta en las tradiciones populares de títeres y sombras del mundo entero. Un espíritu que, más allá de las distintas tradiciones y sus especificidades, despliega unas líneas dramatúrgicas que miran hacia el futuro: útiles herramientas para el teatro de hoy. 

Este curso invita a conocer estas herramientas a través de una práctica que se hará según siete fases metodológicas de desarrollo en función de un objetivo claro: la creación de una obra que junte el mundo subjetivo de las sombras con la dimensión objetiva de lo que se puede ver y tocar. 

Más información aquí. 

FOCUS CATALAN en el Festival Mundial de Marionetas de Charleville-Mézières

Cataluña y las Islas Baleares se visten de gala en el gran Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes que se celebra del 16 al 25 de septiembre en Charleville-Mézières, con la programación de diez compañías catalanas y mallorquinas gracias a la ayuda ofrecida por el Institut Ramon Llull.

La ciudad de Arthur Rimbaud se transformó en el año 1961 en una ciudad dedicada a las marionetas, gracias al empeño de Jacques Félix, uno de esos personajes insubstituíbles cuya modesta pero imparable labor acaba cambiando el carácter y la imagen de una ciudad. En efecto, no sólo nació el Festival Mondial sino que años más tarde se constituyó el Institut International de la Marionnette, considerado como la mejor o al menos más reputada escuela hoy con rango universitario sobre el teatro de marionetas. Jacques Félix, titiritero aficionado miembro de la compañía Les Petits Comédiens de Chiffons, ocupó también y durante muchos años la secretaría de Unima Internacional.

Hoy el Festival cuenta con centenares de espectáculos, tanto en las franjas oficiales como en el off, y un sinfín de actuaciones de calle que convierten Charleville-Mézières en una verdadera meca mundial de las marionetas durante la semana que dura el evento. Sería imposible dar una visión del conjunto en esta breve reseña. Vamos a concentrarnos en la presencia catalana, consistente en diez magníficos espectáclos, como antes se ha dicho.

- COMPAÑÍA JORDI BERTRAN, con dos espectáculos: Le sens des fils (El aliento de los hilos), obra de marionetas de hilo y objetos. Domingo 18/09 a las 14h yt 18h - Salle du Mont-Olympe n°1 y La sucrière diabétique (La azecarera diabética), obra de teatro de objetos. Lunes 19/09 a las 14h y 18h - Salle Arthur. www.jordibertran.cat

Imagen esp. Jordi Bertran

Considerado como uno de los maestros indiscutibles de la marioneta de hilo, Jordi Bertran es también un showman que anima sus espectáculos con la voz y la guitarra, y un refinado manipulador no sólo de hilo sino también de manos, como lo demuestran sus geniales interpretaciones a base de sus dedos y dos bolitas. Sus espectáculos, creados en formato de cabaret y a veces casi de musicales, son de obligada presencia en los festivales más importantes del género, y cuentan con talentosos colaboradores, como los manipuladores Paula López y Carles Codina, Litus, en este obra, además del mismo Jordi. Presenta igualmente una obra de teatro de objetos, La Azucarera Diabética, en la que tazas, sacacorchos, cafeteras, azucareras y otros elementos afines son los principales protagonistas.

- JOAN BAIXAS, también con dos espectáculos: La Musique Peinte (La Música Pintada), obra de sombras y marionetas varias. Sábado 17/09 a las 16h y 21h ; Domingo 18/09 a las 11h - Salle du Château, y Mappemonde – Sourire (Mapamundo – Sonrisa) de técnicas varias, el viernes 23/09 a las 18h00 - Parc Collignon La Houillère, sábado 24/09 a las 15h30 - Esplanade du Centre Culturel de Nouzonville, y domingo 25/09 a las 11h00 - Square Bayard. www.joanbaixas.com

pintura Joan Baixas

Joan Baixas es sin duda uno de los titiriteros clave para entender el panorama marionetístico catalán de los últimos treinta y tantos años. Creador de La Claca junto con Teresa Calafell, fue el primero en romper los viejos moldes de la tradición para adentrarse en el campo de la experimentación visual con su trabajo hecho mano a mano con el pintor Joan Miró en Mori el Merma. Desde entonces no ha cesado de desarrollar un mundo propio de imágenes y de interpretación personal que busca la esencialidad matérica tanto del gesto como de la imagen, con una práctica pictórica en la que el artista-titiritero se vuelca íntegramente en la escena. En Charleville ofrece además un taller cuyos resultados, titulados Mapamundo – Sonrisa, serán expuestos al público como último espectáculo del Festival.

 

- EL RETRETE DE DORIAN GREY, con dos espectáculos. Rua aire, obra de marionetas-globos, el martes 20/09 a las 14h y 20h - Salle Bayard, y en gira en (25/09 a las 15h00), Saint André les Vergers (22/09 a las 20h00), Rethel (27/09 a las 14h30 & 20h30). El otro espectáculo, también de marionetas-globo, es Ne me quitte pas, el sábado 17/09 a las 10h30 y 11h15 – Préfecture. www.elretretededoriangray.com

Momento de Rua

Esta compañía, de denominación tan heterodoxa, ha conseguido crear un universo propio con su extraordinario trabajo de elaboración de marionetas a base de globos hinchables. En Rua Aire, mediante un aparato escénico que sugiere tanto el submarino de Monturiol como un artefacto de la marca Magritte, los dos manipuladores del Retrete Ezra Moreno y Marcos Ptt Carballido, maravillan al público con un trabajo de exquisito virtuosismo hecho con globos y con sus únicas manos, mediante la transformación constante de los muñecos nacidos de los globos, que primero son raras amebas recién surgidas de la nada, luego bichos raros que se acercan a las arañas y a otros animalitos, para acabar siendo figuras humanas que sin embargo cambian de forma, pierden una pierna, un pie, un brazo, o la misma cabeza, para ir mutando en un proceso sin fin. Una delicia de espectáculo que empieza a saltar por los mercados internacionales.

- DISSET TEATRO (Islas Baleares) con la obra Le vol de Calandria (El Vuelo de Calandria), obra con técnica bunraku, el miércoles 21/09  a las 17h yt 21h - Théâtre Municipal. www.dissetteatre.com  - www.telmproduccions.com

El Vol de Calandria

He aquí un perfecto ejemplo de la evolución que ha tenido el teatro de marionetas en Cataluña en los últimso años. Disset Teatre es una joven compañía constituída por actores exalumnos de Alfred Casas salidos del Institut del Teatre de Barcelona, cuyo primer trabajo saltó de inmediato a la fama y a los escenarios por la extraordinaria factura del mismo. Con el Premio al Mejor Proyecto de Teatro Visual del Institut del Teatre 2008 en su haber, El Vuelo de Calandria combina títeres de manipulación a la vista, trabajo actoral y una sugerente escenografía que permite el juego de una variedad de registros muy bien resuelta. Espectáculo sumamente poético centrado en una historia de amor que en realidad es un recuerdo, y en la que los temas del destino, de la suerte y del azar se combinan con la música del acordeón y el vuelo celeste de un pájaro mecánico. Con interpretación de Juanma Palacios, Carme Serna y Mariaje López, la obra está dirigida por Carme Serna Far, autora asimismo de la dramaturgia y de los títeres, y cuenta con la asesoría artística de Alfred Casas.

- CIE PELMÀNEC con la obra Don Juan, amère mémoire de moi (Don Juan, amarga memoria de mi mismo), obra para manipulador-intérprete solista, el domingo 18/09 a las 19h ; Lune 19/09 a las 10h yt 14h - Salle Mme de Sévigné. www.pelmanecdonjuanfr.wordpress.com 

Don Juan

Miquel Gallardo, que ya sobresalió con su anterior y reconocido trabajo “L’Avar”, una obra que se sigue representando con éxito por el mundo, se lanza al ruedo de los titiriteros solistas con este Don Juan que requiere un alto voltaje de virtuosismo. Lo consigue Gallardo con un precioso texto que firma junto con Paco Bernal, y que se acerca con mucho respeto y exquisito gusto a la psicología y al complicado mundo del Burlador de Sevilla. Con dirección de María Castillo, Gallardo interpreta a un joven monje que debe cuidar de un anciano enfermo, Don Juan, encarnado en una marioneta. Lo consigue con un juego de voces magnífico, así como con soluciones escénicas sencillas pero capaces de llenar todo el espacio escénico. Gallardo acaba de estrenar una nueva obra con parecidas características técnica sobre el personaje de Hamlet. Un joven titiritero que sin duda dará mucho que hablar.

- CENTRE DE TITELLES DE LLEIDA con Mowgli, l’enfant de la jungle (Mowgli, el niño de la jungla), títeres de mesa, el viernes 23/09 a las 10h yt 14h - Salle Maryse Bastié. www.titelleslleida.com

Escena de Mowgli

Sin duda constituye Mowgli una de las obras más ambiciosas y que mayor éxito ha obtenido de los producidos por el importantísimo Centre de Titelles de Lleida, convertido en una de las principales instituciones titiriteras del país. Se trata de una coproducción de la compañía con el Teatre Nacional de Catalunya, algo que ya viene siendo habitual en los de Lleida, que presenta el drama del Mowgli, el niño salvaje que se debate entre la jungla y la civilización, una obra en la que Joan Andreu Vallvé, autor de la adaptación del texto de Kipling y también de las marionetas y de la escenografía, nos deleita con una estética visual delicada y a la vez impactante. Marionetas de mesa con manipuladores a la vista, siguiendo una línea de trabajo llena de oficio, arte y coherencia.

  

- PRODUCCIONS ESSENCIALS con Cuttlas, anatomie d’un cowboy (Cuttlas, anatomía de un cowboy), obra de marionetas de técnica bunraku, sombras y luz negra el sábado 24/09 a las 20h; domingo 25/09 a las 11h y 16h - Salle du Mont-

Olympe n°1. www.produccionsessencials.com

Cuttlas

Cuttlas, el popular pistolero creado por el valenciano Calpurnio hace más de dos décadas, es el personaje que los de Produccions Essencials han escogido para esta obra creada por  Sergio Pons, con cramaturgia de Albert Tola y dirección escénica de Lluís Graells. Con un argumento que recoge los temas clásicos del Western, en el que no falta la reconquista de la amada, los duelos al sol con el malvado Jack más otros episodios excéntricos y surrealistas, la obra mezcla el teatro de objetos, el bunraku japonés, el teatro negro y de sombras, la música en directo y las videoproyecciones. Un espectáculo de factura innovadora, rabiosa actualidad y un humor mordaz que no duda en recurrir al más puro estilo del spaghetti western. Una obra que ha merecido ser nominada en los Premios Butaca de Teatro y Cine de Cataluña en 2009 y que ha recibido el Premio de la Prensa del Festival Kontrapunkt 2008, Szczecin, Polonia.

- EL TEATRE DE L’HOME DIBUIXAT, de Valencia, con Pierre à Pierre (Piedra a Piedra), espectáculo de objetos y actor, el viernes 16/9 a las 10h, 11h y 17h, en la Salle Mantova. www.homedibuixat.com

 

Piedras

Tiao Gombau es el intérprete de esta delicada y preciosa obra dirigida por Rosa Díaz en la que el titiritero descubre la llamada cualidad oculta de las cosas, centrándose en las piedras encontradas en la orilla del mar y que el paseante ha recogido al azar. Anodinas piedras que sin embargo guardan muchos secretos ocultos en su interior. Un espectáculo que desarrolla los principios más contenporáneos de la física sobre las llamadas dimensiones ocultas de la realidad, principios que el titiritero metaforiza a través de una delicada poesía escénica, por la cual las piedras dejan de ser piedras para convertirse en muchas otras cosas distintas, sin jamás dejar de ser por ello piedras. Como quién saca una a una las capas de una cebolla, las piedras van desplegando ante el atónito público sus secretos más recónditos.

- EFIMER, con Le Monstre (El Monstruo), obra deambulatoria de calle para un único muñeco gigante, el viernes 23/09 a las  19h, sábado 24/09 a las 18h y domingo 25/09 a las 16h - Place Ducale. www.educats.es.

Lo Monstre

Efímer presenta la creación de una gran marioneta de calle de 2,50 m de altura y largo de 4 metros, que se mueve por entre el público recorriendo la calle o ocupando el espacio de una plaza. Estrenada en la Fira de Tárrega de 2009, cuenta con dos manipuladores, Jordi Lloreta Pané  y Albert Calafell, y una acordeonista, Meritxell Gené, encargada de amansar al monstruo con su música. La criatura es obra de Xavier Mancho, quién ha querido crear un gran dragón capaz de respirar, comer, dormir, pasear, asustarse y. a veces, enfadarse. Impresiona ver a la bestia deambular con su constitución hecha de madera, poleas, cables y otros elementros mecánicos que le dan vida. El resultado es tan poético como espectacular.

- NE ME TITERE PAS, con Circumloqui, obra deambulatoria de calle para triciclo, actor y marionetas de guante,  el viernes 23/09 a las 17h y 20h ; sábado 24/09 a las 11h y 16h - Place du Théâtre. También el domingo 25/09 a las 14h30 y 17h30 -  Place du Marché, en La Cassine. www.lamaleta.cat

El niño bala

La joven compañía formada en 2006 por Xesco Quadras y la compañía Pomodoro, con Miquel Nevado y Eva Montero, presentan este montaje de calle para un único manipulador, clown y músico a cargo del polifacético Xesco Quadras. Se trata de un circo ambulante que cabe en un triciclo y en el que todo se hace en directo. Destacan sus números de doma más el único niño cañón capaz de volar hasta 50 metros. Humor desbordante y una ingeniería tan deslumbrante, loca y efectiva como casera y divertida.

Curso de Sombras, Títeres y Objetos: crear una obra.

Tras la pantalla. Taller realizado en Beirut, mayo 2011

- Octubre 2011. Del lunes 24 al viernes 28.
- 5 días de duración
- Horarios: de 16h a 21h
- Total horas: 25
- Lugar: La Mona de Seda. Barcelona

¿Cómo enfrentarse a la creación de una obra  que junte autoría personal con el lenguaje del teatro de títeres, sombras y objetos? Desde la subjetividad del creador, pasando por las disciplinas del desdoblamiento, la dramaturgia sintética de los lenguajes populares de títeres y sombras, la multiplicidad del lenguaje artístico contemporáneo, hasta llegar al rito de la representación ante el público. 

El curso ofrece a los interesados una metodología de pasos sucesivos y articulados, que deberán culminar en la práctica combinada del “teatro interior” de sombras con el “teatro exterior” de títeres y objetos. 

 Dualidades claves:

     Interior / Exterior
     Tradición / Modernidad
     Subjetivo / Objetivo
     Sombras / Títeres

El curso está dirigido tanto a principiantes como a profesionales, sean titiriteros, actores, maestros, artistas plásticos u otras personas relacionadas con el teatro y la imagen.

Para ver información sobre Toni Rumbau, pulsar aquí.

Algunos textos de referencia sobre contenidos relacionados con el curso:

- “Función en Trípoli. Semejanzas y diferencias entre Polichinela y Karagöz”, publicado en el blog de Rutas de Polichinela.

- “Títeres y sombras: dos herramientas de conocimiento”. Publicado en el fanzine peruano “Mil Vidas”, que dirige Martín Molina.

El espíritu libre, rebelde y heterodoxo de Polichinela se encarna y se manifiesta en las tradiciones populares de títeres y sombras del mundo entero. Un espíritu que, más allá de las distintas tradiciones y sus especificidades, despliega unas líneas dramatúrgicas que miran hacia el futuro: útiles herramientas para el teatro de hoy. 

Este curso invita a conocer estas herramientas a través de una práctica que se hará según siete fases metodológicas de desarrollo en función de un objetivo claro: la creación de una obra que junte el mundo subjetivo de las sombras con la dimensión objetiva de lo que se puede ver y tocar. 

Más información aquí. 

Documental sobre el teatro de títeres de Yoshida Chiyokatsu

Escena del monje libertino de una función actual
del Sarukura Nyngio

Desconocía por completo las dimensiones del teatro de títeres de guante en Japón. Dada la asentada pervivencia de las más antiguas tradiciones en este país, era de esperar que también en este campo existieran ejemplos interesantes. Lo pude comprobar el último día de estancia en Tokio, al ser invitado a presenciar un pase privado del documental hecho hace 40 años sobre el teatro del señor Yoshida Chiyokatsu, un maestro fallecido en 2001 y del que Tamiko Onagi me había hablado con mucho fervor. Fue la misma autora del reportaje, la cineasta Sukama Masako, quién nos invitó a su estudio para visualizar este documento que pasó en su día por distintas televisones y que hoy sólo es posible encontrar en su archivo particular.

El caso de Yoshida Chiyokatsu es de alguna manera paradigmático en este tipo de teatro: el del titiritero campesino que, en los meses de inactividad en el campo, salía a los caminos con su retablo y sus títeres para actuar en los distintos festivales y celebraciones que se realizan en templos, santuarios, teatros y plazas de pueblos y ciudades. Se trata de una combinación, la del titiritero-campesino, que sigue existiendo adaptada a los tiempos modernos, pues son muchas las compañías que mantienen esta doble actividad, con espectáculos que muchas veces se representan en una única ocasión, como es el caso del Teatro Kudora de Iida, ya mencionado en este blog. Aunque más que campesinos, actualmente debería hablarse de voluntarios de muy distintas profesones.

Yoshida Chiyokatsu vivía en una aldea de la Prefectura de Akita, situada en el norte de Japón. Tras aprender el arte de los títeres de guante de Yohachi Ikeda, se convirtió en el continuador de su trabajo cuando años más tarde, con la ayuda de su mujer y de su hija, formó compañía propia. Rápidamente destacó en esta especialidad como el titiritero más admirado y reconocido de su tiempo, tanto por la calidad de la manipulación, de un alto grado de virtuosismo, como por elevar el viejo repertorio a niveles de gran dignidad ejecutante y calidad literaria.

Títeres del Sarukura Nyngio de la compañía
Aniwa, creada por Chojiro Hosokawa
en 1924, inspirado por los títeres
de Akita del señor Yohachi Ikeda.

El documental nos muestra varias representaciones suyas, auspiciado por su esposa, manipuladora y vocalista, así como por su hija, experta en el shamisén y también en la asistencia vocal, rítmica y coreográfica del espectáculo. Las funciones se realizaban sobretodo en abril, durante la fiesta de los Cerezos en Flor, una fiesta de las más queridas por los japoneses, que suelen reunirse bajo los cerezos para comer, cantar, pasar el día y la noche también y, sobretodo, para contemplar el espectáculo silencioso de las flores del cerezo. Es una fiesta que junta lo religioso con lo estético y lo puramente festivo, en este sincretismo sin par que es la práctica religiosa en Japón. El documental nos muestra varias situaciones: montando en una plaza, en un descampado, frente a un bosque de cerezos, en un local cerrado para comensales adultos que parecen celebrar una fiesta particular, y tal vez en un teatro. En todas ellas, se realiza un fragmento del repertorio del señor Yoshida Chiyokatsu.

Compuesto de unas cinco o seis obras, todas ellas largas y con mucho texto hablado así como profusión de escenas de lucha o de divertidos bailes, las escenas mostraban batallas de samurais entre si, con grandes serpientes mitológicas o con una mujer que en realidad es un diablo que va cambiando de rostro cada vez que el samurai vengador le corta la cabeza. Quizás la escena más divertida sea la del monje libertino que conquista a una mujer que lo ignora. Todo un ejercicio de virtuosa manipulación en la que se juega con dos hermosos parasoles y en la que hay un constante juego de seducción y de picardía tanto del monje como de la mujer. El tema del monje budista loco, pícaro y lúbrico es por lo visto recurrente en el teatro japonés, muy tratado en los títeres populares así como en el Kyogen, este género que se intecala en las representaciones de Teatro Noh.

Taiji Kawajiri con Pukichi al fondo

La idea de Tamiko Onagi de que el espíritu de Polichinela está de alguna manera presente en Japón, pudo constatarse viendo el humor y los juegos de manipulación del Sarukura Nyngio (nombre de esta tradición de títeres de guante) realizados por Yoshida Chiyokatsu. Así lo pareció entender también el antiguo director del Teatro Puk, el señor Taiji Kawajiri (1914-1994), quién sale en la película entrevistando al titiritero de Akita. Consciente de que se encontraba ante un verdadero virtuoso, invitó muchas veces al señor Yoshida Chiyokatsu a actuar en el Teatro Puk y fue bajo sus instancias que pudo en una ocasión verse su espectáculo en Europa, al actuar en Charleville-Mézières y en la ciudad belga de Liège. Cabría hablar aquí de cómo Taiji Kawajiri, buen conocedor de la tradición polichinesca europea, buscó siempre tener un personaje de estas características, motivo por el que inventó a Pukichi, el pequeño Puk, quién en su origen fue un obrero que luchaba por sus derechos y conquistas sociales. Su figura preside hoy los carteles más emblemáticos del teatro, aunque no haya tenido un desarrollo escénico posterior como personaje.

Machiko Watanabe "Machi", actual directora
del Teatro Puk, con el Pukichi actual

El documental filmado por Sukama Masako muestra no sólo los momentos más brillantes de los títeres, sino también la intimidad del titiritero en casa, en el interior del retablo, con su hija tocando el shamisén y su mujer manipulando al lado, de fiesta con la familia y sus amigos, o montando el gran retablo en el que actúa. Un tono poético, pulcro y premonitoriamente nostálgico impregna toda la película, de 80 minutos de duración, como si la directora fuera consciente de que se encontraba filmando algo que pronto podría desaparecer. Y aunque sigan existiendo compañías que continúan practicando el Sarukura Nyngio, difícilmente volverá a verse esta feliz combinación de maestría en la voz, el canto, la improvisación y la gestualidad con los títeres. Un documento admirable que rescata una tradición que sigue y se transforma bajo el signo implacable de la modernidad.


Nota: la información que se da en estos artículos no es definitiva, pues debe pasar por el filtro de una verificación y corrección posteriores más rigurosas. Tómese más como "notas de viaje" que como textos ensayísticos de carácter concluyente.

Marionetas en Hokkaido

Las Rutas de Polichinela por Japón nos han llevado a la isla de Hokkaido, al norte del archipiélago nipón, el último destino de nuestra gira antes de volver a Tokio para coger el 18 el avión de regreso a Barcelona.

Tamiko. Tacashi y Rebecca en el centro de cervezas
Sapporo

Isla inmensa, la segunda del archipiélago, tiene varias características interesantes. La primera, al menos para mi, es que está llena de volcanes en activo, con profusión de  géiseres y otros fenómenos propios de los lugares con mucha actividad telúrica. Claro que todo Japón está lleno de volcanes, pues el mismo Fuji lo es, de modo que Hokkaido no hace más que cumplir una norma común a estas tierras. La otra característica es que posee una población autóctona de origen muy antiguo, los ainu, relacionados según parece con los primeros pueblos de Siberia, de lenguas paleosiberianas. Pueblo que ha conservado algunas de las características de las culturas cazadoras y recolectoras, aunque actualmente se encuentra en un avanzado declive, tras sufrir los últimos embistes de la colonización japonesa. Una cultura que se remonta muy lejos en el tiempo, al ser heredera de los pueblos anteriores al neolítico, este largo, rico e intenso período cultural que recorre las distintas glaciaciones y que se caracterizaba por su condición transhumante en pos de los grandes rebaños de renos, que subían y bajaban por los paralelos siguiendo los ritmos de las estaciones. El mismo período que dio las pinturas de la época Magdaleniense en Altamira, Lascaux y otros templos del arte.

No tuvimos tiempo de inspeccionar los rasgos actuales de esta cultura, hoy protegida por el estado y que sobrevive en lugares apartados, con peligro de convertirse en parques temáticos para el turismo.

Vivir en una tierra que tiembla cada día, que de vez en cuando se enfada mucho, destruye casas y cambia los paisajes, y que incluso escupe fuego a través de sus volcanes, sin duda debe condicionar la psicología de sus habitantes. Lo vimos en Sicilia y en Nápoles, dos lugares de considerable actividad telúrica, ambos con profunda presencia marionetística, y lo volvemos a ver en Japón, una tierra igualmente dotada de longevas tradiciones titiriteras. Una fidelidad a lo antiguo que podría explicarse por el afán de mantener un contínuum en el tiempo, cuando el presente está tan amenazado por las incertidumbres de la geología. Algo propio también de la mentalidad isleña, en la que lo desconocido acecha amenazante en los horizontes marinos, lo que induce al conservadurismo de lo particular.

El señor Nanchán con una de sus marionetas

De todas formas, pocas tradiciones vimos en Hokkaido. Lo que sí pudimos observar es la gran fuerza que tiene en ella, y por extensión en todo el país, el teatro aficionado de marionetas. Una realidad que no he visto en otros países –aunque creo que en Estados Unidos ocurre algo similar. Por ejemplo, de los 500 socios inscritos en Unima Japón, la mayoría son titiriteros aficionados. Los encontramos en Okinawa, en Osaka, en Nagoya, muchos en Iida (cuyo festival es lugar de encuentro obligatorio de los aficionados al títere), en Tokio y sobretodo en Hokkaido. Digo “sobretodo” porque los dos teatros en los que actuamos, muy diferentes entre si, pero entrañables ambos y en los que fuímos muy bien atendidos, estaban regentados y fueron creados por grupos de titiriteros aficionados.

Tras la función en Asahikawa con el equipo del señor
Nanchán.

En Asahikawa, primera ciudad visitada, actuamos en un centro cultural que el señor Nanchán y su equipo habían convertido en un verdadero teatro muy bien dotado en todos los aspectos. Cabe hablar aquí del señor Minamide Shoichi, más conocido por el apodo de Nanchán, fervoroso activista de las marionetas y uno de los principales impulsores del movimiento de aficionados a los títeres en Japón. Ingeniero informático de profesión, es también creador de uno de los primeros coches autoimpulsado por energía solar –su aparato, un artefacto plano para un único conductor y pasajero, que nos enseñó encerrado en un container, recorrió trescientos kilómetros en Australia sin fallo alguno. Su amor  a las marionetas, que proviene de la infancia, es de una tal intensidad que ya querrían muchos profesionales disponer de semejantes caudales de ilusión y de energía. A su alrededor se mueve un equipo de unas veinte o treinta personas, incondicionales y todas ellas titiriteros también en sus horas libres, que al acabar nuestra función desmontaron en un santiamén la pesada estructura que habían montado de hierros, focos, cables, dímers, equipos de sonido…

La segunda función fue en Sapporo, la capital de la isla y la tercera en importancia al norte de Tokio. Su nombre se confunde con el de la cerveza que se fabrica en ella y que constituye una de las más apreciadas y bebidas de Japón. Lo pudimos comprobar al visitar sus instalaciones, con un pequeño museo y un restaurante dónde gozamos, bien conducidos por la experta Tamiko Onagi, de las excelencias de este espumoso de la cebada de Hokkaido.

Exterior del Teatro Yamabiko-Za de Sapporo

Actuamos en el Teatro Yamabiko-Za, una maravilla de local estable dedicado al teatro de marionetas con una capacidad para unos 150 espectadores, dotado de unas instalaciones impecables, un escenario grande y acogedor, unos camerinos de maravilla con tatamis incluídos para el reposo de los actores, y unas instalaciones en el sótano para talleres que jamás había visto tan bien acondicionados. Nos dimos cuenta de que en Sapporo, capital de una isla con mucho espacio y poca gente (es la de menos densidad de población del país), todo es en ella grande, como el mismo estadio llamado Sapporo Dome, que se construyó para la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea del Sur y Japón. Dedicado actualmente tanto al fútbol como al béisbol (uno de los deportes preferidos de los japoneses), el Sapporo Dome es obra del arquitecto japonés Hirouryshi Hara. Su peculiraridad más extravagante es que la cancha con hierba natural se desliza fuera del recinto sobre un colchón de aire para que así crezca, lo que permite otros usos del tinglado.

Interior del Teatro Teatro Yamabiko-Za de Sapporo

Pero volvamos al Teatro Yamabiko-Za, en el que cada año se imparten unos talleres de Bunraku a los titiriteros del lugar. A tal fin están dedicados las instalaciones antes apuntadas del sótano, pero también el escenario de madera de Hinoki, el ciprés japonés, que vimos plegado al fondo del escenario y cuyo poderoso aroma llenaba el espacio posterior de los camerinos. De nuevo nos encontrábamos con la noble madera para los escenarios de las marionetas tradicionales, que ya vimos en la sala de ensayos del Museo Takeda en Iida, y que constituye un requisito imprescindible para estas labores marionetísticas de altos vuelos y casi “sacras”.

Posando con los titiriteros del Teatro Teatro Yamabiko-Za
de Sapporo

Fue la última función en Japón y pareció que el público lo supiera, tal fue la intensidad sentida durante la representación. Al acabar, charlamos con buena parte del público, compuesto de muchos titiriteros aficionados, y la verdad es que sentimos pena de terminar ya la gira. Nos queda regresar a Tokio para esperar el avión que el 18 nos llevará de nuevo a Barcelona. Unos pocos días que serán aprovechados convenientemente para continuar con nuestas indagaciones titiretiles.

Actuaciones en el Teatro Puk de Tokio

Cartel del Teatro Puk.

Los días 10 y 11 tocó actuar en el Teatro Puk de Tokio, que este año celebra su 40 aniversario. Precisamente para celebrarlo, ha organizado varios eventos, entre los cuales está la gira y las representaciones de mi espectáculo “A Manos Llenas". Concretamente han sido tres las funciones hechas en este entrañable teatro, las tres con las entradas agotadas desde hacía varios días, lo que puede considerarse un total éxito, pues en agosto mucha gente está de vacaciones.

Con el señor Yoshimoto y Tamiko Onagi

La verdad es que ha sido un placer actuar en este teatrillo que, a pesar de su aforo limitado (tiene una capacidad para unos 110 espectadores, aunque estos días se llenó con más de 120), ocupa todo un edificio entero y cuenta con una plantilla de unos setenta personas entre administración, técnicos, constructores, manipuladores y directores. Todo ello se traduce en un repertorio en activo de más de 12 espectáculos, en dos equipos dedicados uno a las giras de la compañía y el otro a la actividad del teatro, y en una tercera sección llamada Estudio Nova, cuya sede está en unos pisos al lado mismo del teatro, dedicada a la creación de películas de animación con muñecos, básicamente para la televisión, con 17 personas implicadas entre directores, montadores, técnicos y constructores. Durante el año, la compañía se multiplica en varios equipos que recorren Tokio y el Japón entero con los distintos espectáculos, actuando en escuelas o en teatros para las campañas escolares.

Con el muñeco Asatarou y su actriz manipuladora,
Ayako Ichihashi.

Precisamente días atrás tuve la ocasión de ver uno de sus últimos espectáculos en un teatro de un centro cívico de Tokio, grande y muy céntrico. Se trataba de la obra Negibouzu-no-Asatarou (Asatarou, the Welsh Onion), dirigido por Yuriko Hayakawa, con diseño de Yumiko Wakabayashi y música de Katsumi Horii. El espectáculo, narrado a la manera tradicional del Roukyoku (con voz de Takeharu Kunimoto) estaba manipulado por Hiromi Akimoto, Shizuki Noda, Ayako Ichihashi, Kou Kadota y Sayaka Inoue. La obra está inspirada en un cómic de mucho éxito en Japón cuyos personajes son simples “vegetales” pero con comportamientos muy “humanos”. El resultado fue una delicia de espectáculo, con una manipulación a la vista de grandes muñecos muy lograda. Me gustó la presencia de los actores-manipuladores, la relación con sus títeres y el ritmo que le imprimían a la acción. Por un lado se notaba una gran experiencia y, por el otro lado, un gusto y una delicadez exquisita en los movimientos y en el trato con los personajes. Aún tratándose de títeres modernos que se alejan voluntariamente de las viejas tradiciones japonesas, los manipuladores del Puk mantienen el tono y la actitud de respeto que he visto en todos los espectáculos tradicionales, algo que los aleja bastante del tono siempre más desenfadado y a veces transgresivamente irrespetuoso, del teatro occidental. También aquí hay desparpajo y una buscada libertad de movimientos, pero siempre manteniendo el tono base de la cortesía y de la dignidad en el teatro con los muñecos y con el público.

También presentaron una versión de “Pedro y el Lobo”, a partir de la música de Prokofiev, muy bien dirigida por K.Nishimoto. La obra, escenificada igualmente con muñecos grandes y manipulación a la vista, encandiló al público, con una adaptación libre de la música del gran compositor ruso.

Edificio del Teatro Puk

Respecto al teatro, situado en Shinjuku, uno de los barrios más céntricos y “movidos” de Tokio, dónde se levantan algunos de los edificios más altos e imponentes de la capital, hay que decir que sorprende por lo bien organizado que está y por las prestaciones técnicas que posee. La más espectacular, sin duda, es un escenario móvil que baja hasta dos niveles a modo de gran montacargas, lo que permite cambiar en apenas unos minutos una escenografía. Un lujo que los titiriteros del Puk aprovechan casi a diario, al tener por costumbre presentar programas dobles en una misma sesión. No falla tampoco el treatro en el “merchandising”, con una tiendecita en el vestíbulo muy bien aprovechada.

Lumi, Toni, Rebecca y Mamika (Foto Tamiko Onagi)

La razón del nombre del teatro no tienen nada que ver con el personaje shakespeariano, como al principio supuse. Fundada en realidad la compañía en 1929 por su primer director artístico Toji Kawajiri, fue llamada PUK por ser esta palabra la contracción de La Pupa Klubo, el Club de los Títeres en esperanto. Un origen pues relacionado con las ideas más progresistas y avanzadas de la época, que buscaba un lenguaje universal capaz de unir a los distintos pueblos del mundo. Una utopía que también está detrás del nombre La Clarté del teatro de Osaka dónde actué. Tal vez erró el señor Kawajiri en considerar el Esperanto como la futura lengua franca del mundo, pero no en escoger las marionetas como el lenguaje propio de la compañía: un lenguaje cuya universalidad está hoy fuera de toda duda.

Una compañía con más de ochenta años de ininterrumpida actividad no es cosa de cada día. Me contaba Tamiko Onagi que durante la Segunda Guerra Mundial, el Puk Teatro se posicionó contra la dictadura militar, por lo que sufrió persecución y, su director, prisión. En su dilatada historia, tuvo que cambiar varias veces de nombre y perdió a muchos miembros durante la guerra. Al acabar ésta, volvió a posicionarse según el ideario fundacional que le dio vida.

Machiko Watanabe "Machi" con un demonio catalán (foto
Tamiko Onagi).

La actual directora del teatro, Machiko Watanabe, busca mantener un trato exquisito y muy personal con el público, con una clientela que me pareció de mucha fidelidad. Me sorprendió la presencia mayoritaria de público adulto, con más mujeres que hombres entre el público, lo que siempre es de agradecer, aunque también había algunos niños, por supuesto. En las distintas sesiones y en los encuentros que tuvimos con los miembros del Puk, pude constatar el alto nivel humano y profesional del que hicieron gala, por su extraordinario interés y entusiasmo hacia lo ajeno y lo distinto.

Adjunto algunas fotos que completan las que agrupé en un álbum en la entrada anterior.

Algunas imágenes en el Teatro Puk de Tokio

Fotos hechas por Rebecca Simpson en el Teatro Puk de Tokio, los días 10 y 11 de agosto, en los que realizamos tres representaciones. Para verlas, clicar sobre la imagen.

Puk Theatre - Tokyo - 10-11 August 2011

Función en el Teatro Himawari de Nagoya y alguna imágenes de la gira

Edificio del Sompo Japan Group de Nagoya

Se me hacía imprescindible aprovechar estos días que estamos en Tokio, mientras esperamos las funciones a realizar en el Teatro Puk, para hablar de la representación hecha en la ciudad de Nagoya el día 31 de julio, cuya crónica se quedó en el tintero, postergada por el trasiego de la gira.

Interior sala del Himawari Teatro de Nagoya

La representación se hizo en el Teatro Himawari, el primer teatro que conozco situado en el último piso, concretamente el 20, de un altísimo edificio de oficinas. La razón es muy senzilla: la empresa de seguros Sompo Japan Group, en su política de dar una imagen pública de apoyo a la sociedad, ofreció el último piso de su nuevo edificio en Nagoya, inaugurado en el año 1989, para establecer en él un teatro de marionetas con el nombre de Himawari, que en japonés significa Girasol. Coincidió su inauguración con un Congreso de Unima Japón que se celebró en Nagoya. El Teatro, regentado desde entonces por un activo grupo de titiriteros aficionados y patrocinado por el Sompo Japan Group, no ha cesado de programar títeres para público infantil y familiar, con participación de grupos japoneses y extranjeros.

Takashi Nakaide en el montaje de Nagoya

Cabe decir que el hecho de encontrarse en el piso 20 no significó ningún contratiempo, pues el edificio consta de buenísimos y rápidos ascensores, que comunican con mucha comodidad con el teatro propiamente dicho. Por cierto, muy bien dotado en cuestiones de luz y sonido, y con un servicio de técnicos de primerísima calidad. Además, constituye todo un gozo disfrutar de su inmenso camerino con unos ventanales que ofrecen una vista panorámica espectacular, con el castillo de la ciudad al fondo. Este castillo, creado originalmente por Imagawa Ujichika, del clan feudal Imagawa, ha sido destruído y reconstruído varias veces a lo largo de la historia. La última fue durante un bombardeo aéreo el 14 de mayo de 1945, que lo calcinó por completo. Su reconstrucción culminó en 1959, con un acabado que reproduce la apariencia del viejo castillo, siendo su interior un edificio normal de hormigón transformado en un museo moderno. Son famosos los dos delfines de oro que se exhiben en la parte superior del tejado, y que se han convertido en uno de los símbolos preferidos de la ciudad.

Vista desde el camerino del Himawari Teatro

Adjunto algunas fotos realizadas en el Himawari Teatro así como otras de Tokio que también habían quedado en el tintero.

Museo de la Ciencia de Nagoya

Con los titiriteros de Nagoya (Foto de Tamiko Onagi)

El castillo de Nagoya y los dos delfines en el tejado

Toni Rumbau con Ayako Ichihashi, del Teatro Puk de Tokio, después de la función
de Negibouzu-no-Asatarou (Asatarou, the Welsh Onion).

Con Polichinela y el Diablo (sostenidos por Rebecca Simpson),
foto de Teresa Iniesta

Tras la función. Foto Teresa Iniesta.

El Museo Takeda de Iida

Tras las dos funciones de “A Manos Llenas” realizadas en el Festival de Iida, concretamente en el Kawamoto Kihachiro Puppet Museum, funciones que han transcurrido estupendamente, con llenos totales pues hacía días que las entradas estaban agotadas, me queda por hablar sobre algunos lugares emblemáticos de Iida, una ciudad que desde el punto de vista marionetístico es una constante caja de sorpresas.

Marioneta de Kihachiro Kawamoto.

De entrada, son varios los museos dedicados al arte de los títeres. Uno de ellos es el dedicado al gran especialista en cine de animación con marionetas, Kihachiro Kawamoto, autor de varios films que tuvieron mucho éxito en televisión. Las marionetas, todas ellas preciosas y de impecable factura, están expuestas en vitrinas según grupos de personajes pertenecientes a distintas películas. Constituyen un precioso repertorio de personajes de la literatura clásica y popular japonesa, con profusión de samurais, princesas, sabios y señores malvados.

Antiguo teatro situado junto al Museo Takeda,
hoy en desuso.

Otro de los museos, y del que me gustaría hablar aquí con más detalle, es el dedicado al gran marionetista japonés nacido en Iida, el señor Sennosuke Takeda, museo que se halla situado fuera del centro de la ciudad, al lado mismo de un antiguo teatro de Bunraku que, como suele suceder aquí, se encuentra en la base de un precioso Shrine que empieza en la esplanada dónde se situaba el público. La zona está cerca del templo budista Motozenkoji, al que no tuvimos tiempo de visitar.

El museo es una delicia de diseño de estilo japonés, es decir, realizado según los más estrictos principios de la contención propios de un gusto poético que busca la emoción estética a través de la simplicidad y la extrema economía de medios. Se encuentra ubicado en un hermoso jardín que recuerda la disposición Zen de los templos del complejo de Daitoku-ji visitado en Kyoto, jardín que rodea el museo, la sala de ensayos y la misma vivienda privada del señor Takeda, unidos a través de un recorrido que va de lo público y abierto a lo privado e íntimo.

Muy sencillo en cuanto a su estructura, consta el Museo de una entrada-tienda, en la que se ofrece un merchandizing de gusto exquisito, con servicios y espacio privado de secretaría. Esta entrada comunica, a través de un pasillo ajardinado, con el museo propiamente dicho, consistente en un edificio de planta cuadrada cuyo centro es una sala que reproduce un teatrillo de asientos escalonados enfocado a un escenario con una escena fija de marionetas perteneciente a una de las obras de la compañía. Alrededor de esta sala central, y en espacios que se abren a modo de anchos pasillos, están las piezas expuestas de la colección del Museo. Lejos de buscar una acumulación de elementos, se ha optado por el mismo principio de sobriedad, de modo que las marionetas expuestas son pocas pero de una extraordinaria belleza. En grupo o individualmente, se exhiben en vitrinas puestas encima de cajones que contienen un mecanismo automático de regulación de la temperatura y de la humedad. Igualmente, junto a unos grandes ventanales que dan al jardín, se encuentra un recogido espacio con asientos dónde el señor Takeda nos recibe con un te. Sentados a su vera estábamos pues Tamiko Onagi, Takashi Nakaide, el señor Nobuhiro Sugita y su esposa Natsue Sugita que se sumaron también a la visita, mi compañera Rebecca Simpson y yo.

El señor Sennosuke Takeda manipulando una marioneta
(foto de Rebecca Simpson).

Gran amigo de Tamiko Onagi –quién lo considera su maestro–, el señor Takeda nos habló de sus años de actividad, cuando dirigía su famosa compañía de marionetas de hilo instalada en Tokio, en cuya ciudad regentó durante años un teatro estable. De hecho, el señor Takeda proviene de una familia de marionetistas de hilo que se remonta en el tiempo: fue hacia 1660 que una compañía formada por Ominojo Takeda construyó un teatro en Osaka, en el barrio histórico de los teatros llamado Dotonbori, dónde se presentaban espectáculos de marionetas de hilo, pero también de guante y títeres movidos por mecanismos automáticos. Desde entonces, la compañía se ha mantenido fiel a esta especialidad, el hilo, y tal fue su fama, que durante mucho tiempo el nombre de Takeda se utilizó en Japón como sinónimo de teatro de marionetas.

En Tokio, compartió las presentaciones en el escenario con su trabajo en el cine, cuando abrió el primer estudio de títeres existente en Japón. La compañía recorrió numerosos países con sus espectáculos y el señor Takeda fue considerado en su tiempo como uno de los mejores marionetistas del mundo, famoso por el virtuosismo de su manipulación.

Tras visitar la exhibición permanente, el joven discípulo del señor Takeda y continuador de su trabajo, Takeda Senju, nos explicó cómo se manipulan las marionetas, con un particular mando cuadrado que me recordó el de las marionetas chinas (una simple madera plana de la que cuelgan todos los hilos) pero dotado de una mayor sofisticación técnica. De todas formas, y cómo sucede con la técnica china de manipulación, su secreto está básicamente en el trabajo de las manos y su control de los hilos, lo que hace que manipular una marioneta sea tan difícil como tocar un instrumento.

Takeda Senju manipulando la marioneta Sambaso
en el escenario de la sala de ensayo.

Tras estas demostraciones, el señor Takeda nos invitó a visitar la sala de ensayos, el verdadero sancta santorum del lugar, pues aquí es dónde imparte sus clases el Maestro, clases que se hacen individualmente según establece la tradición. Situado en una pequeña construcción fuera del Museo, contigua a su misma vivienda, pudimos comprender la importancia que tienen estos espacios de ensayo en las distintas tradiciones marionetísticas del Japón: lugares privados, a modo de particulares santuarios, en los que se establece una relación directa de persona a persona entre Maestro y Discípulo, y que guarda una estrecha relación con los viejos cultos religiosos y con el carácter sagrado que se halla en el origen del arte de las marionetas. En el mismo espacio de ensayo del señor Takeda, había dos altares contiguos, uno dedicado al sulto sintoísta y el otro al budista. Igualmente, el escenario dónde se ensaya, hecho de la preciosa y perfumada madera de Hinoki, el ciprés japonés, debe estar perfectamente limpio e impoluto, y sobre él se camina sólo arrastrando los pies y con unos calcetines especiales. Todos estos requisitos y condicionantes, que a los europeos pueden parecernos superfluos o una anticualla, cobran aquí todo su valor en el contexto de la cultura japonesa, tan respetuosa con las formas y provista de una extrema cortesía hacia lo sagrado, pertenezca éste a uno u otro culto. La misma marioneta que movía el joven Takeda Senju representa a un personaje llamado Sambaso relacionado con las danzas del mismo nombre, muy utilizadas en los rituales shinto y que se remontan al origen del Teatro Noh. A través de este personaje se convoca a los dioses que deberán augurar un feliz año nuevo o bendecir una nueva casa, una marioneta utilizada en viejos rituales chamánicos y provista, por lo tanto, de un carácter sagrado.

La visita a esta entrañable y casi mística sala de ensayos nos abrió, a Rebecca  Simpson y a mi, unos horizontes en la comprensión del teatro de marionetas de Japón y de su cultura en general que hasta entonces sólo habíamos levemente intuído. Se entiende así mucho mejor el formalismo casi ritualístico que acompaña las representaciones de Bunraku, como la que vi en el Teatro Nacional de Osaka, en el que este carácter de respeto sacro está perfectamente encarnado por los gestos ceremoniosos del inicio y del final, o en las mismas funciones del Teatro Puk, que aún con planteamientos modernos y dirigidas a los niños, mantienen igualmente este tono de respeto y de cortesía hacia los muñecos y hacia el público.

Espacio dedicado a las danzas Sambaso del santuario
sintoísta.

Tras salir del Museo, visitamos el shrine (santuario sintoísta) que hay a su lado, cuyas escaleras suben desde la esplanada del viejo teatro hasta los templetes que suele haber en estos lugares. Quedamos de nuevo fascinados por el entorno del lugar y por las arcaicas construcciones de madera que parecen tener cientos de años de existencia. En la parte superior, vimos lo que parecía un lugar de actuación, pues había en su interior un gran tambor. Nos contó Tamiko Onagi que se trataba de un lugar para las danzas rituales que se suelen hacer en los festivales shinto, del mismo modo que en otros lugares se hacen representaciones de Teatro Noh, de Kabuki o de Bunraku.

Dejo para posteriores entradas más detalles del Festival así como otros momentos vividos en esta memorable gira.

El Iida Puppet Festival y el Teatro Kudora

(error en el título: se llama Teatro Kuroda)

Invitado a actuar en este prestigioso festival de títeres, el más importante de los que se celebran en Japón, aprovecho para profundizar en las características de los teatros tradicionales de títeres de este país, que son tan interesantes y numerosos como inagotables, en el sentido de su persistencia en el tiempo. En efecto, voy constatando de qué modo se han conservado formas antiquísimas de teatro, que unas veces tienen que ver más con viejos rituales de origen chamánico que con el mundo del espectáculo, y en otras están profundamente arraigadas en las más sofisticadas creaciones literarias y artísticas de la época Edo.

El señor Nobuhiro Sugita y su esposa Natsue Sugita en la
ceremonia de inauguración del Festival.

Iniciado modestamente en el año 1979, el Festival se ha convertido en un acontecimiento único de sólo 4 días de duración pero con una oferta de más de 400 representaciones y capaz de reunir a 40.000 espectadores. Centrado sobretodo en compañías japonesas, siempre cuenta con una considerable presencia internacional. Este año los países invitados son Chequia, Kazakhstán, Taiwán, Dinamarca, Suecia y España. Lo interesante de Iida, además de los espectáculos, son los museos que existen en la ciudad dedicados a las marionetas, tres en concreto, así como las compañías tradicionales que aún quedan en activo: la Imada Puppet Troupe, la Kuroda Puppet Troupe, La Furuta Puppets y la Waseda Puppets. Realidades que desde la perspectiva marionetística, convierten a Iida en una pequeña pero nada desdeñable capital interior de los títeres en Japón.

Ida se encuentra en la prefectura de Nagano, en el valle del río Tenryu que desciende por la parte sur de los llamados Alpes japoneses. Tiene una población de 104.877 habitantes y se halla a medio camino entre Nagoya y Tokio. Pertenece pues a esta región de las montañas más altas del Japón, muy visitada en verano por su clima agradable. Se distingue también por los múltiples festivales que se realizan en los santuarios sintoístas, que abundan en la ciudad. Concretamente en uno de ellos se alza el teatro Kuroda, en un lugar impresionante y que sólo funciona un único día al año: el primer domingo de abril de cada año. Ese día, se abren las grandes puertas del viejo teatro construído hace 180 años, y que substituye a otro más pequeño que ya tenía entonces 300 de antigüedad.

El Teatro Kuroda de Iida

Exterior del Teatro Kuroda

Acompañados por el amigo y joven ingeniero de sonido Takashi Nakaide, quién cumple de jefe técnico y logístico en nuestra gira, acudimos Rebecca Simpson y yo a la cita concertada con el señor Nakajima, actual mánager de la compañía Kuroda. Nos encontramos ante el gran local con forma de templo dónde la compañía ensaya y en la que tiene un pequeño museo familiar. De allí nos dirijimos al verdadero teatro, ahora cerrado pues, como se ha dicho, sólo funciona un día al año, durante el Festival de Primavera dedicado al Shimokuroda-Suwa Shrine. Se encuentra al lado mismo del edificio de ensayo, en una zona dedicada al culto sintoísta, el Suwa Shrine, rodeado de templetes, piedras, tumbas y otras casetas y ornamentaciones para nosotros indescifrables.

El señor Nakajima, Rebecca Simpson y Takashi Nakaide en
el interior del Teatro Kuroda de Bunraku, frente a las
ventanas que dan a la esplanada para el público.

Consiste en una construcción únicamente de madera, que se aguanta sin clavo alguno, con tablones impresionantes algunos de los cuales tienen más de setecientos años de antigüedad. Se trata en realidad de un escenario entero para marionetas del estilo ningyō jōruri o Bunraku, con dos plataformas laterales para los toyus y los músicos de shamisén. Actualmente sólo se utiliza la plataforma de la derecha (visto desde el público) aunque por lo visto, antiguamente se usaban las dos pues había más músicos disponibles en la compañía. Los espectadores están fuera del edificio, sentados en la esplanada que hay frente al teatro-escenario.

Viendo el entorno del teatro, nos damos cuenta de la significación ritualística de estas representaciones, celebradas cuando empieza la cosecha del arroz, al inicio de la primavera. Un rito pues de regeneración de la vida y de la naturaleza, y que reúne a miles de personas en los distintos santuarios del país. En todos ellos se celebran muchos festivales, la mayoría con representaciones al aire libre de Teatro Noh y de Kabuki, y en algunos casos de Bunraku. Iida es de los lugares que ha mantenido la vieja y más sofisticada tradición del ningyō jōruri, y el teatro de Kuroda es uno de los más señeros que quedan.

Fue un antepasado del señor Nakajima, músico de shamisén y hombre de posibles, quién financió el teatro a principios del s.XIX. El linaje familiar continuó la labor sin interrupción y el actual representante, aunque ya no es músico, sigue fiel a la tradición y es el encargado de organizar y mantener el teatro y la compañía.

Visita a la parte superior del teatro.

Subimos al piso superior del teatro y nos sobrecogen las señeras y nobles vigas de madera que sostienen el techo. Nos cuenta el señor Nakajima que cada cincuenta años cambian las maderas pequeñas que cubren el techo, mientras él mismo se encarga de las reparaciones necesarias en las grandes columnas y vigas más viejas, que se mantienen imperturbables a través de los años.

Lámparas de piedra del Shrine y al fondo el Teatro Kuroda.

Fascina esta religión (el Sintoísmo o Shintoísmo, que proviene de la palabra Shinto) que está basada en el culto al emperador y que se remonta a viejísimos orígenes chamanistas. Una religión que en realidad es como si no existiera, pues no tiene ni códices sagrados ni evangelios ni doctrinas, sino que constituye una suma de creencias antiguas relacionadas con el culto a la tierra, a los elementos y a la naturaleza, y que se confunde con el culto a los ancestros, que la figura de los primeros dioses-reyes y luego de los emperadores divinizados aglutina en un puro formalismo de ritos agrícolas y estacionales. Dicen los japoneses que su repertorio de dioses es de un millón y ocho (el ocho es el número mágico de Japón). Tan relativista es esta religión que gusta de convidir con el Budismo y con la versión Zen de éste, pues consideran los japoneses que la variedad humana es tan grande que una única religión sería incapaz de satisfacer a todos los gustos, inclinaciones y necesidades, de modo que lo mejor es que haya varias y muchos dioses por escoger. Se entiende que en el siglo XVII Japón decidiera cerrar el país al Critianismo, empeñado éste en considerarse la única religión posible y verdadera: conscientes de que los “bárbaros occidentales” eran más fuertes que ellos, se blindaron para no desaparecer. Decisión acertada, pues aunque pagaron un alto precio, han conseguido conservar su cultura.

El local de ensayo del KurodaTeatro.

Tras la visita al teatro, el señor Nakajima nos muestra el edificio de ensayo, un verdadero teatro de Bunraku de nueva planta, construído por el Ayuntamiento, de madera y que podría ubicar a un numeroso público en su interior, a diferencia del de verdad, en el que los espectadores están en la intemperie. Durante el Festival, por lo visto se realizan allí algunas representaciones pero al preguntar si se hacía alguna de la compañía Kuroda, volvimos a escuchar la para nosotros paradójica respuesta: sólo se actúa una vez al año, el primer domingo de abril. No deja de sorprenderme la exhuberancia de un espacio de ensayo, cuyo interior tiene una factura y un acabado de altísima calidad. Por lo visto, mientras el teatro pertenece a manos privadas, el edificio de ensayo ha sido pagado y construído por la ciudad, lo que explicaría este acopio de medios. No será hasta más tarde que llegaré a comprender el significado de los espacios de ensayo, cuando al día siguiente visitemos las instalaciones del Museo Takeda, cuyo relato dejo para más adelante.

Foto del Teatro Kuroda durante una representación.

Contemplamos las fotografías que se exhiben en la pared del pequeño espacio museo de la compañía, dónde se ven las distintas formaciones de manipuladores, toyús y shamisens a lo largo de los años. Una de ellas muestra el teatro en plena actividad, con el público sentado en la esplanada del santuario sintoísta, rodeada de templetes y hermosas lámparas de piedra. También están expuestas algunas marionetas y caras de las mismas.

La casa del Dios en el Shrine del Teatro Kuroda.

Nos acercamos de nuevo al teatro y al santuario sintoísta para dejarnos transportar por la extraña y placentera atmósfera que nos rodea. Pregunto para qué sirve una construcción de madera muy alta que parece vacía y que no está cerrada sino que constituye un enrejado de largas tablas de madera. La respuesta es desconcertante: allí vive el dios. Por eso está vacía y entreabierta, para que pueda entrar y salir. No pregunto cuál de ellos. Seguramente alguno de los millón y ocho.  Me explica también Takashi con mucha seriedad –aunque pertenezca a una familia de tradición budista– que los dioses se encuentran durante el mes de agosto en el santuario de Izumo Taisha, en la prefectura de Shimane,  dónde se celebran abundantes festivales para agasajarles, siendo lugar de mucha peregrinación. La consecuencia es que durante esta época, el resto del país se queda vacío de dioses.

Mientras regresamos a Iida, pienso si este extraño sistema de religiones algunas de ellas provenientes de un pasado arcaico,  no será lo que más se acerque a una posible religión del futuro, neopagana y maravillosamente desligada de creencias, con muchos dioses y diocesillos para escoger, con cultos y formalismos al gusto de todos, y abierta a las necesidades, los deseos y las inventivas de cada uno de los mortales… Que un teatro de marionetas le sirva además de uso e instrumento, aunque sea sólo una vez al año, no deja de hacerlo todavía más extraño y sugerente…