Rutas de Polichinela

Turín y Gianduja: historia, museo, teatros y colecciones

2012-01-28T12:50:00.001+01:00

Exterior nocturno del Museo Gianduja en Grugliasco, Turín.

El Museo Gianduja

A mediados del siglo XIX, hablar de Gianduja era hablar del espíritu piamontés por excelencia, en una relación parecida a la que tiene el personaje de Pulcinella con la ciudad de Nápoles. Es decir, Gianduja representaba a los piamonteses especialmente en aquellos momentos iniciales del Resurgimento, cuando se fraguaba lo que sería la Italia moderna. Hoy, mucha historia ha pasado desde aquellas fechas, y el vocablo es más conocido para indicar un tipo de chocolatines, muy populares en Turín, unos caramelos o una marca de vino de la zona, aunque el personaje sigue desempeñando la importante función de ser el anunciador oficial de los carnavales piamonteses. Por supuesto, también hay algunos titiriteros que con gran dignidad y maestría lo siguen manteniendo como protagonista de sus espectáculos.

Giovanni Moretti, Alfonso Cipolla y Luca Valentino,
en las oficinas del Museo Gianduja

Para indagar sobre el personaje, el director de teatro Luca Valentino, mi amigo en Turín, me condujo al Museo Gianduja, que se encuentra en la localidad de Grugliasco, a pocos kilómetros de la capital. Allí nos recibieron Giovanni Moretti y Alfonso Cipolla, artífices del mismo y creadores del Istituto per i Beni Marionettistici e del Teatro Popolare. Cabe decir que fue un verdadero placer visitar el museo en compañía de quiénes mejor conocen no sólo la historia de Gianduja sino también la del teatro de títeres de Italia en general. De ambos autores es la magnífica obra Storia delle marionette e dei burattini in Italia, con prólogo de John McCormick, así como varios libros sobre la figura de Gianduja, entre ellos Gianduja: da burattino a simbolo del Piemonte, Catalogo; Il Teatro di Figura in Piemonte, de Alfonso Cipolla; Gianduja. Una ricerca in corso, de Giovanni Moretti y Alfonso Cipolla; o el libro de varios autores, Gianduja. Da Callianetto al Gran Teatro dei Fratelli Niemen, a cargo también de Alfonso Cipolla y Giovanni Moretti, Torino 2003. Para más información sobre las publicaciones del Museo, clicar aquí.

Gianduja, de la compañía Gambarutti, activa a
principis del XIX en el Piamonte. Museo Gianduja.

Como puede verse, mucha atención le han puesto los dos autores al personaje y es lógico que tanto amor haya acabado en museo, teniendo en cuenta además que Alfonso Cipolla es, desde hace muchos años, un pertinaz coleccionista de marionetas que le ha llevado a reunir un importante fondo, parte del cual se exhibe hoy en el museo de Grugliasco. Por su parte, Giovanni Moretti es un prestigioso actor fundador de varias compañías de teatro y profesor de la Universidad de Turín, convertido con los años en un importante referente de la escena italiana contemporánea.

El Museo ocupa un hermoso palacete en el que se ubican las salas de exposición en el primer piso, las oficinas y parte de los fondos, mientras que la biblioteca del centro se encuentra en un edificio colindante. Nos contó Giovanni Moretti como la máscara local del Piamonte, que a finales del XVIII se llamaba Gerolamo, tuvo que cambiar de nombre durante la época napoleónica. La razón es simple: el gobernador instaurado por Napoleón en la zona se llamaba Gerolamo Durazzo, y era un tanto peligroso utilizar el mismo nombre para una marioneta que básicamente hacía burla de la actualidad, al cumplir con la función de cronista satírico que los títeres tuvieron a lo largo del siglo XIX. Pasó a llamarse Gianduja (pronúnciese la jota como si fuera una i) y rápidamente adquirió gran celebridad. Se caracteriza por lucir un par de berrugas llamativas en el rostro y la misma coleta entonces de moda que también llevaba Guiñol. Sus creadores fueron los titiriteros Giovan Battista Sales y su ayudante Gioacchino Bellone. Por lo visto fue Sales quién se inventó el nombre de Gianduja, substituyendo al Gerolamo de la tradición, tras haber aprendido el oficio con el titiritero que actuaba en Piazza Castello, Giòanin d’ij Osei, conocido en su época como el “principe dei burattinai” (citado en el Catálogo Gianduja, de Giovanni Moretti y Alfonso Cipolla).

Gianduja y Giacometta recibiendo a las
máscaras italianas

En el museo hay una hermosa marioneta de Gerolamo y, a su lado, otra del que se supone es el Gianduja más antiguo que se conserva. También hay profusión de muchos otros personajes de la época, y otros más recientes, que llenan las vitrinas del museo muy bien puestas por el titiritero-arquitecto Claudio Cinelli. Destacan varios diablos, algunos bastante antiguos, muchos soldados con fusiles y cañones, procedentes la mayoría de la compañía Lupi de Torino, con los que se representaban las batallas de la época, muy agitada. Pero si las marionetas son importantes, no menos lo son los materiales gráficos exhibidos (dibujos, carteles y revistas satíricas), como el Alfabeto di Pasquino “De Torino a Roma”, obra del famoso ilustrador Teja, en el que se cuenta, a través de maravillosas ilustraciones hechas con un gran humor y con Gianduja como hilo conductor, la precipitada huída de la corte a Roma, convertida en la nueva capital, y que empobreció de golpe y porrazo a Turín, con importantes insurrecciones y protestas populares.

Gianduja (el actor Giovanni Toselli)
hablando con Gianduja.

También se indica, con profusión de ilustraciones y objetos varios, la popularidad que alcanzó Gianduja, utilizado para dar publicidad a múltiples productos de la zona, o protagonizando roles de protocolo festivo, como las celebraciones del Carnaval o el encuentro de máscaras que se realizó en Turín durante el Carnaval de 1886, en el que se realizó el 3° Congresso delle Maschere italiane al Ciabot d’ Gianduia. Una magnífica litografía en color de 1898 recoge el recibimiento que Gianduja y Giacometta, su compañera, otorgaron a las distintas máscaras de las ciudades italianas llegadas a Turín, como una evidente muestra de unión política de un país recién estrenado.
Otra imagen preciosa es la de un cartel del año 1904, en el que se ve al actor Giovanni Toselli (1819-1886) caracterizado de Gianduja cogiendo por los hilos a un Gianduja títere y charlando con él –una marioneta perteneciente a la familia Lupi–.

El Museo tiene también una sala con piezas de muy distintas procedencias, algunas contemporáneas, como las marionetas cedidas por Neville Tranter de su espectáculo Frankenstein. Otra joya a destacar es el precioso retablo de Guiñol, seguramente ochocentista, con dibujos muy trabajados y un elenco de hermosos títeres compañeros del héroe lionés. Adjunto algunas fotos que ilustran esta afortunada visita al Museo de Gianduja.

Teatros, Pinocchio, el señor Grilli y los títeres de hoy.

Escena de la ópera Pinocchio en el Teatro Reggio.

Me contaba Luca Valentino cómo de niño iba a ver las funciones que realizaban los Lupi en el teatrillo que entonces tenía esta antigua familia de titiriteros en Turín. Funciones que marcaron para siempre su sensibilidad, pues de aquella siembra vinieron los frutos de su dilatada carrera artística como director de escena, siempre con una especial atención hacia el género de las marionetas. Hay que saber que Valentino ha trabajado mucho con el conocido marionetista Claudio Cinelli. También ha dirigido tres espectáculos míos (“El Doble y la Sombra”, y las óperas “Euridice y los Títeres de Caronte” y “Salón de Anubis”, ambas con música de Joan Albert Amargós). Muy recientemente, ha sido el responsable de la puesta en escena de Pinocchio en su estreno en Italia, en el Teatro Reggio de Turín, una ópera de nueva creación con música de Pierangelo Valtinoni y libreto de Paolo Madron. Pinocchio ha sido un verdadera éxito y se repondrá de nuevo esta temporada durante el mes de abril de 2012. La gracia del montaje es que el personaje de Pinocchio está representado por una verdadera marioneta, manipulada a la manera “bunraku” por varios manipuladores capitaneados por Claudio Cinelli, autor de los muñecos. La obra está llena de efectos visuales, con utilización constante de títeres e imágenes de todo tipo. No cabe duda que el Teatro Reggio, programando esta obra de nueva creación muy aclamada por crítica y público, se ha marcado un tanto importante.

El teatro de los Lupi ya no existe, por desgracia. Por lo visto, aún persiste parte de la compañía y se conservan bastantes de sus marionetas, muchas de ellas diseminadas por los museos y entre los coleccionistas. Había bastantes en el Museo de Gianduja (preciosas cabezas sueltas de un sinfín de personajes) y se encuentran en las mejores colecciones de marionetas del país.

Fachada del antiguo Teatro Gianduja en Via Principe Amadeo,
de Turín

Hablando de teatros, vi y fotografié la fachada del antiguo Teatro Gianduja, situado en un noble edificio de la calle Príncipe Amadeo y con una capacidad bastante grande, que funcionó hasta después de la guerra. Hoy es un parking aunque se conserva la fachada, el nombre y una estatua del propio Gianduja asomada en el balcón que corona la puerta de entrada.

También me mostró Luca Valentino la última ubicación del teatro de los Lupi, situado junto a la iglesia de Santa Teresa, muy cerca de Piazza San Carlo. El local tuvo que cerrarse al no reunir las condiciones de seguridad exigidas por la municipalidad.

El señor Augusto Grillo en su despacho del Teatro Alfa.

Más tarde nos reunimos con el señor Augusto Grilli, hombre de teatro y gran coleccionista de marionetas, quién nos recibió en su despacho junto al Teatro Alfa, dónde suele representar sus espectáculos de Opereta. La afición del señor Grilli hacia las marionetas proviene de su más tierna infancia, pues como él mismo nos contó, adquirió su primera marioneta a los seis años de edad. Desde entonces no ha cesado de satisfacer esta necesidad suya de rodearse de actores de madera, sobretodo los movidos por hilos, que son su predilección. Actualmente, su colección alcanza la increíble cantidad de 15.000 piezas catalogadas, seguramente una de las más importantes de las existentes en Italia y en el mundo. Importante fue la exposición que hizo en el vestíbulo del Teatro Reggio en mayo de 2010, dedicada al mundo de la ópera, con pequeñas escenas fijas de personajes de la Bohème, de l’Elisire d’Amore, de la Aída o de Il Barbiere di Siviglia.

Con sus marionetas, el señor Grilli ha montado varios espectáculos, como algunas óperas y varias obras con Gianduja de protagonista. Uno de los temas de más éxito y que se reprodujo en innumerables espectáculos, especialmente a cargo de los Lupi, fue la famosa defensa de la ciudad de Torino durante el asedio sufrido por el ataque de los franceses en 1706. Además de Gianduca, destacó en estas fechas la heroicidad del soldado Pietro Micca, quién se inmoló al saltar por los aires junto a un depósito de armas para detener el avance de los franceses, quiénes pretendían entrar por los subsuelos de la ciudad. Gracias a Pietro Micca, el ataque fue repelido y Turín mantuvo su independencia.

El señor Grillo con Gianduja y Pietro Micca

Nos llevó el señor Grilli a su almacén dónde guarda parte de sus colección. Me soprendió el orden y el buen estado de las mismas, mantenidas en una temperatura ambiental idónea para protegerlas de la humedad, todas ellas envueltas en bolsas de tela o de plástico, perfectamente catalogadas según sus nombres, procedencia, obra en la que actuaba, etc. Le pedí que me mostrara un Gianduja (la que nos enseñó era obra suya, pues el señor Grilli también es constructor) y de paso extrajo a un Pietro Micca cuya cabeza provenía de los Lupi. Entre las hileras de cuerpos colgantes, nos mostró un conjunto de marionetas venecianas del siglo XVII, un batallón de Pupis colgados en la parte alta de una esquina del almacén, y otras joyas que apenas entreveíamos a través de los plásticos.

Pensé que era una pena que semejante tesoro no tuviera dónde mostrarse y que no exista ningún museo con ganas o capacidad de exhibirlo. Así lo piensa igualmente el señor Grilli, cuya única ambición es que el resultado de tantos años de esfuerzo no acabe ni fragmentado ni disperso. Un ejemplo de singular tenacidad que sin duda encontrará algún día dónde posarse y mostrarse en público.

Para rematar esta crónica de Turín, sólo me falta indicar a los titiriteros que en estos momentos siguen actuando con Gianduja de protagonista: uno es Marco Grilli, hijo del coleccionista, quién decidió en su día aprender el oficio del títere de guante y otras técnicas trabajando con Bruno Leone de Nápoles el Pulcnella y con Mimo Cuticchio de Palermo la técnica de los Pupi y del Cunto. La otra gran familia que también defiende en los escenarios a Gianduja son los Fratelli Niemen cuyas raíces se remontan al siglo XIX. Los Niemen, a los que no he tenido la suerte de conocer (compartimos programa en el Festival de Pinerolo del año 2010, pero no coincidimos en el calendario), son también muy apreciados por los entendidos y suelen actuar en los principales festivales del país.

Turín, la ciudad de Gianduja y otras muchas cosas

2012-01-26T21:25:00.004+01:00


Gianduja (foto sacada en el Museo de Gianduja: Istituto per i Beni Marionettistici e del Teatro Popolare)

Después de visitar Lyon y encontrarme con Monsieur Guignol, era casi obligatorio acercarse a Turín, la capital del Piemonte, para saludar a otro personaje que, como el lionés, no lleva máscara y nació también en la época napoleónica: Gianduja. Sabido es que ambos han sufrido a lo largo de los años evoluciones muy distintas, pues mientras el primero ha llegado muy vivo y muy “expandido” a nuestros días, Gianduja ha quedado relegado en el imaginario piemontese como un referente folclórico de épocas pasadas, sin una presencia demasiado activa, aunque sí persistente, dado que algunos titiriteros siguen actuando con él.

Peculiaridades de la ciudad: luces, la Mole, el Museo Lombrosiano y el Museo Egipcio

Pero antes de entrar en materia y abordar al curioso personaje- que en el siglo XIX llegó a encarnar simbólicamente todo el Piemonte–, habría que hablar de esta ciudad del norte de Italia, singular como pocas. No sólo porque de ella partió el movimiento que acabaría unificando Italia en un solo país –conocido como il Risorgimento– siendo por ello mismo la primera capital de Italia, sino porque Turín ha sido una ciudad pionera en muchísimos asuntos de trascendental importancia para los italianos. Aquí fue dónde se desarrolló el primer cine, dónde nació la RAI (radio y televisión italianas) y la primera línea aerea del país (Trieste-Venecia-Pavía-Turín), aquí se instaló, creció y murió la FIAT. También vivió, ya loco, Friedrich Nietzche una temporada, y Umberto Eco estudió en ella. Cesare Pavese se suicidó en 1950 en una habitación de su hotel, y Antonio Gramsci fundó en 1919 la revista L’ordine nuovo, con nuevos planteamientos sobre la lucha de la clase obrera. Last but not least, tiene el honor de guardar el Síndone, el sudario que se supone guarda la imagen de Cristo, esa reliquia tan venerada por los católicos y que es motivo de masivas peregrinaciones cuando se la expone en público. Ciudad pues de artistas, obreros, creadores, empresarios innovadores –y curas.

La Mole

Turín tiene además uno de los edificios más singulares por no decir únicos de Europa, la Mole, encargo hecho por la comunidad hebrea al arquitecto Novara Alessandro Antonelli en 1860 para construir una sinagoga. Problemas financieros abortaron la operación pero el edificio acabó por construirse casi veinte años más tarde por encargo de la ciudad para ubicar en él al Museo del Risorgimento (hoy situado en Palazzo Carignano). Este increíble edificio, provisto de una cúpula de 167 metros de altura, se ha convertido en un conocidísimo símbolo de la ciudad para ubicar, desde el año 2000, el Museo Nacional del Cine. Un Museo único en su género, divertido y misterioso, que además de informar sobre la historia del cine, despierta la imaginación y provoca el asombro del público.

Como vemos, las dos ciudades (Lyon y Turín) tienen lazos curiosos con el cine, cada una a su manera y según estilos propios. Pero no sólo las imágenes animadas las unen, también la luz, al ser ambas miembros de la red LUCI (Lighting Urban Community International). Eso significa que la iluminación recibe aquí un tratamiento estudiado, tal vez con resultados menos interesantes que en Lyon pero no por ello menos visibles. Pasear de noche por las calles de Turín es un placer, pues es como ver la ciudad en blanco y negro (que es cuando mejor brillan las ciudades italianas en las horas nocturnas, tal como el cine neorrrealista de los años 50 y 60 nos ha impuesto en la mirada). También Turín ha estrenado no hace mucho metro, y aquí se han quedado muy por detrás de Lyon. Nada qué decir sobre las estaciones, que son amplias y cómodas, y buenísimo el sistema automatizado de los vagones, que parece funcionar a la perfección. Pero la luz es fría, y cuando te sitúas en la cabeza del tren y ves como avanza raudo por las vías, uno esperaría encontrar en las estaciones un poco de luz humana, en vez de esa frialdad tecnológica de un blanco alumínico apenas roto por un plus de intensidad voltaica. Es como si los diseñadores e ingenieros hubieran decidido homenajearse a si mismos y a sus alardes tecnológicos (que son muchos, pues los trenes avanzan y se paran sin conductor alguno), en vez de pensar en las personas que utilizan a diario el metro y que respirarían mucha más calidez humana con un mínimo de generosidad colorista en el diseño.

Instalación de Luigi Mainolfi (palabras de Guido Quarzo),1998.
en Via Garibaldi, Turin (Luci d’Artista). Photo: Bruna Biamino

Tal vez la gran aportación luminotécnica de Turín sea su proyecto Luci d’Artista que desde hace catorce años se celebra generalmente del 1 de noviembre hasta el 15 de enero, aunque a veces algunas de las obras lleguen a durar más. La ciudad invita a unos veinte artistas plásticos a diseñar instalaciones luminotécnicas en calles y plazas, lo que crea unas atmósferas originalísimas en esos meses del cambio del año, cuando las ciudades del mundo tienden por lo general a afearse penosamente con sus angustiantes luces navideñas.

Mascarilla de "corruptor", del Museo
Lombrosio. Foto procedente de
The Nautilus

Elogiables son todos los palacios, museos e iglesias de la ciudad. Pero puestos a recomendar un museo en especial –aparte del Egipcio, que ocupa el número uno del conjunto–, yo escogería il Museo di Antropologia Criminale “Cesare Lombrosio”, que hoy he visitado con mi amigo Luca Valentino. Una verdadera maravilla, reliquia de otras épocas –no tan lejanas cono pudiéramos pensar–, dedicado a este médico e investigador que quería decubrir las causas de los comportamientos delictivos en los rasgos anatómicos y morfológicos de los caídos en desgracia. Sus múltiples y milimétricas mediciones y su compulsión colecionista están bien reflejadas en el museo con profusión de cráneos partidos y clasificados según sus rasgos y peculiaridades.


"Modus operandi", Museo Lombrosio. Foto sacada de The Nautilus.

Tal vez lo más singular sea el sinfín de mascarillas mortuorias de difuntos fenecidos en cárceles y manicomios: puestas una junto a la otra, muestran un increíble catálogo de expresiones que impactan por sus rasgos congelados, expresión de su maldad congénita según Lombrosio. La verdad es que poco se diferencian de los rostros de otras colecciones de verdaderos difuntos expuestos al público, como los del famoso Museo de Guanajato (México) o los de las mismísimas Catacumbas de los Capuchinos, en Palermo. También se exhiben en el Museo Lombrosio los instrumentos usados en el siglo XIX para delinqüir (navajas, cuchillos, pequeñas linternas, llaves, cordeles, antifaces…) y una colección extraordinaria de objetos de arte, algunos de ellos verdaderas joyas, realizados por presos y locos. Pero lo más interesante del museo es que nos induce a pensar que nosostros, los titiriteros, constituímos en realidad uno de los gremios más lombrosianos del mundo, pues cuando queremos representar a un criminal, a un santo, a un místico o a un loco de atar, lo hacemos recurriendo a los mismos estereotipos faciales a los que sin duda acabó recurriendo Cesare Lombrosio en sus estudios morfológicos. Pocas diferencias, pues, entre visitar las vitrinas de mascarillas mortuorias del museo y las de cualquier museo de marionetas del mundo, con sus repertorios de caras cada una de las cuales define las emociones dominantes del personaje encarnado: los titiriteros ya eran todos lombriosanos muchos antes de que el señor Cesare naciera. Puede que el Museo Lombrosio nos haga sonreir, pero nuestra sonrisa se nos congela cuando percibimos cuán lombrosianos somos todos, seamos o no titiriteros, al juzgar a las personas según sus simples rasgos externos.

El Museo Egipcio de Turín (Foto Wikipedia)

He citado antes al Museo Egipcio de Turín, el segundo más importante del mundo en esta especialidad (el primero es el de El Cairo) y uno de los más antiguos, al ser fundado en 1824 con las aportaciones del piamontés Bernardino Drovetti, acompañante de Napoleón en su expedición al país del Nilo y buen amigo del vicerey de Egipto, Mohamed Alí, quién le ayudó a transportar a Europa una importante colección de 5.268 objetos (100 estatuas, 170 papiros, y un sinfín de estelas, sarcófagos, momias, bronces, amuletos y objetos de la vida cotidiana), que consiguió vender al soberano Carlo Felice. En realidad, las piezas más antiguas proceden de 1760, cuando Vitalino Donati viajó por el Nilo hasta Asuán por orden de Carlos Manuel III (rey de Cerdeña) y regresó con tres importantes estatuas y unos 300 objetos que serían las primeras piezas del inicial Museo d’Antichitá.

He visitado el Museo Egipcio cantidad de veces y uno nunca se cansa de ver las extraordinarias piezas que se exponen en él, con el atractivo de conservar parte del viejo espíritu museístico ochocentista, que gustaba del claroscuro y de una ambientación misteriosa y sugestiva, dirigida a impresionar la imaginación del visitante y a mostrarle el espíritu de lo diferente. Eso no significa que el museo no cuente hoy con todos los requisitos de la historicidad moderna y que sea de obligada visita para los escolares de la ciudad. Pero el mismo edificio en el que se ubica, del siglo XVII y proyectado por el famoso arquitecto Guarino Guarini para ser la Escuela de los Jesuítas, ayuda a esta escenificación de tintes románticos.

Estatuas del prínce Rahotep y su esposa Nofret.
Cuarta Dinastía (2630-2500). Museo Egipcio de El Cairo

Se preguntará el lector qué tiene que ver este museo con los títeres, y le responderé que mucho y poco. Poco porque, en efecto, en él no hay marioneta ni títere alguno expuesto (aunque sí creo recordar alguna muñeca articulada). Mucho, porque la civilización egipcia se encuentra en la base de nuestra civilización y yo diría que en la base de nuestro propio oficio, pues sabido es cómo gustaban los sacerdotes egipcios de impresionar a sus fieles con estudiadas puestas en escena de estatuas parlantes, algunas móviles, a través de ritos en los que las figuración humana y animalística de los dioses tenía una importancia de primer orden. Otro gran motivo de interés de esta vieja cultura es el desarrollo que hizo de la figura del Doble –esencial en nuestro arte– al creer los antiguos egipcios que todos tenemos un doble –el Ka–, además del Ba, que viene a ser algo así como el alma de cada uno. De ahí que ya desde un principio, la civilización egipcia buscara desarrollar una estatuaria capaz de aunar el realismo de la vida con el hieratismo de lo eterno. La vitalidad más el aliento perenne de la inmortalidad: he aquí las dos facetas que las formas más logradas del arte egipcio –muy en especial, las figuras conservadas del llamado Reino Aniguo– expresan de un modo admirable. Para los titiriteros, una fuente constante de inspiración y una verdadera escuela, pues ¿no buscamos acaso lo mismo en un títere: el movimiento de la vida que da la manipulación de una marioneta más el temblor hierático de lo inmortal que se halla implícito en su objetualidad carente de vida? He aquí los secretos arcanos de nuestra profesión –"una de las más viejas del mundo", como suele decirse– que una visita al Museo Egipcio de Turín nos permite intuir.

Me detengo prudentemente en este punto, para proseguir en la próxima entrada con Gianduja y sus curiosas peculiaridades piamontesas.

Lyon, ciudad de luces, imprentas, imágenes y títeres

2012-01-24T10:24:00.000+01:00

La ciudad de las luces

Fiesta de las luces en Lyon

Algo debe haber en las esencias de esta ciudad situada en la confluencia de dos de los grandes ríos de Francia, el Rhône y la Saône, para que en ella hayan florecido las artes de la reproducción imaginaria, ya sea con palabras, luces, letras o imágenes. Próspero centro cultural en el Renacimiento –Lyon fue un importante lugar de impresión dónde se imprimeron obras como el Gargantúa y el Pantagruel de Rabelais–, destacó a finales del XVIII por su industria de la seda, y en el XIX, por haberse instalado en ella Antoine Lumière, quién creó, ya con la colaboración de sus dos hijos Auguste y Louis, una potente industria que inventó el cinematógrafo y, más tarde, la fotografía en color.

Siendo la segunda ciudad de Francia, existe en ella un impulso de proyección futurista que se percibe en el aire y en el mismo diseño urbano. Creo que Lyon es una de las ciudades del mundo con una mejor iluminación, no por exceso sino, al revés, por responder a un plan estudiado de diseño luminotécnico que, basado en la contención, el ahorro y el sentido común, deja que el día sea día, y la noche, noche. Un ejemplo de este esmero lo encontramos en el metro, cuya iluminación es voluntariamente tenue y coloreada según la profundidad de las estaciones. Cuando lo comparo con la agresividad de los fluorescentes de luz blanca del metro de Barcelona, ciudad que presume de mucho diseño, me sonrojo de envidia y de indignación.

Fiesta de las Luces en Lyon

Una de las razones de esta racionalización inteligente de la luz se debe, sin duda, a la acción de asociaciones como la Association des concepteurs Lumière et Eclairagistes. Supe de ella cuando en abril de 2006 asistí al encuentro “Des Hommes et des Ombres” organizado por el festival Moisson d’Avril. Laurent Fachard, un iluminador que empezó en el mundo del teatro y derivó hacia el urbanismo, nos explicó la nueva filosofía que se estaba intentando imponer, basada en dar la luz indispensable, sin derroche ni querer convertir la noche en día. Explicó como la nueva tecnología led (más los nuevos soportes de administración inteligente a través de la informática) permitía esta atenuación luminitécnica con un coste además bajísimo, con bombillas que pueden llegar a durar décadas, y con muchísimas posibilidades de coloreación y por ello de crear atmósferas singulares, pensadas para cada lugar y hora del día. Nos mostró ejemplos de encargos que habían recibido, como el mismo metro de Lyon, y algunas estaciones del metro de París, maravillándonos todos los presentes de la sutileza y el enorme sentido práctico y estético de las propuestas.

Lyon es una ciudad que se ha identificado con la temática luminotécnica, sobretodo porque contaba ya en su haber con una fiesta popular de origen religioso que se celebra desde antigulo consistente en un encendido masivo de velas en las ventanas de las casas que los vecinos hacen el 8 de diciembre. Con esta excusa, se escogió esta fecha para la Fiesta de las Luces que se celebra actualmente y que acoge a millares de visitantes cada año. La implicación de la ciudad en el tema luminotécnico la ha llevado a crear la red LUCI (Lighting Urban Community International) que cuenta ya con 60 ciudades de todo el mundo (de España, tres únicas ciudades: Málaga, Valladolid y Burgos, ¡bien por ellas, y muy mal para las demás!) y que busca implantar esta nueva mentalidad ahorrativa y amiga de los ojos humanos.

El Museo de los Hermanos Lumière

Maqueta de la fábrica de los Hermanos Lumière
en Lyon Montplaisir.

Curioso que haya sido en esta “ciudad de las luces” dónde los hermanos Lumière desarrollaran sus inventos cinematográficos y crearan la pujante industria que revolucionó el mundo de la imagen y del arte. No podía, pues, dejar de visitar su museo, situado en la villa que ocupó la familia y en los mismos terrenos dónde antaño existieron los diferentes pabellones de la fábrica que los Lumière tenían en Lyon Montplaisir. Precisamente la primera película de la historia del cine tiene como argumento “La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon Monplaisir” (“Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon Monplaisir”), rodada unos días antes de que fuera presentada oficialmente en París el 22 de marzo de 1895.

Placa para linterna mágica, del Musée Lumière

La visita del museo no tiene desperdicio y recomiendo sobretodo ver el documental que se muestra en el pequeña sala de proyección dónde imágenes y palabras sitúan en su lugar todo lo que se ha visto durante la visita. Lo que más me impactó fue la inteligencia de los Lumière al decidir formar a un grupo de camerógrafos (unos doscientos) para mandarlos a filmar alrededor del mundo entero. Los resultados fueron absolutamente excpcionales, no sólo porqué estos pioneros del cine inventaron los primeros recuros del lenguaje cinematográfico (travelings, cámara móvil, primeros planos, medios y generales, cámara al suelo, etc) sino porque además pusieron por primera vez en comunión imágenes de la vida cotidiana de mil rincones del paneta, pues las películas viajaban de un lugar a otro, y porque además de filmar, proyectaban en lugares públicos lo que habían filmado allí y allende, de modo que en poquísimo tiempo –apenas un año después de patentarse el invento– ya había teatros de proyección abiertos en Tokio, Shangai, Nueva York… De estos cineastas de primera hornada destaca la figura de Gabriel Veyre, al que el Museo consagra varias salas: filmó en México, Japón, Indochina, Canada, Egipto, Marruecos… Hizo películas y fotografías, dejando una documentación completísima y exhaustiva de aquellos primeros tiempos del cinematógrafo. Sus últimas fotografías en color de escenas marroquís –murió allí, al parecer muy bien acomodado en este país– son extraordinarias.

Placa Autochrome hecha con técnica
Lumière en la que aparece un titiritero
en su taller

¿Cómo podía competir el teatro de títeres y de sombras con aquel nuevo lenguaje que en seguida se convirtió en arte y en industria, y que se expandió por el mundo como si fuera la mismísima pólvora? Claro que se perdía una dimensión, pues con los títeres y el teatro se mantienen las tres de la visión normal y directa, pero al reducir sus planos de realidad, los aumentaba en la ilusión, gracias a los artilugios de la reproducción mecánica de las imágenes fijas que, al pasar a la velocidad de 24 imágenes por segundo, adquirían visos de realidad. Se entiende que a principios de siglo XX, cuando estos nuevos lenguajes aparecieron y cobraron auge, las formas tradicionales de animación de imágenes quedaran relegadas a “cosas de niños”. Algo parecido ocurrió, cuando la Razón se impuso al Mito, el cual quedó relegado a “cosas para niños o ignorantes”. O, cuando las pirmeras formas del arte neolítico y de la Edad del Bronce empezaron a crear sus estatuas gigantescas, sus templos y sus sofisticadas pinturas murales, sus contemporáneos miraran las arcaicas pinturas rupestres como “cosas de niños, de los de antes”.

Y sin embargo, hoy que el cine ha derivado hacia el video, y que cada individuo de nuestra especie puede disponer de su propia cámara de fotografiar, de filmar e incluso de montar y proyectar, precisamente hoy vuelven a valorarizarse estas “cosas para niños”, como son las pinturas rupestres, los viejos mitos y el mundo de las leyendas, así como los viejos lenguajes, hoy innovadores y asociados a las vanguardias y a las nuevas tecnologías, del teatro de figuras animadas que es en definitiva el teatro de títeres y de sombras.

El Museo de la Imprenta

Volvamos a Lyon. Hemos hablado de imprentas y aconsejable es visitar su Musée de l'Imprimerie, uno de los más impactantes en su género, dónde la evolución de la imprenta está visual y completísimamente explicada. He aquí otra manera de proyectar imágenes, en este caso directamente en las pantallas interiores de la imaginación humana, a través de estos signos escuetos y simples pero cuya potencia combinatoria, asociada a la sonoridad del lenguaje hablado, nos permite viajar y ver mundo sin salir de uno mismo ni del sofá de casa. Podríamos calificar a las letras y a las palabras como esos hilos invisibles que los autores, titiriteros ocultos, manejan para mover a sus criaturas en nuestra imaginación. De hecho, letras y palabras son la pasta con la que el titiritero crea sus realidades, y los hilos tal vez los ponga el impresor, encargado de levantar los andamios del pequeño teatro de la representación interior. Antes de la imprenta, se encargaba de ello el amanuense que hacía los libros a mano. Luego, a partir de 1450 y tras los inventos de Johannes Gutenberg, lo haría el tipógrafo con la ayuda de las primeras máquinas de impresión. No es de extrañar que algunos titiriteros hayan convertido las letras en títeres, como hace el catalán Jordi Bertrán en su espectáculo “Poemes Visuals”.

El Théâtre des Marionnettes Guignol de Lyon

Guignol utilizado por les Zonzons

Pero es hora de regresar a los títeres de verdad, de los que la ciudad de Lyon esá bien provista, como el lector sabe perfectamente. Tres son los teatros fijos que abren regularmente y ofrecen funciones de Guignol: el Théâtre des Marionnettes Guignol de Lyon, regentado por la compañía Les Zonzons y que dirige Stéphanie Lefort; el Théâtre la Maison de Guignol, asociado a la tienda “Petit Musée Fantastique de Guignol” perteneciente a la familia Cardelli, en cuyos bajos se encuentra un pequeño pero muy simpático y atractivo museo dedicado a Guignol; y el teatro de Guignol “Un Gone de Lyon”, Salle la Ficelle, en la Croix-Rousse de Lyon (el antiguo barrio de los canuts u obreros de la seda) que dirige el veterano titiritero Daniel Streble. Seguramente hay aún más compañías existentes en Lyon, pero éstas son las que pude localizar aunque se me escapó la tercera, pues no tuve tiempo de asistir a ninguna representación del señor Streble.

El Théâtre des Marionnettes Guignol de Lyon es el oficial de la ciudad, propiedad del Ayuntamiento y dispone de un impresionante fondo de cientos de títeres antiguos, la mayoría del siglo XIX. Está regentado por la compañía Les Zonzons que dirige Stéphanie Lefort, buena amiga mía con la que creamos en su día el Réseau Ombres et Marionnettes de la Méditerrannée. Su mayor empeño es poner al día y actualizar los viejos repertorios, así como introducir nuevas formas de actuación con los títeres. Su antiguo director artístico, Filippe Pauchère, se encuentra actualmente desarrollando proyectos exteriores en Madagascar (de dónde es originario) y en otros lugares del mundo. Para substituirlo, la compañía ha contratado al Cyril Bourgois para llevar a cabo este proceso buscado de renovación estilística. Eso significa que sus espectáculos a veces se escapan de la tradición e introducen “salidas del retablo” y otros recursos del moderno teatro de marionetas.

Julie Doyelle y su títere charlando con los niños

En esta línea está la obra que vi el sábado 21, “Guignol part en impro”, es decir, Guiñol se embarca en improvisar, para la que han colaborado con una compañía de Lyon especializada precisamente en teatro de improvisación, con dirección de Julie Doyelle, de Et CoMPAGNiE - Théâtre Spontané. El punto de partida del espectáculo es particularmente arriesgado, pues su argumento se fragua a partir de los deseos y la participación del público, de modo que cada representación es diferente según sean estas aportaciones. Claro que el truco está en tener el oficio suficiente para “manipular” esta participación, afín de conducirla hacia lugares propios pre-establecidos por dónde pueda desarrollarse una acción escénica creíble. Julie Doyelle, actriz conductora del espectáculo, conoce estos recursos y condujo al público por unos senderos en los que actores y títeres se van substituyendo, en un constante entrar y salir del interior del retablo. Partiendo de las ideas propuestas por los niños del público, los distintos personajes, con Guignol de protagonista, fueron saltando de escenario en escenario –cuyos decorados eran a su vez dibujos hechos por los niños en los minutos de espera antes del espectáculo, proyectados desde un retroproyector–. El resultado resultó especialmente satisfactorio para los niños y el público asistente, que se sentían muy partícipes de todo lo que ocurría en el escenario, pues en efecto de ellos habían partido las líneas maestras del mismo, según pensaban. Los aplausos y el interés por estar cerca de los títeres al acabar la obra fueron el mejor aval de esta propuesta tan arriesgada como singular.

Títeres antiguos de la companyia Théâtre de Marionnettes
Guignol de Lyon

Tras el espectáculo, me colé por los interiores del teatro y pude ver la impresionante colección de títeres antiguos que posee el teatro. Saqué algunas imágenes de los mismos y pensé en la riqueza de este patrimonio del que la ciudad de Lyon es propietaria y que constituye una singularidad de la que aún no le ha conseguido sacar todo su jugo publicitario. Pues aunque la figura de Guignol aparezca con bastante profusión en restaurantes, bares y carteles, y esté bien representada en el Musée Gadagne, creo que todavía no le han sabido otorgar el verdadero valor que tiene. Tal vez las actuales autoridades lo vean como algo “demasiado pequeño”, incluso “demasiado provinciano”, pero ello no es obstáculo para precisamente resaltar lo pequeño frente a lo grande, en unos momentos como los actuales, en los que lo más ínfimamente local se carga de valor frente a lo global, para poder crear con fuerza suficiente esta tensión local/global, destinada a ser uno de los principales recursos del futuro.

El Théatre des Marionnettes Guignol de Lyon es también quién organiza el fesival Moisson d’Avril , la Biennale Internationale des Marionnettes, que toca celebrarse este año 2012 desde el 29 de marzo hasta el 14 de abril. Una importante cita titiritera que dirige Stéphanie Lefort y que reúne periódicamente a las mejores compañías del género, siempre con exposiciones y actos paralelos en colaboración con otras instituciones teatrales de la ciudad, como la misma Ópera de Lyon.

La Maison de Guignol y la tienda-museo-taller Cordelli

Guignol y cabezas construídas por Damien Weis

El viernes 20 acudí a una de las representaciones de La maison de Guignol, el otro teatro situado también en la zona vieja de la ciudad y que presentaba un interesante espectáculo para adultos de Guignol, con referencias directas a la actualidad. Su título es “Aulas à Collomb: Décines moi un grand stade”.

Hay que ser lionés o al menos estar enterado de una de las problemáticas locales que más polvareda han levantado en los últimos tiempos para entender la obra: la construcción de un nuevo estadio de fútbol (el Stade des Lumières) en la zona llamada Décines, para la celebración del Campeonato Europeo de Fútbol UEFA en 2016. Una decisión tomada (y ya definitiva hoy) por el Presidente del Grand-Lyon Gérard Collomb con el apoyo y la estrecha colaboración de Jean-Michel Aulas, presidente del Club Olympique Lionnais, decisión muy polémica por las consecuencias ecológicas y medioambientales que tendrá. La obra satiriza a estos dos personajes, convertidos en títeres, con intervención incluída del Arzobispo de Lyon, partícipe de la confabulación, junto a otros personajes locales de Décines: una vieja vecina que siempre está esperando a algún Don Juan, y tres animales vecinos del lugar, muy preocupados por tener que cambiar de zona.

Polichinelle presenta la función

Lo interesante es la forma general del espectáculo: empieza un magnífico Polichinelle presentando la obra y los personajes. Siguen luego Guignol y Gnafron, quiénes repasan la actualidad, con tintes a veces bastante chovinistas y antieuropeos y desde luego anti Sarko y anti Hollande, calificados ambos como títeres de Bruselas o de Madame Merkel. Y luego sigue la farsa política, con momentos bastante graciosos de improvisación. Como puede verse, un viejo teatro político de cabaret puesto al día, que enlaza con la tradición del Guignol de antes, cuando se representaba en los cafés. El único peligro es que buscando la complicidad del público, se caiga en tópicos populistas, algo muy fácil hoy en Francia, cuando se vive un creciente sentimiento antieuro y antieuropeo.

La manipulación es muy buena y las voces de grandes profesionales. El teatro pertenece a la tienda que se encuentra en el número 6 de la rue Saint Jean y que constituye un pequeño paraíso para los que aman el merchandising de las cosas titiriteras –como confieso me ocurre a mi. En ella se venden Guignols de todo tipo y para mútiples usos. Dispone además de dos complementos de sumo interés: en los bajos del edificio, la familia Cardelli ha creado un pequeño y recoleto museo de marionetas y de Guignol, con algunos autómatas y con escenas que reproducen la historia del personaje. Muy elocuentes son dos figuras de medida real que representan una a Laurent Mourguet, en pleno trabajo de arranca-muelas, con un títere en una mano (un viejo y hermoso Polichinelle) y una muela en la otra, y la figura de un pobre cliente que, con la camisa manchada de sagre y cara de sufridor, contempla al Polichinela que intenta distraerle. A su alrededor, profusión de Guiñoles de todos los tamaños, de teatrillos, de carteles, de escenas con Gnafron o con los demás personajes de repertorio, y de otras muchas marionetas que pertenecen al mundo de la fantasía, de los cuentos o incluso del cine infantil. Algunas de estas escenas están animadas por motores ocultos y el característico ruido de los autómatas llena el espacio dotándolo de un aire entre misterioso y siniestro, como lo es siempre el sonido del movimiento humano mecanizado. Su visita es pues una maravilla y aunque el espacio sea pequeño, vale la pena meterse por la trastienda y bajar los escalones que llevan al sótano.

Damien Weis con sus títeres en el taller de la Rue Saint Jean

Junto a la tienda, está el taller, en el que trabaja desde hace un año el nuevo escultor de la compañía, llamado Damien Weis, un joven artista de elegante barba y refinado bigote daliniano acabado en punta, que es el encargado de restaurar las viejas marionetas de la compañía y de crear las nuevas. Obra suya son las cabezas de los políticos satirizados en la obra de la Maison de Guignol, verdaderas obras de arte de talla de madera de tilo muy bien realizadas, dotadas de un extraordinario realismo. Se le puede ver a través del escaparate del taller esculpiendo manos y cabezas, rodeado de Guiñoles y de otras muchas figuras salidas de sus manos. No cabe duda que la visita al conjunto creado por los Cardelli, la tienda, el museo, el taller y el teatro, todo ello dedicado a Guignol, constituye uno de los puntos álgidos de una estancia titiritera en la ciudad de Lyon.

Guiñol, Lyon y sus museos.

2012-01-22T00:12:00.002+01:00

Guiñol de Laurent Mourguet,
su creador, hacia 1808. Musée
Gadagne.

No podía faltar en estas Rutas de Polichinela una ciudad como Lyon, bien marcada en el mapa titiritero del mundo por haber dado a luz a uno de los personajes más conocidos de los títeres de renombre internacional: Guiñol.

Una palabra que designa a un personaje, cierto, pero también a todo un género, el de las marionetas, pues en muchos partes la fórmula “teatro de guiñol” es sinónimo de teatro de títeres. Regalar a un niño un “guiñol” es darle un retablo de títeres con un elenco de personajes en el que por lo general no hay ningún Guiñol. Tanta fama adquirió el vocablo, que trascendió las fronteras de Francia y se extendió por el mundo entero, muy en particular en el mundo latino y de aquí a todo Iberoamérica.

Es de suponer que tal expansión debe asociarse a la sufrida por los ideales laicos y republicanos derivados de la Revolución Francesa, que poco después Napoleón quiso instaurar manu militare. De pronto, el pueblo llano quiso tomar la palabra, y Guiñol, nacido en el corazón del ambiente obrero de la ciudad de Lyon (la ciudad de los canuts, nombre con el que se designaba a los que trabajaban en la industria de la seda), supo conectar con estas ansias de hablar directamente al ciudadano de lo propio y de tú a tú. La Revolución trajo eso, una especie de hermandad republicana que liberó al pueblo dormido y lo puso a hablar de lo suyo y entre si. Ya no era la figura tradicional de Polichinela, un criado que procede de la Comedia del Arte y que se había caracterizado sobretodo por burlarse y sabotear las viejas estructuras del Antiguo Régimen, sino que Guiñol es un ciudadano como cualquier otro condenado a sufrir las penurias de la vida cotidiana –falta de trabajo, alquileres caros, problemas con la justicia, con el casero, con la policía, con la administración– quién a su vez se junta con otro ciudadano, llamado Gnafron y que encarna al bebedor que dice lo que piensa sin pelos en la lengua. Claro que a veces Guiñol cumple funciones de criado, como su antecesor en el cargo, pero eso no impide que sea ya un ciudadano con unos derechos adquiridos.

Chignol et Gnafron, revista de
humor político de 1879

Este fenómeno lo vemos también en otros lugares (nacen nuevas máscaras en Italia como Gianduja, en el Piemonte) y los mismos personajes que derivan de Pulcinella adquieren unos rasgos diferenciales que les dan nuevos bríos para vivir durante el siglo XIX un importante resurgir en toda Europa.

Lo curioso de Guiñol es la insólita fuerza con la que nació el personaje y que lo catapultó por toda Francia, llegando a substituir al clásico Polichinelle. Éste no desaparece del todo, pues se le utiliza en muchos casos como presentador –es el encargado de presentar la función e introducir de paso al nuevo personaje que le substituye en el escenario– y sigue manteniendo sus constantes vitales, metamorfoseadas en muchos casos bajo otras formas y nombres (¿no es el Jorobado de París de Víctor Hugo una especie de Polichinela en el romántico papel de monstruo enamorado?). Incluso hoy en día puede decirse que se está viviendo un resurgimiento del personaje en Francia y en toda Europa, ante la necesidad de encontrar nuevas-viejas voces bien cargadas de energía y capaces de expresar las convulsas épocas de cambio actuales.

Sobre este tema estuve hablando ayer con Cyril Bourgois, director invitado de la compañía Les Zonzons que rige el Théâtre des Marionnettes Guignol de Lyon. Él mismo, a través de su compañía “Punch is not dead” instalada en Dieppe (Normandía), ha escrito y montado ya varios espectáculos sobre Polichinelle, tras haber aprendido el oficio en Charleville-Mézières y también con los dos polichinelistas Allain Le Bon y Michelle Gauraz (ambos fallecidos recientemente, cosa que desconocía). Cyril es el encargado de dirigir en estos momentos nuevos espectáculos de Guiñol de la compañía les Zonzons, con la finalidad de darle nuevos aires y bríos al personaje.

Como puede observarse, Lyon es, para el interesado en estos singulares temas titiritiles, una ciudad de obligada visita, que nos sorprende constantemente por sus múltiples ángulos que directa o indirectamente nos remiten a esa necesidad de expresión desdoblatoria que es la marioneta. No en vano en Lyon crearon los hermanos Lumières una fabulosa industria basada en su invento para reproducir y proyectar imágenes en movimiento, al que llamaron Cinematógrafo, y que de alguna manera vino a substituir las tres dimensiones del retablo de títeres por las dos de la pantalla animada por la proyección lumínica de una sucesión de fotografías tomadas mecánicamente. Hoy tengo planeado visitar el museo dedicado a estos personajes legendarios que revolucionaron el arte contemporáneo y que se encuentran en el mismo lugar dónde vivían y tenían sus pabellones los Lumières.

Alienígena del Musée Miniature et Cinéma

No es de extrañar, pues, que también se encuentre en Lyon un fascinante y singular museo llamado Musée Miniature et Cinéma, situado en plena calle Saint Jean (arteria turística del viejo Lyon, junto a la Catedral) en la vieja Casa de los Abogados, un prestigioso y típico edificio lionés del siglo XVI. El museo es obra del carpintero y arquitecto interiorista Dan Ohlmann, quién se especializó en la creación de maquetas y miniaturas hasta que en 1989 se instala en Lyon. Crea primero en 1990 el Palacio de la Miniatura que luego se transformará, en el año 2005, en el actual Musée Miniature et Cinéma, gracias al patrocinio conseguido de la mecenas suiza Gisela Oeri, presidenta del Fútbol Club Basilea y fundadora del Museo de la Casa de Muñecas, también en Basilea (por cierto, el museo más grande de Europa en su género, un lugar sin duda interesante a visitar, en pleno centro de esta ciudad suiza).

Cadáver putrefacto del Musée Miniature
et Cinéma

El Musée Miniature et Cinéma es un compendio de miniaturas de todos tipo (el restaurante Maxim’s de París, la ópera de Lyon, el Museo de Historia Natural de París, entre otras muchos más) así como de efectos cinematográficos de los más insospechados, pues junto a las naves espaciales y a los personajes entrañables de la Guerra de las Galaxias, se encuentran multitud de otros personajes surgidos de la más truculenta imaginación cinematográfica del siglo XX y XXI, como los mismísimos decorados de la película El Perfume de Tom Tykwer, o un número ingente de criaturas extraterrestres, robots, zombis, cadáveres putefractos y raros androides, autómatas de animales radioteledirigidos, como la criatura de Men In Black, prótesis faciales como las del Planeta de los Simios, muestras de heridas hiperrealistas, de maquetas de accidentes de explosión y otros mil trucos de simulación visual. Como dijo su fundador en una entrevista, “No pretendemos ser un museo del cine, sino el de los artistas de los estudios”.

El museo nos muestra el lado artesanal y de recreación plásica del cine, que tanto tiene que ver con el mundo de la animación y, por lo tanto, con el de las marionetas. En cierto modo, visitar este museo y sus talleres puede darnos una idea de una de las líneas de evolución que sin duda tendrá el futuro teatro de títeres basado en la robótica, en los autómatas de nueva generación ya con inteligencia artificial, y en otros artilugios que el acontecer nos tiene reservados.

Reproducción del Nautilus, de Julio Verne, del Museo
de Autómatas de Lyon

También es interesante visitar el Museo de Autómatas que se encuentra en el número 100 de la Rue Saint Georges, no lejos de la Catedral y a pocos pasos de la estación de metro Vieux Lyon. Aquí nos encontramos con la ortodoxia mecánica de los viejos autómatas europeos movidos por sistemas dentados de ruedas giratorias y otros mecanismos estándares de automoción. Aunque el museo data de 1991, su origen se remonta al año 1946, cuando se inició el trabajo de Augustine, Georges y su hijo Robert EMA. Crean al principio autómatas electro-mecánicos para los escaparates de los grandes almacenes, una costumbre bien arraigada en Lyon (y en tantas otas ciudades del mundo), hasta que el acopio de trabajo y obra realizada les anima a buscar un sitio dónde exponer sus creaciones. Así nace el museo en 1991 que poco a poco va creciendo hasta su actual forma, con una colección fija de 250 autómatas agrupados en varias escenas de la vida cotidiana, de la historia de Lyon, de los cuentos populares, de mundos imaginarios populares (como una reproducción del interior del Nautilus con un Capitán Nemo mirando pulpos gigantes a través de un enorme y sugerente ojo de buey, o una orquesta de músicos dieciochescos ejecutando fragmentos de La Flauta Mágica de Mozart, o, aún más interesante para nosotros, una escena de Guiñol en plena representación junto a su inseparable Gnafron y otros personajes secundarios).

Como vemos, el mundo de la marioneta de cruza con el de los autómatas, y ambos se imbrican en una fecunda y prometedora interrelación.

Gnafron de Laurent Mourguet,
su creador, hacia 1808. Musée
Gadagne.

He dejado para el final de esta crónica el Musée Gadagne, sin duda el más importante desde el punto de vista marionetista, o al menos el más oficial, en cuanto es el Museo Municipal de la ciudad de Lyon, en el que no sólo hay unas muy interesantes salas dedicadas a Guiñol y a la historia de las marionetas, sino también otras muchas que nos hablan de la historia de la ciudad. Debo decir, antes de continuar, que también existe otro museo dedicado a nuestro personaje, llamado “Petit Musée Fantastique de Gignol” y que se encuentra en los bajos de la tienda de souvenirs, mayormente dedicados al héroe lionés, ubicada en el nº 6 de la calle Saint Jean, en el centro antiguo y a pocos pasos del mismo Museo Gadagne. De él hablaré en mi próxima crónica.

Lo bueno de la colección del Museo Gadagne es que reúne algunas de las más antiguas piezas de Guiñol pertenecientes a su fundador, Laurent Mourget, unos títeres que impresionan por su rudimentario impacto y que presentan una tipología bastante amplia de personajes. El material está muy bien presentado aunque hay que decir que es un museo de expresión sobria, es decir, no enseña todo lo que tiene sino sólo algunas de las piezas consideradas más importantes, lo que sin duda gustará a los amantes de la frugalidad comedida y del considerado rigor científico. Debo reconocer que yo me inclino más por el exceso y la desmesura, como si la profusión barroca fuera más proclive a satisfacerme. Soy consciente de que hoy los museos se inclinan más por el minimalismo y nada hay que objetar a ello. Piensan los entendidos que se consigue más impacto con una única imagen bien puesta y seleccionada y quizás tengan razón, pero el exceso de austeridad también aburre y a mi me entusiasman los museos acientíficos que acumulan objetos por todas partes, como algunos antiguos que existen tal como sus creadores los idearon, con espíritu más de coleccionista que académico.

Incroyable, con Guignol y Diablo detrás, títeres de Louis
Edmond Durant (1883-1880), París, Guignol des Tuilleries,
Collection Dor. Musée Gadagne.

Pero que nadie crea que el museo Gadagne carece de interés, muy al contrario: sus colecciones de marionetas son impactantes. Aparte de Guiñol, hay un par de Polichinelas extraordinarios –siempre tan difíciles de encontrar–. Uno de ellos tiene una joroba delantera que parece un enorme falo pegado al cuerpo, efecto seguramente buscado por su creador. Hay buenas colecciones de marionetas de hilo francesas e italianas, un magnífico Punch con Judy, el Boby o policía, y el payaso. Un viejo Kasperl de talla de madera, y hasta un pequeño Kasparec metido en un teatrillo de cartón. También hay marionetas de Japón, de África y siluetas de Indonesia, Camboya y China.

Aconsejo al visitante no detenerse sólo en las salas de marionetas y adentrarse en las que se habla de la historia de Lyon. Sabrá así de la importancia que tuvo –y al parecer sigue teniendo– la Francmasonería en esta ciudad, así como un movimiento o fenómeno obrero propio del siglo XIX muy francés llamado Compagnonnage, en el que sus miembros recorrían el país para aprender los oficios junto a los maestros locales. Muy influenciado por la Francmasonería, vendría a ser algo así como una rama obrera de la misma. La creciente industrialización a mediados del siglo XIX fue acabando con este movimiento.

En una próxima crónica continuaré con más detalles sobre esta fascinante ciudad titiritera. Adjunto algunas imágenes que sin duda ayudarán a visualizar lo narrado hasta aquí.

En el TOPIC de Tolosa

2012-01-21T00:14:00.005+01:00

La semana anterior estuve en Tolosa, de visita en el TOPIC, el Centro Internacional del Títere de Tolosa, que es ya como una segunda casa para mi. Lo digo no sólo porque allí están todas las marionetas de la compañía, construídas por Mariona Masgrau, con un simpático y muy bien compuesto Malic presidiendo el gran mural de los espejos de marionetas infinitas del Museo, sino también por la grata hospitalidad de la que siempre gozo allí.

Este año me perdí la exposición dedicada a las marionetas en Suiza, organizada por Pierre-alain Rolle, que por lo visto fue espectacular. Puede verse un video de la misma clicando aquí. Suiza fue el país invitado del Titirijai de este año y de ahí el énfasis puesto en mostrar un panorama de su realidad titiritera.

Mariona Masgrau. Foto de Isa Albareda.

Fui a Tolosa por placer pero también por trabajo, pues son bastantes los asuntos que nos llevamos entre manos. En primer lugar, la exposición dedicada a la obra de Mariona Masgrau, que forma parte del fondo del Museo gracias a una cesión temporal de la misma y, en segundo lugar, por la exposición sobre el tema de Rutas de Polichinela que deberá culminar la escritura del libro en el que estoy embarcado.

La exposición de Mariona será en septiembre de 2012 y estará hasta febrero de 2013. Es decir, podrá verse durante bastantes meses y coincidirá con el Titirijai de este año en noviembre, que cumple su treinta aniversario. Lo bueno de esta exposición es que será bastante exhaustiva de su obra, una oportunidad pues para apreciar y valorar el trabajo realizado por la titiritera catalana.

Polichinelle (Museo Gadagne, Lyon)

La exposición de Rutas de Polichinela será para septiembre de 2013, coincidiendo con la publicación prevista del libro que lleva el mismo título. Una fecha que nos obliga, a mi y al TOPIC, a poner los motores en marcha de cara a preparar lo que espero sea una muy buena ocasión de ver juntos a tantos personajes europeos de la tradición, que aun siendo todos diferentes, gozan de inspiradoras semejanzas.

Marioneta de Arketal

Pude también visitar la magnífica exposición actual dedicada a la compañía Arketal. Digo magnífica sin exageración alguna, pues realmente es un placer gozar de la exquisitez de estas dos artistas titiriteras, Greta Bruggeman y Sylvie Osman, que llevan ya muchos años trabajando con un gran rigor estético, y con la complicidad añadida de otros artistas plásticos. Como dicen ellas mismas en el programa, “Cada una de nuestras creaciones es un viaje, un diálogo con los colaboradores que nos acompañan. Los temas elegidos hablan de la identidad, de la memoria, del exilio, de la familia, de lo humano”. Impresiona ver en el ambigú del TOPIC toda la serie de carteles de los diferentes espectáculos de la compañía, exponente del enorme trabajo realizado.

Imagen de "Enamorirse", del PTV Clowns

En los días pasados en Tolosa tuve la suerte de asistir a una representación de la compañía valenciana PTV Clowns. Una sorpresa y un gozo, pues su espectáculo, titulado “Enamorirse”, va realmente dirigido a todos los públicos sin menosprecio del adulto, con una acción, un texto, unos gags y un ritmo extraordinarios. La verdad es que te partes de la risa frente a un trabajo inteligente, original y dotado de un virtuosismo interpretativo que pocas veces se alcanza en un escenario. El espectáculo es de clown aunque juega con alguna marioneta, construídas por cierto por Sise y Alberto de la compañía los Duendes. Tres son los personajes: Hula, Piojo y la Seño. Los dos primeros son los payasos -¿los podríamos llamar clásicos…?– ,y la Seño, guapa y resultona, es la que marca la diferencia y enlaza al público –y la razón– con el disparate de los dos pretendidos estudiantes. El sentido del humor es exquisito y la interpretación de los tres actores, magnífica como se ha dicho. 40 años de experiencia avalan a esta histórica compañía que en vez de envejecer, parecen haber encontrado el elixir de la eterna locura. Una locura, claro, sumamente cuerda e inteligente.

Nuevas publicaciones del Museu da Marioneta de Lisboa

2012-01-11T12:50:00.001+01:00

El Museu da Marioneta de Lisboa ha decidido empezar este año 2012 (o tal vez terminar el 2011, pues en realidad los libros salieron en diciembre) con dos nuevas publicaciones muy diferentes entre si, ambos de una gran calidad.

Los 10 años del Museu da Marioneta

Portada del libro de los 10 años del
Museu da Marioneta

Celebrar 10 años de un museo dedicado a las artes de la marioneta no ocurre cada día, sobretodo cuando se tiene la categoría del de Lisboa. Para celebrarlo, su directora Maria José Machado Santos ha presentado un precioso libro en el que se reúnen textos, testimonios y sobretodo, muchas imágenes, lo que da una idea de la actividad que se ha llevado a cabo en este tiempo, en la que prácticamente se tocan todos los registros del arte de los muñecos. Como dice la directora en su texto de presentación, de las 410 marionetas y máscaras de la colección inicial se ha pasado a unas 2000 en la actualidad, sin contar los retablos, aparatos y documentos que constituyen los fondos del Museu. Una evolución que puede constatarse visitando sus salas y respirando el fervoroso ambiente de trabajo que reina en sus dependencias.

Capítulo aparte merecen las actividades educativas que lleva a cabo el Museu, y que las imágenes del libro ilustran con profusión: talleres, visitas comentadas y espectáculos en la sala-capilla del Convento das Bernardas. También se recogen con abundante testimonio gráfico las importantes exposiciones que se han realizado en el Museu, una labor ardua y continuada, así como los muchos espectáculos programados, con espectaculares fotografías de José Frade y de Susana Neves.

"Henrique Delgado. Contributo para a história da marioneta em Portugal", de Rute Ribeiro.

Este es el segundo libro que en ocasión de su décimo aniversario ha publicado el Museo, un encargo a la estudiosa y titiritera Rute Ribeiro de recoger, editar y presentar todos los textos escritos por Henrique Delgado (1938-1971), ese personaje tan entrañable como importantísimo en la historia de las marionetas de Portugal, por ser prácticamente el único que allá por los años sesenta se interesó en recuperar lo que quedaba de las viejas tradiciones marionetísticas del país. Lástima que muriera tan joven, porque su labor indagadora podría haber llegado todavía mucho más lejos -además de la propia actividad como titiritero, que su muerte truncó.

Portada del libro sobre Henrique Delgado,
de Rute Ribeiro

El trabajo de Rute Ribeiro ha sido realmente ingente, sobretodo por el poco orden que había en los documentos conservados por la familia Delgado, tan amablemente cedidos al Museo. Un trabajo de investigación muy a menudo detectivesco, con muchas horas de archivo y biblioteca, de comparar textos y fuentes, y cuyos resultados se notan en el índice del libro, convertido en una guía por la geografía y la historia titiritera de Portugal. Constituye también un documento de importantísimo apoyo a las colecciones existentes en el Museu da Marioneta, pues uno puede saber quiénes eran y como trabajaban titiriteros tan interesantes como Manuel Rosado, Joaquim Pinto, Manuel Barriga, o el mismísimo Antonio Dias, de cuyo Roberto aprendió Joao Paulo Cardoso a finales de los setenta. También nos ilumina sobre los fantásticos Bonecos de Santo Aleixo, pues Delgado conoció y entrevistó a los últimos maestros que recorrieron los pueblos del Alentejo con los personajes de Mestre Salas o del Padre Chancras. Las imágenes que publica el libro sobre los Bonecos son impresionantes y muy ilustrativas de esta tradición y, que yo sepa, inéditas hasta ahora.

Otro apartado es el que Delgado dedica a los titiriteros más modernos, como el Robertoscope, el Teatro Lilipute, el Teatro de Branca-Flor, Lena Perestrelo, o el interesante Teatro de Mestre Gil, con Augusto de Santa Rita. Un libro que sin duda quedará como referente básico de la tradición titiritera en Portugal, muy relacionado con los fondos del Museu da Marioneta, y del que ya hablaremos con más profundidad en próximos abordajes.

Ha salido la Hoja del Titiritero

2012-01-11T11:27:00.000+01:00

Acaba de salir "La Hoja del Titiritero", el siempre tan esperado boletín electrónico de la Comisión para América Latina, que edita con tanto mimo Susanita Freire. Un trabajo que impresiona por la cantidad de material y de informaciones utilísimas que recoge. En este número correspondiente al año 8, nº4, de diciembre de 2011, pueden verse los siguientes apartados:

PERSONAJE INOLVIDABLE
Mario Herrera Asín (1944-2011)
por Martín Molina Castillo - Tárbol teatro de Títeres
Artista y Maestro, Maestro y Artista con todo lo amplio y hermoso que ello implica; Artista destacado en diferentes disciplinas y con una especial pasión por los Títeres, Maestro en todo el sentido de la palabra con la generosidad a flor de piel siempre dispuesto a compartir y con la grandeza para estar ávido a continuar aprendiendo; comprometido a toda prueba con su práctica artística y con la docencia, con su comunidad, con su país, luchador incansable a pesar de las adversidades propias de ser artista en un país donde el arte tiene que hacerse a pulso y con las propias fuerzas pues es más que un sueño contar con apoyo y/o reconocimiento oficial. Luchador alegre siempre con una sonrisa en los labios y los títeres en alto, con talento, dedicación y dignidad. Así es Mario Herrera Asín, nuestro Mario que hoy recorre rumbos por ahora ajenos a nosotros.

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REPORTAJE
Ventana a la Marioneta Suiza en el Festival Titirijai
Tolosa 2011
por Ana María Allendes Ossa

El Festival Titirijai desde sus inicios, ha tenido como eje principal efectuar una amplia exposición de Teatro de Muñecos de distintos países. Este año se abrió a Suiza.

Gracias al entusiasmo de Pierre Alain Rolle y Paola Busca, quienes lograron motivar a sus compañeros de la Asociación suiza para el Teatro de Marionetas y buscando los apoyos materiales necesarios, en las nueve salas del Palacio de Aramburu se exhibió una visión contemporánea de la marioneta suiza, básicamente desde el principio del siglo XX hasta nuestros días.

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PATRIMONIO TITIRITERO
El Café Chat Noir
por Carmen Luz Maturana El Chat Noir, por ejemplo, era un cabaret de artistas que se reunían en París a fines del siglo XIX para discutir sobre arte y presentar algunas de sus creaciones.
Marca un precedente porque fue uno de los lugares donde las marionetas y el teatro de sombras empezaron a “trabajar” de la mano de intelectuales y artistas.
Sobre este último lenguaje teatral, las sombras, es donde quedó el mayor número de registros del Chat Noir.

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Y un sinfín de informaciones y noticias sobre becas, festivales , publicaciones, Unima, etc. Para ver la Hoja, clicar aquí.

Últimos números de las revistas Fantoche y Móin-Móin

2011-12-30T18:24:00.000+01:00

Acabo de recibir los últimos números de dos revistas dedicadas al teatro de marionetas, Fantoche editada por Unima Federación España, y Móin-Móin, editada por la Sociedade Cultura Artística de Jaraguá do Sul (SCAR), de la Universidad do Estado de Santa Catarina (UDESC), de Brasil.

Ambas despliegan un conjunto de artículos de extraordinaria calidad que son un verdadero regalo para los aficionados a las artes escénicas de las formas animadas. Dejo para más adelante una atención pormenorizada de los contenidos, y procedo simplemente a mostrar sus portadas así como los enlaces dónde pueden consultarse On Line, el número actual completo en el caso de Móin-Móin, y números anteriores en el caso de Fantoche.

Números anteriores, clicar aquí.

Número actual, clicar aquí. Todos los números, aquí.

“El Circo de las Penas”, en el Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona

2011-12-30T00:27:00.000+01:00

Estos días puede verse en el Centro de Arte Santa Mónica, al final de las mismísimas Ramblas barcelonesas, una exposición insólita y única, la creada por Jordà Ferrer y Óscar de Paz, de la compañía Antigua i Barbuda, de máquinas teatrales agrupadas bajo el título de “El Circo de las Penas”.

"La máquina de la esencia de la música"

Creo que hacía tiempo que no veía algo tan brillante, original, creativo y a la vez tan hermoso y entrañable, todo mecánico pero muy “humano”, dotado de una tecnología sofisticada pero a su vez elemental. Máquinas que nos retrotraen tanto a épocas pasadas como futuras: “pasadas” por sus mecanismos arcaicos de una época que podríamos llamar “ferroviaria”, y “futuras” porque no incitan a producir sino a gozar, augurando épocas venideras en las que, esperemos, los humanos dedicaremos nuestro tiempo a divertirnos, a colaborar y a comunicarnos unos con otros desde la imaginación creativa.

Los artistas que firman las máquinas son Jordà Ferrer y Óscar de Paz, quiénes han colaborado con el músico y sonorizador de espacios Pablo Rega y el dramaturgo Josep Pere Peyró. Un trabajo en el que se nota la madurez de una experiencia asentada por los años. No en vano Jordà Ferer, tras su aprendizaje inicial con Laura y Toni Barberà de la Fira Fantástica, estuvo trabajando con compañías tales como La Fura dels Baus, Comediants, Royal de Luxe o Phillippe Genty, entre muchas otras de gran categoría.

En “El Circo de las Penas”, las máquinas están unidas por el hilo argumental del personaje Joao Siqueiro, un portugués visionario e inventor quién, tras instalarse en Brasil, diseña y construye a finales del siglo XIX la máquina “de hacer llorar”, la de “la esencia de la música”, la “de medir el amor”…

El conjunto está pensado para que las máquinas actúen ante un público sentado en unas gradas móviles, para situar así a los espectadores ante cada número. Lástima que el pequeño espacio del Arts Santa Mónica dónde han sido ubicados sólo permite presentar el trabajo en formato de exposición. Pero aún así, y gracias a unos videos que reproducen la acción de las máquinas con sus sonidos correspondientes, los visitantes se quedan boquiabiertos y admirados frente al derroche de imaginación y de ingeniosidad desplegado ante sus ojos.

Extraordinaria la pianola que crea combinados olfativos según las notas van sacando gotas de uno u otro perfume, a través de sofisticados mecanismos que convierten el conjunto en un autómata musical desventrado que realmente saca perfumes de verdad. O el inquietante artilugio con un corazón en su baño de formol: cuando un espectador se le acerca, el corazón empieza a bombear mientras unos engranajes mecánicos se ponen en movimiento, de modo que uno no sabe si es la máquina lo que hace bombear el corazón, o son los latidos de éste los que ponen en marcha el aparato…

La noria

En el patio del Santa Mónica, los de Antigua i Barbuda han montado dos atracciones de feria que también sorprenden por su factura de rara tecnología retrofuturista: un Tiovivo en el que en vez de caballitos hay ingenios de todo tipo, y una noria cuyos asientos son viejos váteres de porcelana. Una estética de cuento gótico-futurista que debe entusiasmar a los niños y a los mayores que suben en ellas.

La exposición es, sin duda, una de las más originales que han pasado por el Santa Mónica, perfectamente encajada en este cruce de caminos entre Ciencias y Artes que el Centro ha pretendido ser desde el principio. Lástima que una de sus secciones más brillantes, la que dirigía Josep Perelló, haya tenido que ser sacrificada por imperativos económicos, según me han dicho en la entrada. Una pérdida tremenda de un proyecto que hacía mucho con muy poco. No se entiende que los excelentes ejemplos de innovación y sostenibilidad que han sido todos los trabajos de este departamento de ciencia/arte hayan sido sacrificados, cuando debieran ser los modelos a tener en cuenta. Paradójica crisis…

Adjunto un video sobre las máquinas expuestas que he encontrado en la red.

el circo de las penas from oscar de paz on Vimeo.

“Tiempos de Barcelona”, de Jesús Atienza

2011-12-20T22:59:00.001+01:00

Artículo sobre la exposición de fotografías inaugurada el 13 de diciembre en la galería Il Mondo de Barcelona. Jesús Atienza, bien conocido por ser un fotográfo que desde siempre se ha ocupado de los títeres, ha mostrado en esta ocasión imágenes de una Barcelona en blanco y negro que ya no existe. Hasta el 14 de enero.

Foto de Jesús Atienza expuesta en Il Mondo

Si uno de los objetivos principales de la fotografía es fijar el tiempo, “retratarlo” sería el objetivo oculto de quiénes la practrican desde una perspectiva artística. Una consideración que viene a cuento ante las fotografías expuestas por Jesús Atienza en Il Mondo.

Y es que Atienza ha ido creando con los años una filosofía de la imagen que ha tomado al Tiempo como tema principal aunque nunca explícito ni declarado. Me lo contaba él mismo cuando, hablando sobre las fotografías expuestas, indicaba hasta qué punto le interesaba dejar reposar unos años las imágenes en un cajón, para permitirles expresar luego todo el “tiempo” que la imagen arrastra o acumula consigo. Darse cuenta de ello modifica la actitud del fotógrafo ante el objetivo: el ojo ya no se fija sólo en la anécdota o en el elemento nuclear que debe centrar la imagen, sino que se abre al “tiempo” para captar la amplitud de lo que envuelve el instante. Ensanchar los minutos para que lo instantáneo pueda abrirse en canal y exhibir sus entrañas, pero también para mostrar las circunstancias exteriores de toda una sociología histórica envolvente.

Pero el Tiempo, para ser retratado, necesita dónde posarse, objetos, personajes y situaciones que le permitan encarnarse, es decir, necesita “temas”. Los de Jesús Atienza son bien ilustrativos de esta obsesión suya por la visión amplia de los “tiempos a retratar”: Marionetas, Pepe Otal, Boxeo, Circo, Tatuajes, Barcelona, Retratos, Sitges, Bondage y Periplos. Dejo los más anecdóticos y los relacionados con el día a día de la “carn a l’olla”, como son la Moda o la Publicidad. Los temas citados tienen como denominador común el “límite”: campos de experiencia situados en zonas sociales y existenciales limítrofes, ya sea por exceso (Boxeo, Tatuajes, Bondage) o por hallarse en zonas de actividad periférica (Marionetas, Pepe Otal, Circo, Sitges). Los tres temas que no he citado tienen significados “metafotográficos” concretos de intención: Barcelona como decorado, Retratos como objetivo y método con el que mirar al Tiempo, y Periplos como expresión de lo que realmente le interesa al fotógrafo: los recorridos de la vida, lo que nos afecta y nos transforma, lo que se prolonga en movimiento.

Temas que nos hablan asimismo de un deseo de situarse en los márgenes sociales, allí dónde “suceden cosas”, y en los que el Tiempo es vivido y deja sus huellas. Una marginalidad que no rehuye la profesionalidad más estricta del fotógrafo, sino que, por el contrario, parece afianzarla aún más, como una ancla a la que agarrarse para que el torbellino de lo temporal no le arrastre a uno.

Marionetas y Circo: he aquí dos temas estrella, al menos para nosotros. La razón sería que tras estas actividades de exhibición visual, hay personas y trayectos, historias que contar y tiempos por detectar. De ahí que la figura de Pepe Otal, cómplice y amigo, se haya convertido en uno de sus temas preferidos y más logrados, una trayectoria que resume en su conjunto no sólo el periplo vital y dramático del personaje, sino casi cuarenta años de historia local y global con un sinfín de rostros y de aventuras vitales de distinto voltaje y color. Un tema que daba para “infinitos retratos del Tiempo”.

Centrémonos en el “decorado”, es decir, en Barcelona, el tema escogido por Jesús Atienza para esta exposición. Un decorado que jamás está vacío de almas, una obsesión importantísima para el fotógrafo. Lo que nos indica el carácter teatral de su visión fotográfica, pues del mismo modo que una escenografía sin actores no hace teatro, una ciudad sin habitantes tampoco hace ciudad. La urbe como un espacio laberíntico para los humanos que se mueven por ella. Un paisaje de exteriores, de calles, de fachadas llenas de vida, de rincones singulares. Y en casi todos ellos, un personaje en solitario sobresale del conjunto, como si quisiera a veces escabullirse del mismo. El tema de la soledad surge discreto pero con fuerza en estas imágenes captadas todas ellas (menos una, fácilmente detectacle por ser en color) en los años 1979-1980. La soledad del individuo en la ciudad: un tema universal y profundamente contemporáneo. A veces es un señor que vemos de espaldas o que pasa la cabeza gacha, o una señora con la cesta de la compra, o un obrero subido a una larguísima escalera pegando un cartel, o un soldado que sube solo por las Ramblas. Incluso la foto contemporánea nos muestra la soledad de una vagoneta suspendida en el vacío. El tema de la soledad cruza el decorado urbano y su “tiempo retratado”, dándole una importante dimensión dramática.

Unos retratos del tiempo de una época que fue nuestra en su día y que lo sigue siendo, gracias en parte a imágenes como las presentes, y a pesar de las ingentes transformaciones y de sus inevitables declives. ¿Qué queda de aquella Barcelona, además de los documentos gráficos que la sostienen visualmente? La ciudad ha cambiado su piel y nosotros, sus habitantes, también hemos mutado por dentro y por fuera. Darnos cuenta de estos cambios para comprender que Barcelona sigue siendo la misma tras haberse transformado por completo en otra, tal sería, a mi modo de ver, el principal de los objetivos de la actual exposición de Il Mondo.

“Pepe Otal, el viaje infinito”, película de Pedro Nares

2011-12-19T15:46:00.000+01:00

Se presentó este domingo 18 de diciembre en el bar Montse de la Barceloneta (en Barcelona) el reportaje realizado por Pedro Nares en conjunción con Ernest F.Sala sobre Pepe Otal. Se trata de una película de una hora y ocho minutos de duración en la que se muestran las múltiples facetas del insigne titiritero de Albacete a través de entrevistas realizadas a él mismo así como una recolección de varios testimonios a cargo de Jordi Ràfols, Manel Martí, Jordi Bertrán, Pep Gómez, Pilar Gálvez, Oriol Font, Albert Tort, Carlos López, Carles Codina, Mila Cubero, Jaume Tomillero, Jesús Atienza y Toni Rumbau.

Pepe Otal y Marta Otzet, en el bar del Teatro Malic.
Diciembre 2001.

La película está realmente muy bien hecha y los que asistimos al acto nos hicimos cruces de que hubiera durado más de una hora, pues nos la tragamos entera sin noción alguna del tiempo transcurrido. Sirve sobretodo para mostrar la compleja personalidad de Pepe Otal, con una variedad de facetas que sus distintos amigos van desplegando en la película una tras otra, algunas de ellas contradictorias y por ello tan interesantes, pues de lo que no cabe duda es que todas son reales y fundadas por años de experiencia y de amistad. Junto al Pepe sabio y amable está el Pepe canalla y endurecido, y frente al poeta inspirado y buen conocedor de las constelaciones, el lúbrico y donjuanesco Pepe que sólo busca satisfacer sus ardores amorosos. Este enamorado de la muerte que fue Otal confiesa que en realidad no sabe nada de ella, y que prefiere no tener que definirla ni conocerla, seguramente para no enturbiar una relación profunda que duró hasta que ella se lo llevó a su palacio.

La película recorre la vida de Pepe desde su infancia en Albacete, su paso por la escuela náutica, su aprendizaje con el señor Tozer, sus primeras andaduras en los años del cambio político en España, con una clara afinidad anarquista que nunca abandonó, y la creación de su compañía Grupo-Taller de Marionetas, instalada primero en una escuela ocupada de la Barceloneta y, dieciocho años más tarde, en el local de la calle Guardia, en pleno Barrio Chino.

Creo que Jordi Bertrán es quién mejor da en el blanco a la hora de situar al personaje, de quién dice que para él, su mejor obra fue el mismo taller que fundó con su ambiente abierto y su generosidad con los amigos y con cualquiera que acudiera a él. Algo que queda demostrado por todos los titiriteros que tuvieron el Taller como su punto de partida y por su pervivencia actual, pues incluso tras muerto, su herencia, encarnada en lo que es hoy la Casa-Taller de Pepe Otal, sigue dando sus frutos.

La película volverá a presentarse precisamente en la Casa-Taller de Pepe Otal este próximo viernes 23 de diciembre, a las 19h de la tarde.

Festival de Invierno en La Puntual

2011-12-19T11:53:00.002+01:00

Llegó puntual, como no podía ser de otro modo en este pequeño teatro de Barcelona llamado La Puntual, su Festival de Invierno que suele celebrar por estas fechas, a modo de desintoxicación navideña para los niños del empacho consumista propio de la Navidad.


Imagen de “Vivaldi. La Cigala i la Formiga”

Y llegó con cuatro espectáculos muy diferentes entre si y todos ellos de una gran calidad. Empezó el grupo Penjim-Penjam Titelles, un histórico de los títeres en Cataluña, con la obra “El Moliner”, un primoroso trabajo solista a cargo de Mercè Alemany. Le ha seguido en el calendario La Petita Brownie i Cia con “Vivaldi. La Cigala i la Formiga”. Contnuará un ya clásico de la sala, “Caramante”, con Eugenio y Néstor Navarro, espectáculo de teatro de sombras con gafas de tres dimensiones para los espectadores. Y acabará Ayelén Cantini con “Efímers Maravelles”, un espectáculo poético-visual hecho con pompas de jabón. Para más información del programa, ver la página de La Puntual.

Pude asistir a una de las representaciones del segundo espectáculo, el de la Petita Brownie i Cia, y puedo decir que gocé del espectáculo y de ver gozar a los niños y a los mayores que abarrotaban la sala, con una brillante interpretación de Susana Rubio que se enfrentó en solitario a esta conocida fábula de La Fontaîne. Lo hace la titiritera catalana dando la vuelta al final, que adapta a los nuevos tiempos necesitados de mayores dosis de bondad, ante las realidades duras que se avecinan. Podría decirse que la obra es de una actualidad absoluta: la hormiga acaba invitando a la cigarra a su casa, en vez de dejarla morir en la intempeie -sin techo, salario mínimo ni seguridad social. Claro, esto no se dice en el espectáculo, pero uno se lo imagina. En este sentido, ilustra también una de las visiones de más éxito de la actual Europa, con sus cigarras sureñas que viven de cantar al sol, y las hormigas nórdicas, que trabajan y producen en sus fríos polares. Cuando llegan los fríos para todos, las hormigas del norte deben acudir en protección de las pobres cigarras del sur, afónicas de tanto cantar y sin un duro en los bolsillos. Como puede verse, las fábulas puestas al revés dan mucho de si.

Actúa Susana con mucho primor y con un extraordinario dominio de la voz, que se amolda perfectamente a los distintos personajes como guantes sonoros, con registros nada forzados y musicales timbres de voz. Su presencia es asimismo agradable y muy correcta, en el sentido de mantener una relación adecuada con los títeres y también con respecto al público, al que trata con cariño pero a su vez con la necesaria distancia para no caer en la excesiva dulcificación. El otro componente del espectáculo es la música, las Cuatro Estaciones de Vivaldi en concreto, cuya genialidad garantiza una atmósfera sonora de gran categoría, lo que hace subir muchos puntos al espectáculo.

El resultado fue una ovación muy sentida del público, el cual parecía no querer irse del teatro, acercándose a la ventana inferior del retablo dónde la hormiga tiene su apartamento y dónde se podía ver a la cigarra muy contenta sentada en un sofá frente a un plato de sopa caliente. En definitiva, un muy buen espectáculo presentado con honradez, buen oficio y mucho gusto.

El proyecto Perla en la Casa-Taller de Pepe Otal

2011-12-18T20:15:00.001+01:00

Llegó a Barcelona este fascinante proyecto-gira de las dos actrices Ana Zavala y Micaela Gramajo que salieron de México el 29 de septiembre y que, tras actuar en Colombia, Perú, Chile, Argentina y Uruguay, cruzaron el charco para recalar primero en Madrid, luego Bilbao y acabar en Barcelona, concretamente en la Casa-Taller de Pepe Otal.

Ana Zavala en plena interpretación.
Foto de Julio Castro Jiménez.

Digo Fascinante por varios motivos: primero por la calidad de las obras presentadas y de la interpretación de ambas actrices, y luego por el sentido que han querido dar a la gira de promoción y homenaje a la escritora y directora de teatro argentino-mexicana Perla Szuchmacher, fallecida recientemente. Las dos obras presentadas son “Lágrimas de agua dulce” (de Jaime Chabaud) y “Malas palabras”, de Perla Szuchmacher, quién a su vez dirigió en su día ambas piezas. Son dos obras para actuación solista, de modo que las dos actrices se reparten los papeles: Ana Zavala con “Lágrimas de agua dulce” y Micaela Gramajo con “Malas palabras”.

Tuve la buena suerte de asistir a la primera de las representaciones y la mala de no poder asistir a la segunda, pero aunque me haya quedado a medio camino, pude constatar la calidad de la propuesta, y darme cuenta del valor de la misma, tras charlar con las dos jóvenes actrices y percatarme de su arrojo así como del rigor con el que han emprendido el proyecto.

“Lágrimas de agua dulce” cuenta la historia de una niña que llora, en efecto, lágrimas de agua dulce en un pueblo aquejado de sequía, lo que induce a su padre y a las autoridades a usarla para satisfacer las necesidades de agua de la gente. Una metáfora de cómo el mundo se acomoda a la explotación basada en el sufrimiento de los más débiles. Muchas son las lecturas que pueden hacerse de la obra, cuya gracia radica tanto en la elegante sencillez del lenguaje y de la trama como en la magnífica interpretación de Ana Zavala, en el papel de abuela de la niña. Es ella quién nos explica la historia ayudada de unos muñecos que manipula a la vista y de un enorme tapiz que hace de decorado y que nos sitúa en el espacio del pueblo en cuestión. Una dramaturgia, la de Perla Szuchmacher, perfectamente adaptada al perfil de la actriz, de una agradable presencia y con una dicción que embelesó al entregado público de Barcelona que acudió a la presentación. Daba gusto escuchar este castellano dulcemente pasado por el filtro mejicano, de una riqueza semántica y fonética a la que los españoles estamos poco acostumbrados, ante el actual uso acanallado y empobrecido que solemos hacer de la lengua. Escuchar aquella historia tan bien narrada e interpretada, me hizo pensar en lo bueno que sería poderla ofrecer a nuestros públicos infantiles para que tuvieran una cierta idea de cómo se hablaba antes. Ana Zavala bordó una actuación cuya mayor virtud fue la naturalidad con la que narra y hace las distintas voces de los personajes mientras va manipulando títeres, objetos y decorados.

Una vez más, la Casa-Taller de Pepe Otal cumplió con su función de ofrecer hospitalidad a los titiriteros que están de paso por Barcelona y que encuentran en su pequeño escenario un lugar ideal dónde recalar y presentar su trabajo. Han conseguido ya un público fiel que acude a los programas semanales, así como un agradable ambiente de informalidad y de cercanía que encandila a los artistas invitados y a los espectadores, en su mayoría jóvenes. Un gran logro que la presentación del Poyecto Perla volvió a poner de relieve.

Últimos días en Bucarest

2011-12-03T21:46:00.005+01:00

Edificio de Bucarest

Tras los intensos días de trabajo con la representación, llegó la hora de conocer algo sobre la ciudad de Bucarest, que desconocía por completo. Una ciudad que me ha parecido enormemente seductora, en parte debido a una cierta imagen destartalada de la misma, algo que siempre agradezco en las ciudades europeas, y sobretodo por el cruce de estilos que puede observarse en sus calles y edificios. No podemos ignorar que la historia de Rumanía está marcada por la extraordinaria acumulación de pueblos distintos que la han cruzado, conquistado, estrujado, sojuzgado y finalmente adaptado a ella.

Considerada ya en edad muy temprana como una zona de gran desarrollo del primer bronce, fue un territorio enormemente codiciado por los imperios antiguos, a causa sobretodo de sus riquísimas minas de oro. Una tierra, sin embargo, que sabía defenderse muy bien, de ahí los esfuerzos que tuvieron que hacer los romanos para conquistarla. Una vez lo consiguieron –César murió antes de conseguirlo y sólo Trajano lo consiguió a finales del s.I d.C.–, el Imperio se financió en sus años más gloriosos gracias a las enormes cantidades de oro provenientes de Dacia. Se calcula que los romanos extrajeron en 170 años de explotar la región unos 5.500 kg de oro y unos 1.000 kg de plata por año. El enorme botín de guerra tras la conquista de Trajano en el año 100 (1.650.000 kg de oro y 10 millones de kg de plata) permitió que en todo el Imperio se suprimieran aquel año los impuestos (información extraída del libro “La Roumanie”, de Mihaï E. Serban, ed. Karthala, Paris, 1994).

Edificio de la Escuela de Arquitectura

El interés imperial por la región se manifestó en una profunda romanización de la misma, lo que explica que ya en época bizantina y entrados en la Edad Media, la lengua latina se mantuviera como base parlante de sus habitantes, una isla lingüística que supo preservarse a pesar de la presión política, guerrera y demográfica que sufrió sin interrupción alguna. Situada en una zona de encuentro de los distintos imperios que se crearon y descrearon a través de los siglos, la identidad rumana, marcada por la lengua y por la religión (que no era la católica propia de los latinos, sino la ortodoxa de los que hablaban otras lenguas básicamente eslavas) supo mantenerse invicta aunque casi siempre bajo el yugo de los imperios dominantes.

Tres zonas parecen ser las definitorias de este país complejo y repleto de minorías que conviven entre si: Balakia en el sur, Moldavia en el noreste y Transilvania en el corazón del país, un remanso de paz geológica en medio de los poderosos Cárpatos que la rodean por todas partes. Una zona disputada históricamente por húngaros, alemanes, polacos y austríacos, a causa de sus riquezas.

Bucarest es una ciudad que muestra esta suma de influencias y de contrastes. La claridad mediterránea de influencia griega, turca y lejanamente romana, aparece empañada por los alientos fríos que llegan del norte húngaro, alemán, ruso y ucraniano. El otro aliento que la cruza es el “balcánico”, extraña palabra que los mismos pueblos balcánicos rechazan por lo general y que sin embargo sirve para expresar esta mezcla contradictoria y compleja de los que habitan en los actuales países de Albania, Croacia, Eslovenia, Serbia, Bosnia y Grecia, más las partes búlgaras y húngaras que le corresponden.

El Parlamento, colosal palacio fruto del
delirio de Ceaucescu

Ciudad de mezclas y de sincretismo, en sus momentos gloriosos e ilustrados, que fueron sobretodo los años entre las dos guerras mundiales, miró siempre a Europa y sobretodo a París, arquetipo de ciudad libre, soberana y culta para los rumanos. En la época comunista no tuvieron más remedio que mirar hacia Moscú, lo que se nota en las huellas arquitectónicas dejadas, con sus conocidos rasgos de fea factura sovietizante. Hoy, que han entrado en la Unión Europea, creo que todavía no saben muy bien hacia dónde mirar y reflejarse, si París, Londres, Nueva York o Berlín. Poco importa, desde luego, dada la uniformidad hoy existente en el mundo. Asismismo, la extraña situación actual de Europa, inmersa en la incertidumbre, no ayuda a situar estos modelos.

¿País pobre? Sin duda, pero con una de las reservas de oro más importantes del mundo, gracias a las mismas minas que los romanos y luego los turcos y los austrohúngaros no pudieron esquilmar, dada la riqueza de las mismas. Situadas en Alburnus Maior (nombre romano de las minas), en la zona de Rosia Montana, en los Cárpatos transilvanos del oeste, son hoy disputa callada de las potencias que quieren poner mano a estas reservas fabulosas. Concretamente, la multinacional canadiense Gabriel Resources Ltd está empeñada en conseguir la explotación de la mina, con gran peligro ecológico de la zona. Las protestas contra el proyecto son constantes. Sin duda de la capacidad que tengan los rumanos y sus políticos de defenderse de este acoso y de mantener el control de las minas y de su extracción, dependerá el futuro y el bienestar de sus pobladores.

Encuentros gratificantes

En el último día en Bucarest, tuve dos sorpresas a modo de encuentros que culminaron mi estancia en Rumanía de un modo muy agradable.

Marek Waszkiel, Calin Mocanu y Toni Rumbau

El primero fue encontrarme de nuevo con Marek Waszkiel, director del Bialystok Puppet Theatre de Polonia, figura eminente dentro de Unima y un reconocido estudioso de los títeres, viejo amigo mío al que no veía desde hacía muchísimos años. Vino invitado por el Festival para dar una ponencia sobre el tema del Teatro Europeo de Animación para Adultos, con proyección de imágenes y centrándose en creadores como Duda Paiva, Frank Soehnle, Michael Vogel, Fabrizio Montecchi, entre otros. Por desgracia no pude asistir a la misma –mi avión partía por la mañana del mismo día– pero me permitió restablecer un contacto que se había perdido en el trajín de los años.

El segundo fue conocer y charlar largamente con el cantante y director de teatro de títeres Traian Savinescu, de la ciudad de Cluj-Napoca, en el corazón mismo de Transilvania. Vi una obra dirigida por él durante el Festival titulada “La Historia del Cerdo” inspirada en un cuento tradicional rumano, una producción del Teatro Tandarica, que me impactó por el ritmo, las danzas y la música utilizada en la misma. Con una brillante interpretación de todo un elenco de siete actores, el espectáculo mostraba la extraordinaria vitalidad de la cultura popular rumana. Las impactantes máscaras de diablos bailando el delirante ritmo de los violines de la región de Maramures (al norte de Transilvania) fue uno de los momentos más impactantes del espectáculo.

Hablando con Traian Savinescu, quién curiosamente ha sido cantante profesional de coro sinfónico, comprendí muchas cosas sobre el país y sobre la región de Transilvania. Datos que, junto a los conocidos a través de Gavril Cadariu, de la ciudad de Târgu-Mureş/Marosvásárhely, de Raluca Tulbure, del mismo Daniel Stanciu y del director del Teatro Tandarica, Calin Mocanu, me han ayudado enormemente a situarme respecto a este gran y deconocido país que es Rumanía.

Vasilache y Marioara, los personajes polichinescos de Rumanía

2011-12-01T23:24:00.001+01:00

Vasilache y Marioara de Daniel Stanciu

El viaje a Bucarest, además de mi participación en el Festival del Teatro Tandarica con el espectáculo “A Manos Llenas”, debe enmarcarse también dentro del proyecto de mis Rutas de Polichinela, que me lleva por las principales ciudades de Europa en busca de los personajes de los teatros populares de títeres, con la finalidad de relacionarlos con las ciudades de las que son oriundos y ver de qué modo ambos, ciudad y personaje, se explican mútuamente.

En la tradición rumanesa, los personajes son Vasilache y su esposa Marioara (María en rumanés). Personajes que, como suele ocurrir en tantos lugares, han desaparecido prácticamente, pero que siguen viviendo en los inconscientes colectivos de los pueblos y que, en muchas ocasiones, sobreviven o renacen de la mano de titiriteros interesados en ellos.

Daniel Stanciu y su Pinoho

Tuve la suerte en Bucarest de conocer al marionetista que en los últimos tiempos ha recuperado esta tradición y que en el Festival del Teatro Tandarica presentó su trabajo. Se trata del actor, titiritero y director Daniel Stanciu, quién también es profesor de la Universidad nacional de Artes Teatrales y Cinematográficas de Bucarest. Su historia es harto peculiar e ilustra los distintos caminos por los que estos personajes de la tradición pueden renacer un día de sus cenizas y actuar de nuevo por los escenarios del mundo. En el caso de Daniel Stanciu, fue su interés por el personaje lo que provocó que su profesor en la universidad le animara a dedicar su tesis doctoral sobre el tema, con la condición ineludible de juntar la investigación con la práctica, es decir, de crear un espectáculo de Vasilache según los cánones de la tradición. Algo nada fácil, pues en aquel momento prácticamente ya no quedaba ningún titiritero en activo –aunque sí vivo, el señor Mocano– y sólo se podía partir de las descripciones más algunas filmaciones importantísimas del último gran Vasilache, llamado Borţea.

Ya hace años que Daniel Stanciu acabó su tesis (convertida hoy en libro) y que se dedica profesionalmente al teatro, trabajando como actor en el Teatro Tandarica y también como director freelance y con su propia compañía. Pero la labor iniciada con Vasilache sigue vigente, actuando con el personaje siempre que se presenta la ocasión. En realidad, las ocasiones son pocas, por una simple razón: Vasilache, como sus otros primos hermanos diseminados por las ciudades de Europa, no es un espectáculo para niños sino más bien para adultos o, en todo caso, para público mixto, familiar o callejero. Un género, pues, al que no le sobran espectadores.

Su principal especificidad estriba en el diálogo que Vasilache entabla con un personaje exterior, un actor que ejerce de animador y de hablador –se le llama Sprech, palabra derivada del alemán y que significa narrador– y cuyo cometido es traducir lo que dice Vasilache y ejercer de intermediario con el público. La “traducción” se hace imprescindible a causa del uso de la “lengüeta”, este artilugio que distorsiona y amplifica la voz, pero también la hace más confusa y a menudo incomprensible. Este recurso al actor que interactúa entre el personaje y el público lo he visto también en algunas representaciones del Petrushka ruso, y estoy seguro que sería utilizado en muchos otros casos.

Me va contando Daniel Stanciu todos estos rasgos de Vasilache mientras comemos en un restaurante de comida tradicional rumanesa en el centro histórico de la ciudad. Los ragos son muy parecidos a los de otras tradiciones como el mismo Punch and Judy, pero con particularidades específicas. Los personajes son los siguientes: Vasilache, el héroe respondón y satírico, que se burla de todo y de todos, y su esposa Marioara, con cara de perpetuo mal humor aunque el baile entre ambos es algo que no falla y se repite varias veces; el diablo que en rumanés se llama “Diavol” o “Drac”, el Jendarm (el policía), la Moartea (la muerte), el Cura, el Spiţerul (el doctor) y el Câinele Pàmântului (el perro “que sale de la tierra”). La figura del perro es curiosa y singular, pues hace referencia a un animal que procede de las entrañas de la tierra, como si fuera un ser de la profundidades que surge para llevarse consigo a Vasilache. Ejerce pues en cierto modo de verdadera muerte, pues los espectáculos solían terminar así, con el perro telúrico mordiendo la nariz del héroe y llevándoselo a las profundidades del subsuelo. Algo que Daniel Stanciu ha cambiado, pues nadie entendería un final tan rotundo y, para las mentalidades actuales, ciertamente inexplicable.

Como puede verse, un personaje con unas relaciones complejas con sus colegas de escenario, y que se expresa siempre en directo pero con la ayuda del Sprech que desde fuera interpreta y traduce al público las ocurrencias y los clarividentes disparates del protagonista. Como es lógico, la gracia del texto está en los equívocos y en los juegos de palabras, sobretodo en el doble sentido de muchas de ellas, algo a lo que el Rumano se presta enormemente, según me cuenta Daniel.

Organillo en una calle de Bucarest

El calor del vino y de la comida realzan las imágenes que van surgiendo de las palabras del titiritero rumano, de modo que al salir, sólo esperamos encontrar en la calle a algún fantasma surgido del pasado con su retablo bien puesto en una esquina mientras un animado Sprech, provisto de algún acordeón o tambor, nos obliga a detenernos. El frío nos saca pronto la falsa esperanza, pero la realidad, que siempre supera la ficción, nos sorprende con una imagen que aun sin retablo alguno, podría ejercer perfectamente de reclamo para un espectáculo de Vasilache: un señor con un organillo bautizado Teatrul de Comedia, con dos loros y dos ratoncitos corriendo por su sombrero, parece que nos espera en una placita de la calle peatonal. Lo más curioso es que la música que sale del organillo es la misma que utiliza Daniel para su espectáculo de Vasilache. ¡Fascinante coincidencia! Nos detenemos y charlamos con el artisa callejero, al que le damos unas monedas y posamos junto a su hermoso carrito, con los loros incluídos.

Daniel Stanciu y el señor del organillo, los loros
y los ratoncitos.

El día, después del largo paseo por Bucarest y con Vasilache aun rondando por la cabeza, no podía ser más idóneo para mis Rutas de Polichinela. Ha llegado la hora de despedirnos y Daniel, antes de partir, me ofrece una copia de un video con un reportaje histórico sobre Vasilache narrado por el último titiritero llamado Borţea que lo ejerció. Un regalo que me guardo para rematar esta jornada polichinesca en la noble ciudad de Bucarest.

Daniel Stanciu y Toni Rumbau en Bucarest

Representación en el Teatro Tandarica de Bucarest

2011-12-01T21:00:00.006+01:00

Fachada del Teatro Tandarica

Ha sido un honor participar en el Festival que organiza el Teatro Tandarica de Bucarest, en Rumanía, un teatro que cumple 66 años de existencia (fue creado en 1945). Una institución clave para entender la historia del teatro de marionetas europeo de los últimos cincuanta años.

Fundado por Lucia Colomeri (directora), Elena Patrascanu (directora artística), Alexandru Bratasanu, Leno Constante y Ileana Popescu (diseñadores) y Nicolae Massim (director), Tandarica es declarado en 1949 teatro institucional y su dirección queda en manos de Margareta Nicolescu, quién revoluciona la línea artística y eleva el nivel de los espectáculos a grandes alturas, convirtiéndose en un verdadero laboratorio de creación. En 1978 recibe el premio Erasmus, junto con Ives Joly, Bread and Puppet y la Marionetística.

Se comprende que la aureola de prestigio que distingue a este teatro sea grande y que tanto sus espectáculos como sus festivales sean siempre seguidos por enorme interés por los especialistas y los entendidos en la materia.

La razón de mi presencia en Bucarest se debe a que el director general del Teatro Tandarica, Calin Mocanu, vio mi espectáculo “A Manos Llenas” este verano en el Festival de Okinawa, en Japón, tras lo cual decidió invitarme al Festival del Teatro Tandarica.

Debo decir que la función realizada de "A Manos Llenas" el 29 de noviembre ha sido todo un éxito, con un público entregado y muy participativo, básicamente adulto. El jurado del Festival me otorgó el Premio al Mejor Espectáculo Solista, lo cual es un verdadero honor viviendo de dónde viene. Por cierto, se estrenó en el rol de técnico Gerardo Israel Chóez Quinde, quién cumplió sin tacha su cometido.

Trabajando con Raluca Tulbure en el Tandarica Teatro

Toca hablar ahora de Raluca Tulbure, dramaturga del teatro y encargada de las relaciones internacionales, quién nos recibió con extraordinaria amabilidad y simpatía, pieza clave en el complejo engranaje del Festival. Ella me ha introducido al mundo de Vasilache, el personaje que en Rumanía ejerce su función polichinesca, poniéndome en contacto con Daniel Stanciu, quién presentó en el Festival un espectáculo tradicional del teatro de títeres popular rumanés. Hablaré del tema en una próxima entrada.

Tuve ocasión también de hablar con Gavril Cadariu, director del Teatrul Ariel, de la ciudad de Târgu-Mureş/Marosvásárhely, situada en el corazón de Transilvania, dónde coexiste una doble comunidad rumanesa y húngara. De hecho, el teatro aloja dos compañías diferentes, una de cada comunidad, con excelentes relaciones entre si. Profesor de teatro en la Universidad de la misma ciudad, charlamos sobre futuros proyectos de colaboración e intercambio que ojalá acaben produciéndose.

Coloquio después de la función

El viaje ha sido posible gracias a la ayuda otorgada por el Institut Ramon Llull, pieza fundamental en el desplazamiento de tantos artistas catalanes en el extranjero.

Citizen, de Chévere, en Temporada Alta

2011-11-25T11:00:00.002+01:00

Imagen de la obra

Tenía pendiente estos días hablar de CITIZEN, la obra que los de Chévere, de Santiago de Compostela, presentaron en su versión íntegra en la Sala Planeta de Girona, en el marco del festival Temporada Alta.Viejos amigos míos, aunque no sean titiriteros, su trabajo siempre me interesó por la calidad visual, conceptual y el humor de sus propuestas.

Vi la primera parte en la NASA, la sala que tenían los de Chévere en Santiago (digo “tenían”, porque según me contaron, tuvieron que cerrarla por imperativos político-económicos insalvables) y me encantó la obra. Entonces todavía no habían estrenado la segunda y tercera parte, pero me quedaron unas ganas tremendas de ver como resolverían tan ambicioso proyecto.

Para quién no sepa de qué va Citizen, tan sólo decir que está centrada en la figura de Amancio Ortega Gaona, el creador de Zara, quién aparece sin aparecer, pues en realidad se le subtituye por otro personaje con el nombre de Arsenio O. Para ello, los autores han realizado un sofisticado trabajo de teatro dentro del teatro, en el que los actores entran y salen constantemente de sus personajes, creando un juego especular y de distanciamiento de una gran eficacia. Con dirección de Xesús Ron, textos de Manuel Cortés y la intervención de actores de gran categoría como Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, el mismo Manuel Cortés, Mónica García, Arantza Villar, Nekane Fernández e Iván Marcos, CITIZEN hace referencia y parodia en cierta manera a modo de homenaje la conocida película de Orson Wells Citizen Kane realizada en 1941.

Constaté que mientras en la primera parte, la intención era más la de mostrar una visión de la historia de España y de Galicia de los últimos treinta años, en la segunda y tercera parte la acción se centra más en las consecuencias humanas y psicológicas del mundo empresarial creado por Arsenio O., a través de la figura de Sara, el personaje femenino que aparece en la primera parte, y luego del hijo de la misma, que también lo es de Arsenio O.

Dos partes substancialmente diferentes a la primera, a mi modo de ver, ésta más abierta a una mirada dotada de perspectivas sociológicas e históricas de la España de la primera Transición, y las otras dos centradas en aspectos también sociológicos, pero en los que prima más lo psicológico y las referencias personales de Sara.

Lo más interesante de la propuesta es el juego escénico con el que los actores se introducen en sus personajes para salir luego de ellos, como si de un guante se tratara,y todo mediante un constante uso de referencies contemporáneas en cuanto a los lenguajes utilizados. Entre la primera y la tercera partes, ambas enmarcadas por el uso del video y luego de los ordenadores y de la conexión en directo a través del chat, la segunda parte se recrea más en un registro naturalista con la presencia en el escenario de seis verdaderas máquinas de coser eléctricas que reproducen el taller dónde trabajan Sara y sus emprendedoras amigas. Como contrapunto, el extraordinario trabajo de Miguel de Lira en el papel del cura que además de cumplir con la Iglesia cumple con otros intereses más mundanos. Lástima que sea breve y que sus intervenciones no se prodiguen más –su tono llano y de una sutil aunque feroz socarronería es de una eficacia extraordinaria. Pero el ritmo de la obra tiene que ser vertiginoso para poder abarcar sin sobrecargarse las tres fases de la obra.

El conjunto crea un curioso vaivén de lenguajes y registros, en los que sobresale el tono crítico, inteligente y mordaz de los actores, capaces de metamorfosearse en sus distintos personajes mientras la realidad del país se va desplegando ante los ojos atónitos del público. Creo que el gran acierto de la trilogía es cómo se retrata con lucidez y visión crítica la realidad cambiante de nuestro país, desde las etapas de la primera Transición, el hinchamiento de las grandes burbujas especulativas, hasta el pinchazo y descalabro financiero actual. En efecto, al final de la obra, las referencias a la crisis financiera hechas a través de los corrosivos e inteligentes diálogos entre Arsenio O. y si hijo Iván coronan el desenlace casi melodramático con el que los de Chévere dan expresión a su compromiso con el arte y con el momento histórico en el que vivimos.

Sobre el trabajo de los actores, hay que destacar sobretodo a los dos que cruzan la obra de principio a fin, Patricia de Lorenzo y Manuel Cortés, geniales ambos en su constante entrar y salir de sus papeles, a los que se van sumando los demás ya citados con actuaciones de gran calidad y eficacia. La dirección de Xesús Ron, excelente y de una inquietante creatividad.

Un gozo ver los tres espectáculos que el público de Girona acogió con sonoras carcajadas, amargas reflexiones y muchos aplausos. Los de Chévere, aún sin La Nasa, tienen cuerda para rato.

Por cierto, adjunto un enlace con el canal de videos de Chévere dónde puede verse parte del trabajo que efectúa esta compañía única en su género: http://redenasa.tv/video/ill-be-watching-you-a-construcion-do-xenero-a-traves-da-musica-comercial/

Mester Jakel en Dyrehausbakken

2011-11-17T22:31:00.004+01:00

Lilo Skaarup y un títere del repertorio de Mester Jakel
de su colección particular (el policía)

Empeñado en encontrar los rastros del polichinela danès o, mejor dicho, del personaje que encarna en Dinamarca el espíritu rebelde y libertario de Pulcinela, llamado Mester Jakel, he sido conducido por Lilo Skaarup al parque de atracciones de Dyrehausbakken, situado a las afueras de Copenhague.

La zona es francamente hermosa y de hecho constituye un parque natural lleno de bosque en una zona del cual se levanta un palacio de la casa real danesa, hoy sólo utilizado para ceremonias puntuales con invitados de alto rango. En la entrada del parque se encuentra el complejo propiamente dicho de entretenimiento, repleto de atracciones, barracas de feria, restaurantes, bares, montañas rusas, artefactos para excitar el sistema nervioso simpático de los adolescentes, etc. Por desgracia, estaba hoy todo cerrado e inactivo, pues el parque funciona sólo en verano, pero aún así fue hermoso ver las maquinarias quietas, las casetas cerradas, las plazoletas desiertas... El tiempo frío y los colores otoñales daban al conjunto una calidad estética de alto voltaje, con montañas de hojas secas cubriéndolo todo, como si las atracciones y el conjunto del parque celebraran su particular homenaje al tiempo, ese que no se salta las estaciones y que se rie de la uniformidad sincrónica de los relojes del mundo. Por mucho que los aviones salgan y lleguen a hora, el otoño se regodea en Dinamarca, preparando la llegada del crudo invierno, con sus escasas horas de sol y sus metros de nieve en las calles.

Cartel del Pierrot de Dyrehausbakken

Digo eso porque el espectáculo de las atracciones en paro era realmente grandioso, enriquecido sobretodo por el silencio de no estar las casetas en marcha. Tras haber estado ayer en el Tívoli, bien activo en su actividad decibélica, el silencio de Dyrehausbakken ha sido la mejor manera de escuchar, desde la imaginación no condicionada por ruido alguno, la música del verano que se fue hace meses.

Tenía razón Lilo Skaarup de querer llevarme a este sitio: sólo aquí he llegado a comprender la curiosa asociación que existe entre el personaje de Pierrot y el Mester Jakel. Por lo visto, uno de los personajes más famosos de Dyrehausbakken -y también del Tívoli- es Pierrot, representado por un actor y que se encarga de hablar a los niños, de hacerlos reir, de sacar fuego por la boca, de cantar canciones. Tan famoso se ha hecho este personaje, que ha sido declarado embajador de la Unesco. Se lo ve un poco en todas partes, por ejemplo en los carteles de cualquier parada anunciando tal o cual número o atracción. Pero lo curioso es que tiene una casa propia, es decir, vive en el mismo parque de atracciones. Allá lo van a ver los niños, y para ellos realiza algún divertimento. Pero además de todas estas funciones, Pierrot se encarga también de hacer los títeres y, muy concretamente, de representar a Mester Jakel. Para ello existe un teatrillo fijo, consistente en una barraca de madera un poco a modo de los retablos del Punch inglés, con una ventana que al abrirse se convierte en el escenario. Lo vimos cerrado, pero al lado un cartel explica la longevidad de esta tradición de títeres, desde cuando se representa, etc. Delante del retablo, unos troncos de madera para que se sienten los niños y una amplia esplanada para que el público se instale con comodidad a su alrededor.

El retablo de Mester Jakel con Lilo Skaarup

Como dije, el retablo estaba cerrado, pero pude imaginarme los gritos y la interacción de Mester Jakel con el púlico, siendo ésta una de sus características principales. Por cierto, el nombre del actual actor que hace de Pierrot y se encarga asimismo de representar a Mester Jakel es Kurt Flemming. Su hija Sine Andersen es, por lo visto, una ventríloqua excelente. Adjunto unas fotografías sacadas in situ que darán una idea más aproximada de la visita efectuada hoy.

La casa de Pierrot

Después, fuímos a tomar algo en un restaurante que había en el parque, el único abierto en los alrededores, dónde pudimos charlar sobre todo lo visto.

Por la tarde, me acerqué al Folketeatret, en la calle Norregade dónde está expuesta una preciosa colección de teatrines de cartón y papel, una tradición que siempre gozó en Copehnague de mucho prestigio. La casa que los confeccionaba cerró y menos mal que los actores del Folketeatret decidieron acoger su colección y mostrarla al público interesado.

Adjunto un par de imágenes que pude sacar de los teatrines.

Guignol de papel

Interior de un decorado

Tras las huellas de Mester Jakel

2011-11-17T08:31:00.002+01:00

Entrada al Tívoli

Venir a Copenhague para buscar a Mester Jakel es lo propio y lo correcto. Lo que no quiere decir que sea fácil, pues en la actualidad prácticamente ha desaparecido del mapa y sólo se le encuentra durante la estación veraniega en el Dyrehausbakken, un parque de atracciones situado a unos quince quilómetros de la capital.

Me lo contaba Lilo Skaarup ayer cuando nos encontramos en el Tivoli para charlar precisamente sobre el personaje. Ha sido una gran suerte haber conectado con Lilo, seguramente la persona que más sabe sobre este tema en Dinamarca. Dedicó su tesis doctoral de Historia del Teatro al personaje de Mester Jakel y desde entonces no ha cesado de investigar sobre el mismo.

Lugar dónde se representaba Mester Jakel en
el Tívoli de Copenhague.

Antiguamente, había tres lugares dónde se representaba a este personaje tradicional emparentado con la máscara de la Comedia del Arte Pulcinella a través del Punch inglés, del Chanchez de Liège y del Kasperl alemán: el famoso parque de atracciones de Copenhague llamado Tívoli, los Jardines del Rey y el ya nombrado parque Dyrehaus Bakken. Lo curioso es que el titiritero que lo presentaba siempre iba vestido de Pierrot, personaje tardío de la Comedia del Arte, una tradición que el actual titiritero que lo practica sigue acatando.

Con un repertorio parecido al del Punch o al del Kasperl (con los personajes habituales del Diablo, la Muerte, el Policía, el Perro, más su mujer Rosalie), podría decirse que era algo más pacífico que su compadre inglés, aunque por las temáticas tratadas tampoco creo que lo fuera mucho más. Lo que sí es cierto es que a partir de principios del siglo XX y coincidiendo con la aparición del cine, Mester Jakel fue perdiendo su garra irreverente y se acabó especializando para el público infantil.

Tiovivo en plena acción en el Tívoli

¿Hay que pensar por ello que está muerto? En absoluto. Sigue viviendo en el imaginario colectivo de la cultura danesa y especialmente de la ciudad de Copenhague, y no me extrañaría que en cualquier momento algún titiritero ducho e inspirado se lance a recrear al personaje, dándole las variantes de actualidad que el momento requiere.

Hoy Lilo Skaarup me va a acompañar al Dyrehaus Bakken, dónde se sigue representando Mester Jakel. El parque ya está cerrado -no así el Tívoli, que abre por las Navidades- pero aún así podré ver el escenario dónde el personaje continúa, verano tras verano, haciendo de las suyas.

Copenhague

2011-11-16T11:07:00.000+01:00

Mester Jakel

København para los daneses, es una de las ciudades del norte europeo que más impresionan. Llegué a ella en tren desde Silkeborg, tras actuar en su Festival. Recomendable hacerlo así, pues la estación central se encuentra en el centro mismo de la ciudad, junto al Tívoli, el famoso parque de atracciones.

Conozco Copenhague desde hace mucho tiempo. Incluso llegué a vivir en ella a principios de los setenta, cuando Mariona obtuvo asilo político en Dinamarca a raíz de ciertos desencuentros con la policía política franquista. Dos años absurdos de cárcel que ella prefirió ahorrarse. Así empezó nuestra andadura por el mundo, que para mi todavía no ha terminado.

La razón de mi estancia es indagar sobre el personaje que aquí representa a Polichinela: Mester Jakel. Poco se sabe de él, sobretodo porque son pocos, por no decir ninguno, quiénes lo representan en los escenarios. Para saber de él y de sus realidades actuales y pasadas, me reúno hoy con Lilo Skaarup, la persona que más sabe sobre el asunto. Ella redactó la entrada correspondiente a Mester Jakel en la Encyclopédie Mondial de la Marionnette pero además ha seguido investigando sobre el personaje, de modo que es la persona imprescindible para avanzar en mi proyecto de Rutas de Polichinela.

Seguiré informando pues en cuanto haya novedades.

El Festival de Silkeborg, en Dinamarca.

2011-11-13T22:39:00.004+01:00

Sombras de Richard Bradhow

Esta semana ha tenido lugar el Festival de Silkeborg, en Dinamarca, que este año ha cumplido su 25 aniversario. He tenido la suerte de participar en él, compartiendo teatro con el maestro Richard Bradshow y la verdad es que he disfrutado tanto de las actuaciones propias como de las vistas en otros espacios. No citaré aquí a todas las compañías participantes (el interesado puede consultar la programación clicando aquí), pero sí las pocas que he podido ver.

En primer lugar, ha sido un enorme placer gozar del virtuosismo del sombrista australiano Bradshow, que com siempre me ha maravillado con sus números tan magníficamente elaborados. También pude ver un fragmento del espectáculo inaugural, ”Homage a Chagall", a cargo de la compañía Teatro Groteska, de Krako, Polonia, que encandiló al público con una cascada de imágenes que buscaba expresar la vida del famoso pintor y su intensa historia de amor con su esposa Bella.

Títere de Eric Bass

Hoy he visto a la compañía del maestro americano Eric Bass (Sandglass Theater) con su espectáculo "Autumn Portraits", en el que Bass hace alarde de todo su oficio y su dominio de las tablas, con una interpretación excelente tanto en la manipulación como en las voces. Se trata de una succesión de esqueches unidos por la temática de la dualidad títere/manipulador, con números realmente antológicos, como el del zapatero que recibe la llamada del Ángel de la Muerte.

Los tres cerditos

Después vi a la compañía danesa De Rode Heste con Los Tres Cerditos, una obra a cargo del titiritero solista Lene Norup, de una gracia infinita y un buen humor socarrón e inteligente. También he asistido a la representación de la compañía de Marionetas do Porto de la obra "Wonderland", un trabajo muy elaborado de esta compañía que hasta hace un año, estaba dirigida por el fallecido Joao Paulo Cardoso. Y finalmente, el ejercicio de final de curso de Astrid Kjaer Jensen "Lilith", un refinadísimo espectáculo hecho sólo con las manos sobre el matrimonio.

El Festival, cuyos artíficies son Ulla Dengoe y su marido Poul Dengsoe, es de los que invitan a la convivencia y al diálogo, tanto con los artistas como con los programadores presentes. Entre otros estaban Rute Ribeiro y Luís Vieira, de Lisboa, con los que he podido compartir gratificantes momentos y largas conversaciones, siempre dirigidas hacia nuevos proyectos e ideas. También encontré al senyor Sugita y a su esposa, de Osaka, Japón, con los que compartí de nuevo gratos recuerdos y comentarios sobre multitud de cosas.

POLZET, la nueva obra de Pa Sucat

2011-10-24T21:09:00.005+02:00

Imagen de la obra

Día de estreno el sábado 22 de octubre en el Teatro Nacional de Cataluña con Polzet (Pulgarcito), el célebre cuento del escritor francés Charles Perrault, que la compañía de Valls Pa Sucat puso en escena a modo de celebración de su 25 aniversario. Una propuesta ambiciosa y arriesgada, pues la obra se representó con música en directo original de Jesús Rodríguez Picó a cargo de un cuarteto dirigido por Marc Moncusí y una compleja puesta en escena firmada por Lluís Graells que incorporó sombras, video y una escenografía diseñada por Eudald Ferré, autor también de los títeres y del vestuario.

La propuesta revela la madurez de los titiriteros de Pa Sucat, ansiosos de enfrentarse a textos complejos y de ofrecer soluciones también complejas pero desde nobles posiciones de síntesis, pues todo se resuelve con tres únicos actores-manipuladores: el mismo Eudald Ferré en el papel de Pulgarcito (encargado asimismo de manipular a sus seis hermanos), Jordi Jubany en el papel del Padre Leñador y del Ogro, y Dolors Sans en el de la Madre y de la Mujer del Ogro. Creo que el gran acierto del montaje es precisamente el desdoblamiento del trío de actores, que llegan a triplicar sus roles manteniendo una coherente correspondencia dramatúrgica entre ellos, gracias al ardid de enmarcar el cuento en una familia de comediantes de la legua cuyos miembros encarnarán a los distintos personajes de la obra. Un trabajo dificilísimo que Pa Sucat resuelve de un modo admirable gracias al gran oficio del titiritero Eudald Ferré y a la experiencia y buena técnica de los otros dos actores-manipuladores.

El montaje no rehuye la crueldad ni el dramatismo del cuento aunque lo dulcifica visualmente al evitar un tratamiento “gore” de las escenas. También ayuda el recurso dramatúrgico al lenguaje del “cine mudo”, que permite la exageración dramática sin caer en lo escabroso. Para ello, la música de Rodríguez Picó se instituye como un factor determinante, al otorgar desde el principio hasta el final unidad poética y coherencia narrativa al conjunto. Un trabajo excelente el suyo, bien ajustado a su cometido, que hila la obra con elegancia rítmica y sonora, y que la eleva hacia alturas dónde ni el gesto ni la palabra podrían llegar.

Por cierto, la reivindicación del Polzet, ¿no es acaso la reivindicación de lo pequeño y de lo socialmente insignificante, que para sobrevivir debe usar todo su ingenio más el principio de solidaridad hacia sus pares, por muy arrogantes y desdeñosos que éstos sean? En una época como la nuestra, en la que los individuos debemos enfrentarnos a la humillación constante infringida por bancos, gobiernos y grandes corporaciones, la moraleja de este cuento constituye una buena inyección de optimismo y de energía positiva, algo aplicable a todo lo pequeño, desde el mismo teatro de títeres frente al Gran Teatro, las regiones y los países pequeños frente a los imperios y a las grandes naciones, los socialmente "prescindibles" frente a los ricos y poderosos, las pequeñas empresas frente a las gigantes, etc. En este sentido, la moraleja del Polzet es de una actualidad apabullante. Una sana actitud que además no se anda con chiquitas, pues a la hora de sobrevivir y de salirse con la suya, no valen remilgos ni se evitan los ineludibles sacrificios de la imbecilidad.

Parece que Pa Sucat, para celebrar su aniversario, ha querido ponerse “las botas de siete leguas” de la audacia titiritera, dando saltos cualitativos que apuntan directamente hacia el futuro. Un magnífico arranque que enlaza con su ya dilatada carrera.

El Festival GUANTde Valls

2011-10-17T15:54:00.001+02:00

Cartel del Festival GUANT

Del 14 al 23 de octubre tiene lugar en la ciudad tarragonina de Valls el Festival GUANT. Dirigido y organizado por el grupo Pa Sucat, celebra este año su séptima edición con un programa que ha sorteado los recortes (abundantes, por lo visto) y que se afianza como uno de los más interesantes de los que se celebran en Cataluña. 20 compañías son un número importante. Entre ellas, cuatro presencias internacionales: el reputado ChonChon de Argentina y Chile, tan querido por el público catalán, con "El Enmazcarado", Robert White de Argentina con sus impresionantes números visuales, Malgosia Szkandera de los Estados Unidos con una refinada propuesta para adultos y el TAP Ensemble, de Italia, con el estreno de "Don Giovanni in carne e legno", una interesante combinación de guaratelle napolitanos y actores.

Abrió el Festival la veterana compañía de Vilanova i la Geltrú L'Estaquirot Teatre con su aplaudido "Ploramiques" que se presentó en el recoleto Teatro Principal de la ciudad. El sábado 15 por la noche pudo verse también el espectáculo "Palòodrom" del grupo Pengim Penjam, otro histórico de Cataluña que presentó esta arriesgada propuesta para adultos de un teatro poético que juega con elementos sencillos y primordiales como son pechinas, piedras, arena, caracoles... Grupos como Desguace Teatro de Sevilla, Anita Maravillas, Forani Teatre, Mercè Framis, Ne Me Títere Pas, el mismo Pa Sucat, Disset Teatre, el Señor de las Bombillas, Galiot Teatre, Txo Titelles, Laitrium, Companyia B, Cia Am-Art, y yo mismo, completaron la programación.

Esperemos que la consolidación de GUANT siga recibiendo los apoyos que hasta ahora ha tenido, tan merecidos como indispensables para la salud titiritera de nuestro teatro. Más información aquí.

Recordatorio del Curso “Crear una Obra. Títeres, sombras y objetos”

2011-09-29T19:16:00.000+02:00

Imagen de Carmen, espectáculo de
La Fanfarra

Del 24 al 28 de octubre

Información técnica aquí.

¿Cómo encarar la creación de una obra? ¿Tenemos claro lo que queremos cuando nos planteamos un nuevo espectáculo? ¿Existen caminos o procedimientos que permitan orientarnos en el tremendo desafío que siempre representa crear una nueva obra?

Preguntas que buscarán respuesta en este curso en el que Toni Rumbau intentará destilar su experiencia de más de 35 años de profesión compartiendo enfoques, procesos y herramientas de organización del trabajo titiritero.

Para ello se aplicará un escalonamiento de siete procesos distintos pero sucesivos, complementarios y necesarios, que deberán concluir con la presentación de una pequeña obra el último día. Un trabajo que combinará constantemente práctica y reflexión, y que nos llevará por los distintos compartimentos de la creación escénica.

CURSO SOMBRAS, TÍTERES Y OBJETOS: crear una obra

2011-09-22T12:28:00.000+02:00

Tras la pantalla. Taller realizado en Beirut, mayo 2011

- Octubre 2011. Del lunes 24 al viernes 28.
- 5 días de duración
- Horarios: de 16h a 21h
- Total horas: 25
- Lugar: La Mona de Seda. Barcelona

¿Cómo enfrentarse a la creación de una obra que junte autoría personal con el lenguaje del teatro de títeres, sombras y objetos? Desde la subjetividad del creador, pasando por las disciplinas del desdoblamiento, la dramaturgia sintética de los lenguajes populares de títeres y sombras, la multiplicidad del lenguaje artístico contemporáneo, hasta llegar al rito de la representación ante el público.

El curso ofrece a los interesados una metodología de pasos sucesivos y articulados, que deberán culminar en la práctica combinada del “teatro interior” de sombras con el “teatro exterior” de títeres y objetos.

Dualidades claves:

     Interior / Exterior
     Tradición / Modernidad
     Subjetivo / Objetivo
     Sombras / Títeres

El curso está dirigido tanto a principiantes como a profesionales, sean titiriteros, actores, maestros, artistas plásticos u otras personas relacionadas con el teatro y la imagen.

Para ver información sobre Toni Rumbau, pulsar aquí.

Algunos textos de referencia sobre contenidos relacionados con el curso:

- “Función en Trípoli. Semejanzas y diferencias entre Polichinela y Karagöz”, publicado en el blog de Rutas de Polichinela.

- “Títeres y sombras: dos herramientas de conocimiento”. Publicado en el fanzine peruano “Mil Vidas”, que dirige Martín Molina.

El espíritu libre, rebelde y heterodoxo de Polichinela se encarna y se manifiesta en las tradiciones populares de títeres y sombras del mundo entero. Un espíritu que, más allá de las distintas tradiciones y sus especificidades, despliega unas líneas dramatúrgicas que miran hacia el futuro: útiles herramientas para el teatro de hoy.

Este curso invita a conocer estas herramientas a través de una práctica que se hará según siete fases metodológicas de desarrollo en función de un objetivo claro: la creación de una obra que junte el mundo subjetivo de las sombras con la dimensión objetiva de lo que se puede ver y tocar.

Más información aquí.

FOCUS CATALAN en el Festival Mundial de Marionetas de Charleville-Mézières

2011-09-20T10:28:00.001+02:00

Cataluña y las Islas Baleares se visten de gala en el gran Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes que se celebra del 16 al 25 de septiembre en Charleville-Mézières, con la programación de diez compañías catalanas y mallorquinas gracias a la ayuda ofrecida por el Institut Ramon Llull.

La ciudad de Arthur Rimbaud se transformó en el año 1961 en una ciudad dedicada a las marionetas, gracias al empeño de Jacques Félix, uno de esos personajes insubstituíbles cuya modesta pero imparable labor acaba cambiando el carácter y la imagen de una ciudad. En efecto, no sólo nació el Festival Mondial sino que años más tarde se constituyó el Institut International de la Marionnette, considerado como la mejor o al menos más reputada escuela hoy con rango universitario sobre el teatro de marionetas. Jacques Félix, titiritero aficionado miembro de la compañía Les Petits Comédiens de Chiffons, ocupó también y durante muchos años la secretaría de Unima Internacional.

Hoy el Festival cuenta con centenares de espectáculos, tanto en las franjas oficiales como en el off, y un sinfín de actuaciones de calle que convierten Charleville-Mézières en una verdadera meca mundial de las marionetas durante la semana que dura el evento. Sería imposible dar una visión del conjunto en esta breve reseña. Vamos a concentrarnos en la presencia catalana, consistente en diez magníficos espectáclos, como antes se ha dicho.

- COMPAÑÍA JORDI BERTRAN, con dos espectáculos: Le sens des fils (El aliento de los hilos), obra de marionetas de hilo y objetos. Domingo 18/09 a las 14h yt 18h - Salle du Mont-Olympe n°1 y La sucrière diabétique (La azecarera diabética), obra de teatro de objetos. Lunes 19/09 a las 14h y 18h - Salle Arthur. www.jordibertran.cat

Imagen esp. Jordi Bertran

Considerado como uno de los maestros indiscutibles de la marioneta de hilo, Jordi Bertran es también un showman que anima sus espectáculos con la voz y la guitarra, y un refinado manipulador no sólo de hilo sino también de manos, como lo demuestran sus geniales interpretaciones a base de sus dedos y dos bolitas. Sus espectáculos, creados en formato de cabaret y a veces casi de musicales, son de obligada presencia en los festivales más importantes del género, y cuentan con talentosos colaboradores, como los manipuladores Paula López y Carles Codina, Litus, en este obra, además del mismo Jordi. Presenta igualmente una obra de teatro de objetos, La Azucarera Diabética, en la que tazas, sacacorchos, cafeteras, azucareras y otros elementos afines son los principales protagonistas.

- JOAN BAIXAS, también con dos espectáculos: La Musique Peinte (La Música Pintada), obra de sombras y marionetas varias. Sábado 17/09 a las 16h y 21h ; Domingo 18/09 a las 11h - Salle du Château, y Mappemonde – Sourire (Mapamundo – Sonrisa) de técnicas varias, el viernes 23/09 a las 18h00 - Parc Collignon La Houillère, sábado 24/09 a las 15h30 - Esplanade du Centre Culturel de Nouzonville, y domingo 25/09 a las 11h00 - Square Bayard. www.joanbaixas.com

pintura Joan Baixas

Joan Baixas es sin duda uno de los titiriteros clave para entender el panorama marionetístico catalán de los últimos treinta y tantos años. Creador de La Claca junto con Teresa Calafell, fue el primero en romper los viejos moldes de la tradición para adentrarse en el campo de la experimentación visual con su trabajo hecho mano a mano con el pintor Joan Miró en Mori el Merma. Desde entonces no ha cesado de desarrollar un mundo propio de imágenes y de interpretación personal que busca la esencialidad matérica tanto del gesto como de la imagen, con una práctica pictórica en la que el artista-titiritero se vuelca íntegramente en la escena. En Charleville ofrece además un taller cuyos resultados, titulados Mapamundo – Sonrisa, serán expuestos al público como último espectáculo del Festival.

- EL RETRETE DE DORIAN GREY, con dos espectáculos. Rua aire, obra de marionetas-globos, el martes 20/09 a las 14h y 20h - Salle Bayard, y en gira en (25/09 a las 15h00), Saint André les Vergers (22/09 a las 20h00), Rethel (27/09 a las 14h30 & 20h30). El otro espectáculo, también de marionetas-globo, es Ne me quitte pas, el sábado 17/09 a las 10h30 y 11h15 – Préfecture. www.elretretededoriangray.com

Momento de Rua

Esta compañía, de denominación tan heterodoxa, ha conseguido crear un universo propio con su extraordinario trabajo de elaboración de marionetas a base de globos hinchables. En Rua Aire, mediante un aparato escénico que sugiere tanto el submarino de Monturiol como un artefacto de la marca Magritte, los dos manipuladores del Retrete Ezra Moreno y Marcos Ptt Carballido, maravillan al público con un trabajo de exquisito virtuosismo hecho con globos y con sus únicas manos, mediante la transformación constante de los muñecos nacidos de los globos, que primero son raras amebas recién surgidas de la nada, luego bichos raros que se acercan a las arañas y a otros animalitos, para acabar siendo figuras humanas que sin embargo cambian de forma, pierden una pierna, un pie, un brazo, o la misma cabeza, para ir mutando en un proceso sin fin. Una delicia de espectáculo que empieza a saltar por los mercados internacionales.

- DISSET TEATRO (Islas Baleares) con la obra Le vol de Calandria (El Vuelo de Calandria), obra con técnica bunraku, el miércoles 21/09 a las 17h yt 21h - Théâtre Municipal. www.dissetteatre.com - www.telmproduccions.com

El Vol de Calandria

He aquí un perfecto ejemplo de la evolución que ha tenido el teatro de marionetas en Cataluña en los últimso años. Disset Teatre es una joven compañía constituída por actores exalumnos de Alfred Casas salidos del Institut del Teatre de Barcelona, cuyo primer trabajo saltó de inmediato a la fama y a los escenarios por la extraordinaria factura del mismo. Con el Premio al Mejor Proyecto de Teatro Visual del Institut del Teatre 2008 en su haber, El Vuelo de Calandria combina títeres de manipulación a la vista, trabajo actoral y una sugerente escenografía que permite el juego de una variedad de registros muy bien resuelta. Espectáculo sumamente poético centrado en una historia de amor que en realidad es un recuerdo, y en la que los temas del destino, de la suerte y del azar se combinan con la música del acordeón y el vuelo celeste de un pájaro mecánico. Con interpretación de Juanma Palacios, Carme Serna y Mariaje López, la obra está dirigida por Carme Serna Far, autora asimismo de la dramaturgia y de los títeres, y cuenta con la asesoría artística de Alfred Casas.

- CIE PELMÀNEC con la obra Don Juan, amère mémoire de moi (Don Juan, amarga memoria de mi mismo), obra para manipulador-intérprete solista, el domingo 18/09 a las 19h ; Lune 19/09 a las 10h yt 14h - Salle Mme de Sévigné. www.pelmanecdonjuanfr.wordpress.com

Don Juan

Miquel Gallardo, que ya sobresalió con su anterior y reconocido trabajo “L’Avar”, una obra que se sigue representando con éxito por el mundo, se lanza al ruedo de los titiriteros solistas con este Don Juan que requiere un alto voltaje de virtuosismo. Lo consigue Gallardo con un precioso texto que firma junto con Paco Bernal, y que se acerca con mucho respeto y exquisito gusto a la psicología y al complicado mundo del Burlador de Sevilla. Con dirección de María Castillo, Gallardo interpreta a un joven monje que debe cuidar de un anciano enfermo, Don Juan, encarnado en una marioneta. Lo consigue con un juego de voces magnífico, así como con soluciones escénicas sencillas pero capaces de llenar todo el espacio escénico. Gallardo acaba de estrenar una nueva obra con parecidas características técnica sobre el personaje de Hamlet. Un joven titiritero que sin duda dará mucho que hablar.

- CENTRE DE TITELLES DE LLEIDA con Mowgli, l’enfant de la jungle (Mowgli, el niño de la jungla), títeres de mesa, el viernes 23/09 a las 10h yt 14h - Salle Maryse Bastié. www.titelleslleida.com

Escena de Mowgli

Sin duda constituye Mowgli una de las obras más ambiciosas y que mayor éxito ha obtenido de los producidos por el importantísimo Centre de Titelles de Lleida, convertido en una de las principales instituciones titiriteras del país. Se trata de una coproducción de la compañía con el Teatre Nacional de Catalunya, algo que ya viene siendo habitual en los de Lleida, que presenta el drama del Mowgli, el niño salvaje que se debate entre la jungla y la civilización, una obra en la que Joan Andreu Vallvé, autor de la adaptación del texto de Kipling y también de las marionetas y de la escenografía, nos deleita con una estética visual delicada y a la vez impactante. Marionetas de mesa con manipuladores a la vista, siguiendo una línea de trabajo llena de oficio, arte y coherencia.

- PRODUCCIONS ESSENCIALS con Cuttlas, anatomie d’un cowboy (Cuttlas, anatomía de un cowboy), obra de marionetas de técnica bunraku, sombras y luz negra el sábado 24/09 a las 20h; domingo 25/09 a las 11h y 16h - Salle du Mont-

Olympe n°1. www.produccionsessencials.com

Cuttlas

Cuttlas, el popular pistolero creado por el valenciano Calpurnio hace más de dos décadas, es el personaje que los de Produccions Essencials han escogido para esta obra creada por Sergio Pons, con cramaturgia de Albert Tola y dirección escénica de Lluís Graells. Con un argumento que recoge los temas clásicos del Western, en el que no falta la reconquista de la amada, los duelos al sol con el malvado Jack más otros episodios excéntricos y surrealistas, la obra mezcla el teatro de objetos, el bunraku japonés, el teatro negro y de sombras, la música en directo y las videoproyecciones. Un espectáculo de factura innovadora, rabiosa actualidad y un humor mordaz que no duda en recurrir al más puro estilo del spaghetti western. Una obra que ha merecido ser nominada en los Premios Butaca de Teatro y Cine de Cataluña en 2009 y que ha recibido el Premio de la Prensa del Festival Kontrapunkt 2008, Szczecin, Polonia.

- EL TEATRE DE L’HOME DIBUIXAT, de Valencia, con Pierre à Pierre (Piedra a Piedra), espectáculo de objetos y actor, el viernes 16/9 a las 10h, 11h y 17h, en la Salle Mantova. www.homedibuixat.com

Piedras

Tiao Gombau es el intérprete de esta delicada y preciosa obra dirigida por Rosa Díaz en la que el titiritero descubre la llamada cualidad oculta de las cosas, centrándose en las piedras encontradas en la orilla del mar y que el paseante ha recogido al azar. Anodinas piedras que sin embargo guardan muchos secretos ocultos en su interior. Un espectáculo que desarrolla los principios más contenporáneos de la física sobre las llamadas dimensiones ocultas de la realidad, principios que el titiritero metaforiza a través de una delicada poesía escénica, por la cual las piedras dejan de ser piedras para convertirse en muchas otras cosas distintas, sin jamás dejar de ser por ello piedras. Como quién saca una a una las capas de una cebolla, las piedras van desplegando ante el atónito público sus secretos más recónditos.

- EFIMER, con Le Monstre (El Monstruo), obra deambulatoria de calle para un único muñeco gigante, el viernes 23/09 a las 19h, sábado 24/09 a las 18h y domingo 25/09 a las 16h - Place Ducale. www.educats.es.

Lo Monstre

Efímer presenta la creación de una gran marioneta de calle de 2,50 m de altura y largo de 4 metros, que se mueve por entre el público recorriendo la calle o ocupando el espacio de una plaza. Estrenada en la Fira de Tárrega de 2009, cuenta con dos manipuladores, Jordi Lloreta Pané y Albert Calafell, y una acordeonista, Meritxell Gené, encargada de amansar al monstruo con su música. La criatura es obra de Xavier Mancho, quién ha querido crear un gran dragón capaz de respirar, comer, dormir, pasear, asustarse y. a veces, enfadarse. Impresiona ver a la bestia deambular con su constitución hecha de madera, poleas, cables y otros elementros mecánicos que le dan vida. El resultado es tan poético como espectacular.

- NE ME TITERE PAS, con Circumloqui, obra deambulatoria de calle para triciclo, actor y marionetas de guante, el viernes 23/09 a las 17h y 20h ; sábado 24/09 a las 11h y 16h - Place du Théâtre. También el domingo 25/09 a las 14h30 y 17h30 - Place du Marché, en La Cassine. www.lamaleta.cat

El niño bala

La joven compañía formada en 2006 por Xesco Quadras y la compañía Pomodoro, con Miquel Nevado y Eva Montero, presentan este montaje de calle para un único manipulador, clown y músico a cargo del polifacético Xesco Quadras. Se trata de un circo ambulante que cabe en un triciclo y en el que todo se hace en directo. Destacan sus números de doma más el único niño cañón capaz de volar hasta 50 metros. Humor desbordante y una ingeniería tan deslumbrante, loca y efectiva como casera y divertida.

Curso de Sombras, Títeres y Objetos: crear una obra.

2011-09-12T18:27:00.001+02:00

Tras la pantalla. Taller realizado en Beirut, mayo 2011

Dualidades claves:

     Interior / Exterior
     Tradición / Modernidad
     Subjetivo / Objetivo
     Sombras / Títeres

El curso está dirigido tanto a principiantes como a profesionales, sean titiriteros, actores, maestros, artistas plásticos u otras personas relacionadas con el teatro y la imagen.

Para ver información sobre Toni Rumbau, pulsar aquí.

Algunos textos de referencia sobre contenidos relacionados con el curso:

- “Función en Trípoli. Semejanzas y diferencias entre Polichinela y Karagöz”, publicado en el blog de Rutas de Polichinela.

- “Títeres y sombras: dos herramientas de conocimiento”. Publicado en el fanzine peruano “Mil Vidas”, que dirige Martín Molina.

Más información aquí.

Documental sobre el teatro de títeres de Yoshida Chiyokatsu

2011-08-20T07:37:00.002+02:00

Escena del monje libertino de una función actual
del Sarukura Nyngio

Desconocía por completo las dimensiones del teatro de títeres de guante en Japón. Dada la asentada pervivencia de las más antiguas tradiciones en este país, era de esperar que también en este campo existieran ejemplos interesantes. Lo pude comprobar el último día de estancia en Tokio, al ser invitado a presenciar un pase privado del documental hecho hace 40 años sobre el teatro del señor Yoshida Chiyokatsu, un maestro fallecido en 2001 y del que Tamiko Onagi me había hablado con mucho fervor. Fue la misma autora del reportaje, la cineasta Sukama Masako, quién nos invitó a su estudio para visualizar este documento que pasó en su día por distintas televisones y que hoy sólo es posible encontrar en su archivo particular.

El caso de Yoshida Chiyokatsu es de alguna manera paradigmático en este tipo de teatro: el del titiritero campesino que, en los meses de inactividad en el campo, salía a los caminos con su retablo y sus títeres para actuar en los distintos festivales y celebraciones que se realizan en templos, santuarios, teatros y plazas de pueblos y ciudades. Se trata de una combinación, la del titiritero-campesino, que sigue existiendo adaptada a los tiempos modernos, pues son muchas las compañías que mantienen esta doble actividad, con espectáculos que muchas veces se representan en una única ocasión, como es el caso del Teatro Kudora de Iida, ya mencionado en este blog. Aunque más que campesinos, actualmente debería hablarse de voluntarios de muy distintas profesones.

Yoshida Chiyokatsu vivía en una aldea de la Prefectura de Akita, situada en el norte de Japón. Tras aprender el arte de los títeres de guante de Yohachi Ikeda, se convirtió en el continuador de su trabajo cuando años más tarde, con la ayuda de su mujer y de su hija, formó compañía propia. Rápidamente destacó en esta especialidad como el titiritero más admirado y reconocido de su tiempo, tanto por la calidad de la manipulación, de un alto grado de virtuosismo, como por elevar el viejo repertorio a niveles de gran dignidad ejecutante y calidad literaria.

Títeres del Sarukura Nyngio de la compañía
Aniwa, creada por Chojiro Hosokawa
en 1924, inspirado por los títeres
de Akita del señor Yohachi Ikeda.

El documental nos muestra varias representaciones suyas, auspiciado por su esposa, manipuladora y vocalista, así como por su hija, experta en el shamisén y también en la asistencia vocal, rítmica y coreográfica del espectáculo. Las funciones se realizaban sobretodo en abril, durante la fiesta de los Cerezos en Flor, una fiesta de las más queridas por los japoneses, que suelen reunirse bajo los cerezos para comer, cantar, pasar el día y la noche también y, sobretodo, para contemplar el espectáculo silencioso de las flores del cerezo. Es una fiesta que junta lo religioso con lo estético y lo puramente festivo, en este sincretismo sin par que es la práctica religiosa en Japón. El documental nos muestra varias situaciones: montando en una plaza, en un descampado, frente a un bosque de cerezos, en un local cerrado para comensales adultos que parecen celebrar una fiesta particular, y tal vez en un teatro. En todas ellas, se realiza un fragmento del repertorio del señor Yoshida Chiyokatsu.

Compuesto de unas cinco o seis obras, todas ellas largas y con mucho texto hablado así como profusión de escenas de lucha o de divertidos bailes, las escenas mostraban batallas de samurais entre si, con grandes serpientes mitológicas o con una mujer que en realidad es un diablo que va cambiando de rostro cada vez que el samurai vengador le corta la cabeza. Quizás la escena más divertida sea la del monje libertino que conquista a una mujer que lo ignora. Todo un ejercicio de virtuosa manipulación en la que se juega con dos hermosos parasoles y en la que hay un constante juego de seducción y de picardía tanto del monje como de la mujer. El tema del monje budista loco, pícaro y lúbrico es por lo visto recurrente en el teatro japonés, muy tratado en los títeres populares así como en el Kyogen, este género que se intecala en las representaciones de Teatro Noh.

Taiji Kawajiri con Pukichi al fondo

La idea de Tamiko Onagi de que el espíritu de Polichinela está de alguna manera presente en Japón, pudo constatarse viendo el humor y los juegos de manipulación del Sarukura Nyngio (nombre de esta tradición de títeres de guante) realizados por Yoshida Chiyokatsu. Así lo pareció entender también el antiguo director del Teatro Puk, el señor Taiji Kawajiri (1914-1994), quién sale en la película entrevistando al titiritero de Akita. Consciente de que se encontraba ante un verdadero virtuoso, invitó muchas veces al señor Yoshida Chiyokatsu a actuar en el Teatro Puk y fue bajo sus instancias que pudo en una ocasión verse su espectáculo en Europa, al actuar en Charleville-Mézières y en la ciudad belga de Liège. Cabría hablar aquí de cómo Taiji Kawajiri, buen conocedor de la tradición polichinesca europea, buscó siempre tener un personaje de estas características, motivo por el que inventó a Pukichi, el pequeño Puk, quién en su origen fue un obrero que luchaba por sus derechos y conquistas sociales. Su figura preside hoy los carteles más emblemáticos del teatro, aunque no haya tenido un desarrollo escénico posterior como personaje.

Machiko Watanabe "Machi", actual directora
del Teatro Puk, con el Pukichi actual

El documental filmado por Sukama Masako muestra no sólo los momentos más brillantes de los títeres, sino también la intimidad del titiritero en casa, en el interior del retablo, con su hija tocando el shamisén y su mujer manipulando al lado, de fiesta con la familia y sus amigos, o montando el gran retablo en el que actúa. Un tono poético, pulcro y premonitoriamente nostálgico impregna toda la película, de 80 minutos de duración, como si la directora fuera consciente de que se encontraba filmando algo que pronto podría desaparecer. Y aunque sigan existiendo compañías que continúan practicando el Sarukura Nyngio, difícilmente volverá a verse esta feliz combinación de maestría en la voz, el canto, la improvisación y la gestualidad con los títeres. Un documento admirable que rescata una tradición que sigue y se transforma bajo el signo implacable de la modernidad.

Nota: la información que se da en estos artículos no es definitiva, pues debe pasar por el filtro de una verificación y corrección posteriores más rigurosas. Tómese más como "notas de viaje" que como textos ensayísticos de carácter concluyente.

Marionetas en Hokkaido

2011-08-15T17:08:00.009+02:00

Las Rutas de Polichinela por Japón nos han llevado a la isla de Hokkaido, al norte del archipiélago nipón, el último destino de nuestra gira antes de volver a Tokio para coger el 18 el avión de regreso a Barcelona.

Tamiko. Tacashi y Rebecca en el centro de cervezas
Sapporo

Isla inmensa, la segunda del archipiélago, tiene varias características interesantes. La primera, al menos para mi, es que está llena de volcanes en activo, con profusión de géiseres y otros fenómenos propios de los lugares con mucha actividad telúrica. Claro que todo Japón está lleno de volcanes, pues el mismo Fuji lo es, de modo que Hokkaido no hace más que cumplir una norma común a estas tierras. La otra característica es que posee una población autóctona de origen muy antiguo, los ainu, relacionados según parece con los primeros pueblos de Siberia, de lenguas paleosiberianas. Pueblo que ha conservado algunas de las características de las culturas cazadoras y recolectoras, aunque actualmente se encuentra en un avanzado declive, tras sufrir los últimos embistes de la colonización japonesa. Una cultura que se remonta muy lejos en el tiempo, al ser heredera de los pueblos anteriores al neolítico, este largo, rico e intenso período cultural que recorre las distintas glaciaciones y que se caracterizaba por su condición transhumante en pos de los grandes rebaños de renos, que subían y bajaban por los paralelos siguiendo los ritmos de las estaciones. El mismo período que dio las pinturas de la época Magdaleniense en Altamira, Lascaux y otros templos del arte.

No tuvimos tiempo de inspeccionar los rasgos actuales de esta cultura, hoy protegida por el estado y que sobrevive en lugares apartados, con peligro de convertirse en parques temáticos para el turismo.

Vivir en una tierra que tiembla cada día, que de vez en cuando se enfada mucho, destruye casas y cambia los paisajes, y que incluso escupe fuego a través de sus volcanes, sin duda debe condicionar la psicología de sus habitantes. Lo vimos en Sicilia y en Nápoles, dos lugares de considerable actividad telúrica, ambos con profunda presencia marionetística, y lo volvemos a ver en Japón, una tierra igualmente dotada de longevas tradiciones titiriteras. Una fidelidad a lo antiguo que podría explicarse por el afán de mantener un contínuum en el tiempo, cuando el presente está tan amenazado por las incertidumbres de la geología. Algo propio también de la mentalidad isleña, en la que lo desconocido acecha amenazante en los horizontes marinos, lo que induce al conservadurismo de lo particular.

El señor Nanchán con una de sus marionetas

De todas formas, pocas tradiciones vimos en Hokkaido. Lo que sí pudimos observar es la gran fuerza que tiene en ella, y por extensión en todo el país, el teatro aficionado de marionetas. Una realidad que no he visto en otros países –aunque creo que en Estados Unidos ocurre algo similar. Por ejemplo, de los 500 socios inscritos en Unima Japón, la mayoría son titiriteros aficionados. Los encontramos en Okinawa, en Osaka, en Nagoya, muchos en Iida (cuyo festival es lugar de encuentro obligatorio de los aficionados al títere), en Tokio y sobretodo en Hokkaido. Digo “sobretodo” porque los dos teatros en los que actuamos, muy diferentes entre si, pero entrañables ambos y en los que fuímos muy bien atendidos, estaban regentados y fueron creados por grupos de titiriteros aficionados.

Tras la función en Asahikawa con el equipo del señor
Nanchán.

En Asahikawa, primera ciudad visitada, actuamos en un centro cultural que el señor Nanchán y su equipo habían convertido en un verdadero teatro muy bien dotado en todos los aspectos. Cabe hablar aquí del señor Minamide Shoichi, más conocido por el apodo de Nanchán, fervoroso activista de las marionetas y uno de los principales impulsores del movimiento de aficionados a los títeres en Japón. Ingeniero informático de profesión, es también creador de uno de los primeros coches autoimpulsado por energía solar –su aparato, un artefacto plano para un único conductor y pasajero, que nos enseñó encerrado en un container, recorrió trescientos kilómetros en Australia sin fallo alguno. Su amor a las marionetas, que proviene de la infancia, es de una tal intensidad que ya querrían muchos profesionales disponer de semejantes caudales de ilusión y de energía. A su alrededor se mueve un equipo de unas veinte o treinta personas, incondicionales y todas ellas titiriteros también en sus horas libres, que al acabar nuestra función desmontaron en un santiamén la pesada estructura que habían montado de hierros, focos, cables, dímers, equipos de sonido…

La segunda función fue en Sapporo, la capital de la isla y la tercera en importancia al norte de Tokio. Su nombre se confunde con el de la cerveza que se fabrica en ella y que constituye una de las más apreciadas y bebidas de Japón. Lo pudimos comprobar al visitar sus instalaciones, con un pequeño museo y un restaurante dónde gozamos, bien conducidos por la experta Tamiko Onagi, de las excelencias de este espumoso de la cebada de Hokkaido.

Exterior del Teatro Yamabiko-Za de Sapporo

Actuamos en el Teatro Yamabiko-Za, una maravilla de local estable dedicado al teatro de marionetas con una capacidad para unos 150 espectadores, dotado de unas instalaciones impecables, un escenario grande y acogedor, unos camerinos de maravilla con tatamis incluídos para el reposo de los actores, y unas instalaciones en el sótano para talleres que jamás había visto tan bien acondicionados. Nos dimos cuenta de que en Sapporo, capital de una isla con mucho espacio y poca gente (es la de menos densidad de población del país), todo es en ella grande, como el mismo estadio llamado Sapporo Dome, que se construyó para la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea del Sur y Japón. Dedicado actualmente tanto al fútbol como al béisbol (uno de los deportes preferidos de los japoneses), el Sapporo Dome es obra del arquitecto japonés Hirouryshi Hara. Su peculiraridad más extravagante es que la cancha con hierba natural se desliza fuera del recinto sobre un colchón de aire para que así crezca, lo que permite otros usos del tinglado.

Interior del Teatro Teatro Yamabiko-Za de Sapporo

Pero volvamos al Teatro Yamabiko-Za, en el que cada año se imparten unos talleres de Bunraku a los titiriteros del lugar. A tal fin están dedicados las instalaciones antes apuntadas del sótano, pero también el escenario de madera de Hinoki, el ciprés japonés, que vimos plegado al fondo del escenario y cuyo poderoso aroma llenaba el espacio posterior de los camerinos. De nuevo nos encontrábamos con la noble madera para los escenarios de las marionetas tradicionales, que ya vimos en la sala de ensayos del Museo Takeda en Iida, y que constituye un requisito imprescindible para estas labores marionetísticas de altos vuelos y casi “sacras”.

Posando con los titiriteros del Teatro Teatro Yamabiko-Za
de Sapporo

Fue la última función en Japón y pareció que el público lo supiera, tal fue la intensidad sentida durante la representación. Al acabar, charlamos con buena parte del público, compuesto de muchos titiriteros aficionados, y la verdad es que sentimos pena de terminar ya la gira. Nos queda regresar a Tokio para esperar el avión que el 18 nos llevará de nuevo a Barcelona. Unos pocos días que serán aprovechados convenientemente para continuar con nuestas indagaciones titiretiles.

Actuaciones en el Teatro Puk de Tokio

2011-08-11T16:12:00.004+02:00

Cartel del Teatro Puk.

Los días 10 y 11 tocó actuar en el Teatro Puk de Tokio, que este año celebra su 40 aniversario. Precisamente para celebrarlo, ha organizado varios eventos, entre los cuales está la gira y las representaciones de mi espectáculo “A Manos Llenas". Concretamente han sido tres las funciones hechas en este entrañable teatro, las tres con las entradas agotadas desde hacía varios días, lo que puede considerarse un total éxito, pues en agosto mucha gente está de vacaciones.

Con el señor Yoshimoto y Tamiko Onagi

La verdad es que ha sido un placer actuar en este teatrillo que, a pesar de su aforo limitado (tiene una capacidad para unos 110 espectadores, aunque estos días se llenó con más de 120), ocupa todo un edificio entero y cuenta con una plantilla de unos setenta personas entre administración, técnicos, constructores, manipuladores y directores. Todo ello se traduce en un repertorio en activo de más de 12 espectáculos, en dos equipos dedicados uno a las giras de la compañía y el otro a la actividad del teatro, y en una tercera sección llamada Estudio Nova, cuya sede está en unos pisos al lado mismo del teatro, dedicada a la creación de películas de animación con muñecos, básicamente para la televisión, con 17 personas implicadas entre directores, montadores, técnicos y constructores. Durante el año, la compañía se multiplica en varios equipos que recorren Tokio y el Japón entero con los distintos espectáculos, actuando en escuelas o en teatros para las campañas escolares.

Con el muñeco Asatarou y su actriz manipuladora,
Ayako Ichihashi.

Precisamente días atrás tuve la ocasión de ver uno de sus últimos espectáculos en un teatro de un centro cívico de Tokio, grande y muy céntrico. Se trataba de la obra Negibouzu-no-Asatarou (Asatarou, the Welsh Onion), dirigido por Yuriko Hayakawa, con diseño de Yumiko Wakabayashi y música de Katsumi Horii. El espectáculo, narrado a la manera tradicional del Roukyoku (con voz de Takeharu Kunimoto) estaba manipulado por Hiromi Akimoto, Shizuki Noda, Ayako Ichihashi, Kou Kadota y Sayaka Inoue. La obra está inspirada en un cómic de mucho éxito en Japón cuyos personajes son simples “vegetales” pero con comportamientos muy “humanos”. El resultado fue una delicia de espectáculo, con una manipulación a la vista de grandes muñecos muy lograda. Me gustó la presencia de los actores-manipuladores, la relación con sus títeres y el ritmo que le imprimían a la acción. Por un lado se notaba una gran experiencia y, por el otro lado, un gusto y una delicadez exquisita en los movimientos y en el trato con los personajes. Aún tratándose de títeres modernos que se alejan voluntariamente de las viejas tradiciones japonesas, los manipuladores del Puk mantienen el tono y la actitud de respeto que he visto en todos los espectáculos tradicionales, algo que los aleja bastante del tono siempre más desenfadado y a veces transgresivamente irrespetuoso, del teatro occidental. También aquí hay desparpajo y una buscada libertad de movimientos, pero siempre manteniendo el tono base de la cortesía y de la dignidad en el teatro con los muñecos y con el público.

También presentaron una versión de “Pedro y el Lobo”, a partir de la música de Prokofiev, muy bien dirigida por K.Nishimoto. La obra, escenificada igualmente con muñecos grandes y manipulación a la vista, encandiló al público, con una adaptación libre de la música del gran compositor ruso.

Edificio del Teatro Puk

Respecto al teatro, situado en Shinjuku, uno de los barrios más céntricos y “movidos” de Tokio, dónde se levantan algunos de los edificios más altos e imponentes de la capital, hay que decir que sorprende por lo bien organizado que está y por las prestaciones técnicas que posee. La más espectacular, sin duda, es un escenario móvil que baja hasta dos niveles a modo de gran montacargas, lo que permite cambiar en apenas unos minutos una escenografía. Un lujo que los titiriteros del Puk aprovechan casi a diario, al tener por costumbre presentar programas dobles en una misma sesión. No falla tampoco el treatro en el “merchandising”, con una tiendecita en el vestíbulo muy bien aprovechada.

Lumi, Toni, Rebecca y Mamika (Foto Tamiko Onagi)

La razón del nombre del teatro no tienen nada que ver con el personaje shakespeariano, como al principio supuse. Fundada en realidad la compañía en 1929 por su primer director artístico Toji Kawajiri, fue llamada PUK por ser esta palabra la contracción de La Pupa Klubo, el Club de los Títeres en esperanto. Un origen pues relacionado con las ideas más progresistas y avanzadas de la época, que buscaba un lenguaje universal capaz de unir a los distintos pueblos del mundo. Una utopía que también está detrás del nombre La Clarté del teatro de Osaka dónde actué. Tal vez erró el señor Kawajiri en considerar el Esperanto como la futura lengua franca del mundo, pero no en escoger las marionetas como el lenguaje propio de la compañía: un lenguaje cuya universalidad está hoy fuera de toda duda.

Una compañía con más de ochenta años de ininterrumpida actividad no es cosa de cada día. Me contaba Tamiko Onagi que durante la Segunda Guerra Mundial, el Puk Teatro se posicionó contra la dictadura militar, por lo que sufrió persecución y, su director, prisión. En su dilatada historia, tuvo que cambiar varias veces de nombre y perdió a muchos miembros durante la guerra. Al acabar ésta, volvió a posicionarse según el ideario fundacional que le dio vida.

Machiko Watanabe "Machi" con un demonio catalán (foto
Tamiko Onagi).

La actual directora del teatro, Machiko Watanabe, busca mantener un trato exquisito y muy personal con el público, con una clientela que me pareció de mucha fidelidad. Me sorprendió la presencia mayoritaria de público adulto, con más mujeres que hombres entre el público, lo que siempre es de agradecer, aunque también había algunos niños, por supuesto. En las distintas sesiones y en los encuentros que tuvimos con los miembros del Puk, pude constatar el alto nivel humano y profesional del que hicieron gala, por su extraordinario interés y entusiasmo hacia lo ajeno y lo distinto.

Adjunto algunas fotos que completan las que agrupé en un álbum en la entrada anterior.

Algunas imágenes en el Teatro Puk de Tokio

2011-08-11T12:34:00.001+02:00

Fotos hechas por Rebecca Simpson en el Teatro Puk de Tokio, los días 10 y 11 de agosto, en los que realizamos tres representaciones. Para verlas, clicar sobre la imagen.

Puk Theatre - Tokyo - 10-11 August 2011

Función en el Teatro Himawari de Nagoya y alguna imágenes de la gira

2011-08-09T15:08:00.004+02:00

Edificio del Sompo Japan Group de Nagoya

Se me hacía imprescindible aprovechar estos días que estamos en Tokio, mientras esperamos las funciones a realizar en el Teatro Puk, para hablar de la representación hecha en la ciudad de Nagoya el día 31 de julio, cuya crónica se quedó en el tintero, postergada por el trasiego de la gira.

Interior sala del Himawari Teatro de Nagoya

La representación se hizo en el Teatro Himawari, el primer teatro que conozco situado en el último piso, concretamente el 20, de un altísimo edificio de oficinas. La razón es muy senzilla: la empresa de seguros Sompo Japan Group, en su política de dar una imagen pública de apoyo a la sociedad, ofreció el último piso de su nuevo edificio en Nagoya, inaugurado en el año 1989, para establecer en él un teatro de marionetas con el nombre de Himawari, que en japonés significa Girasol. Coincidió su inauguración con un Congreso de Unima Japón que se celebró en Nagoya. El Teatro, regentado desde entonces por un activo grupo de titiriteros aficionados y patrocinado por el Sompo Japan Group, no ha cesado de programar títeres para público infantil y familiar, con participación de grupos japoneses y extranjeros.

Takashi Nakaide en el montaje de Nagoya

Cabe decir que el hecho de encontrarse en el piso 20 no significó ningún contratiempo, pues el edificio consta de buenísimos y rápidos ascensores, que comunican con mucha comodidad con el teatro propiamente dicho. Por cierto, muy bien dotado en cuestiones de luz y sonido, y con un servicio de técnicos de primerísima calidad. Además, constituye todo un gozo disfrutar de su inmenso camerino con unos ventanales que ofrecen una vista panorámica espectacular, con el castillo de la ciudad al fondo. Este castillo, creado originalmente por Imagawa Ujichika, del clan feudal Imagawa, ha sido destruído y reconstruído varias veces a lo largo de la historia. La última fue durante un bombardeo aéreo el 14 de mayo de 1945, que lo calcinó por completo. Su reconstrucción culminó en 1959, con un acabado que reproduce la apariencia del viejo castillo, siendo su interior un edificio normal de hormigón transformado en un museo moderno. Son famosos los dos delfines de oro que se exhiben en la parte superior del tejado, y que se han convertido en uno de los símbolos preferidos de la ciudad.

Vista desde el camerino del Himawari Teatro

Adjunto algunas fotos realizadas en el Himawari Teatro así como otras de Tokio que también habían quedado en el tintero.

Museo de la Ciencia de Nagoya

Con los titiriteros de Nagoya (Foto de Tamiko Onagi)

El castillo de Nagoya y los dos delfines en el tejado

Toni Rumbau con Ayako Ichihashi, del Teatro Puk de Tokio, después de la función
de Negibouzu-no-Asatarou (Asatarou, the Welsh Onion).

Con Polichinela y el Diablo (sostenidos por Rebecca Simpson),
foto de Teresa Iniesta

Tras la función. Foto Teresa Iniesta.

El Museo Takeda de Iida

2011-08-08T15:19:00.007+02:00

Tras las dos funciones de “A Manos Llenas” realizadas en el Festival de Iida, concretamente en el Kawamoto Kihachiro Puppet Museum, funciones que han transcurrido estupendamente, con llenos totales pues hacía días que las entradas estaban agotadas, me queda por hablar sobre algunos lugares emblemáticos de Iida, una ciudad que desde el punto de vista marionetístico es una constante caja de sorpresas.

Marioneta de Kihachiro Kawamoto.

De entrada, son varios los museos dedicados al arte de los títeres. Uno de ellos es el dedicado al gran especialista en cine de animación con marionetas, Kihachiro Kawamoto, autor de varios films que tuvieron mucho éxito en televisión. Las marionetas, todas ellas preciosas y de impecable factura, están expuestas en vitrinas según grupos de personajes pertenecientes a distintas películas. Constituyen un precioso repertorio de personajes de la literatura clásica y popular japonesa, con profusión de samurais, princesas, sabios y señores malvados.

Antiguo teatro situado junto al Museo Takeda,
hoy en desuso.

Otro de los museos, y del que me gustaría hablar aquí con más detalle, es el dedicado al gran marionetista japonés nacido en Iida, el señor Sennosuke Takeda, museo que se halla situado fuera del centro de la ciudad, al lado mismo de un antiguo teatro de Bunraku que, como suele suceder aquí, se encuentra en la base de un precioso Shrine que empieza en la esplanada dónde se situaba el público. La zona está cerca del templo budista Motozenkoji, al que no tuvimos tiempo de visitar.

El museo es una delicia de diseño de estilo japonés, es decir, realizado según los más estrictos principios de la contención propios de un gusto poético que busca la emoción estética a través de la simplicidad y la extrema economía de medios. Se encuentra ubicado en un hermoso jardín que recuerda la disposición Zen de los templos del complejo de Daitoku-ji visitado en Kyoto, jardín que rodea el museo, la sala de ensayos y la misma vivienda privada del señor Takeda, unidos a través de un recorrido que va de lo público y abierto a lo privado e íntimo.

Muy sencillo en cuanto a su estructura, consta el Museo de una entrada-tienda, en la que se ofrece un merchandizing de gusto exquisito, con servicios y espacio privado de secretaría. Esta entrada comunica, a través de un pasillo ajardinado, con el museo propiamente dicho, consistente en un edificio de planta cuadrada cuyo centro es una sala que reproduce un teatrillo de asientos escalonados enfocado a un escenario con una escena fija de marionetas perteneciente a una de las obras de la compañía. Alrededor de esta sala central, y en espacios que se abren a modo de anchos pasillos, están las piezas expuestas de la colección del Museo. Lejos de buscar una acumulación de elementos, se ha optado por el mismo principio de sobriedad, de modo que las marionetas expuestas son pocas pero de una extraordinaria belleza. En grupo o individualmente, se exhiben en vitrinas puestas encima de cajones que contienen un mecanismo automático de regulación de la temperatura y de la humedad. Igualmente, junto a unos grandes ventanales que dan al jardín, se encuentra un recogido espacio con asientos dónde el señor Takeda nos recibe con un te. Sentados a su vera estábamos pues Tamiko Onagi, Takashi Nakaide, el señor Nobuhiro Sugita y su esposa Natsue Sugita que se sumaron también a la visita, mi compañera Rebecca Simpson y yo.

El señor Sennosuke Takeda manipulando una marioneta
(foto de Rebecca Simpson).

Gran amigo de Tamiko Onagi –quién lo considera su maestro–, el señor Takeda nos habló de sus años de actividad, cuando dirigía su famosa compañía de marionetas de hilo instalada en Tokio, en cuya ciudad regentó durante años un teatro estable. De hecho, el señor Takeda proviene de una familia de marionetistas de hilo que se remonta en el tiempo: fue hacia 1660 que una compañía formada por Ominojo Takeda construyó un teatro en Osaka, en el barrio histórico de los teatros llamado Dotonbori, dónde se presentaban espectáculos de marionetas de hilo, pero también de guante y títeres movidos por mecanismos automáticos. Desde entonces, la compañía se ha mantenido fiel a esta especialidad, el hilo, y tal fue su fama, que durante mucho tiempo el nombre de Takeda se utilizó en Japón como sinónimo de teatro de marionetas.

En Tokio, compartió las presentaciones en el escenario con su trabajo en el cine, cuando abrió el primer estudio de títeres existente en Japón. La compañía recorrió numerosos países con sus espectáculos y el señor Takeda fue considerado en su tiempo como uno de los mejores marionetistas del mundo, famoso por el virtuosismo de su manipulación.

Tras visitar la exhibición permanente, el joven discípulo del señor Takeda y continuador de su trabajo, Takeda Senju, nos explicó cómo se manipulan las marionetas, con un particular mando cuadrado que me recordó el de las marionetas chinas (una simple madera plana de la que cuelgan todos los hilos) pero dotado de una mayor sofisticación técnica. De todas formas, y cómo sucede con la técnica china de manipulación, su secreto está básicamente en el trabajo de las manos y su control de los hilos, lo que hace que manipular una marioneta sea tan difícil como tocar un instrumento.

Takeda Senju manipulando la marioneta Sambaso
en el escenario de la sala de ensayo.

Tras estas demostraciones, el señor Takeda nos invitó a visitar la sala de ensayos, el verdadero sancta santorum del lugar, pues aquí es dónde imparte sus clases el Maestro, clases que se hacen individualmente según establece la tradición. Situado en una pequeña construcción fuera del Museo, contigua a su misma vivienda, pudimos comprender la importancia que tienen estos espacios de ensayo en las distintas tradiciones marionetísticas del Japón: lugares privados, a modo de particulares santuarios, en los que se establece una relación directa de persona a persona entre Maestro y Discípulo, y que guarda una estrecha relación con los viejos cultos religiosos y con el carácter sagrado que se halla en el origen del arte de las marionetas. En el mismo espacio de ensayo del señor Takeda, había dos altares contiguos, uno dedicado al sulto sintoísta y el otro al budista. Igualmente, el escenario dónde se ensaya, hecho de la preciosa y perfumada madera de Hinoki, el ciprés japonés, debe estar perfectamente limpio e impoluto, y sobre él se camina sólo arrastrando los pies y con unos calcetines especiales. Todos estos requisitos y condicionantes, que a los europeos pueden parecernos superfluos o una anticualla, cobran aquí todo su valor en el contexto de la cultura japonesa, tan respetuosa con las formas y provista de una extrema cortesía hacia lo sagrado, pertenezca éste a uno u otro culto. La misma marioneta que movía el joven Takeda Senju representa a un personaje llamado Sambaso relacionado con las danzas del mismo nombre, muy utilizadas en los rituales shinto y que se remontan al origen del Teatro Noh. A través de este personaje se convoca a los dioses que deberán augurar un feliz año nuevo o bendecir una nueva casa, una marioneta utilizada en viejos rituales chamánicos y provista, por lo tanto, de un carácter sagrado.

La visita a esta entrañable y casi mística sala de ensayos nos abrió, a Rebecca Simpson y a mi, unos horizontes en la comprensión del teatro de marionetas de Japón y de su cultura en general que hasta entonces sólo habíamos levemente intuído. Se entiende así mucho mejor el formalismo casi ritualístico que acompaña las representaciones de Bunraku, como la que vi en el Teatro Nacional de Osaka, en el que este carácter de respeto sacro está perfectamente encarnado por los gestos ceremoniosos del inicio y del final, o en las mismas funciones del Teatro Puk, que aún con planteamientos modernos y dirigidas a los niños, mantienen igualmente este tono de respeto y de cortesía hacia los muñecos y hacia el público.


Espacio dedicado a las danzas Sambaso del santuario sintoísta.

Tras salir del Museo, visitamos el shrine (santuario sintoísta) que hay a su lado, cuyas escaleras suben desde la esplanada del viejo teatro hasta los templetes que suele haber en estos lugares. Quedamos de nuevo fascinados por el entorno del lugar y por las arcaicas construcciones de madera que parecen tener cientos de años de existencia. En la parte superior, vimos lo que parecía un lugar de actuación, pues había en su interior un gran tambor. Nos contó Tamiko Onagi que se trataba de un lugar para las danzas rituales que se suelen hacer en los festivales shinto, del mismo modo que en otros lugares se hacen representaciones de Teatro Noh, de Kabuki o de Bunraku.

Dejo para posteriores entradas más detalles del Festival así como otros momentos vividos en esta memorable gira.

El Iida Puppet Festival y el Teatro Kudora

2011-08-06T17:34:00.008+02:00

(error en el título: se llama Teatro Kuroda)

Invitado a actuar en este prestigioso festival de títeres, el más importante de los que se celebran en Japón, aprovecho para profundizar en las características de los teatros tradicionales de títeres de este país, que son tan interesantes y numerosos como inagotables, en el sentido de su persistencia en el tiempo. En efecto, voy constatando de qué modo se han conservado formas antiquísimas de teatro, que unas veces tienen que ver más con viejos rituales de origen chamánico que con el mundo del espectáculo, y en otras están profundamente arraigadas en las más sofisticadas creaciones literarias y artísticas de la época Edo.

El señor Nobuhiro Sugita y su esposa Natsue Sugita en la
ceremonia de inauguración del Festival.

Iniciado modestamente en el año 1979, el Festival se ha convertido en un acontecimiento único de sólo 4 días de duración pero con una oferta de más de 400 representaciones y capaz de reunir a 40.000 espectadores. Centrado sobretodo en compañías japonesas, siempre cuenta con una considerable presencia internacional. Este año los países invitados son Chequia, Kazakhstán, Taiwán, Dinamarca, Suecia y España. Lo interesante de Iida, además de los espectáculos, son los museos que existen en la ciudad dedicados a las marionetas, tres en concreto, así como las compañías tradicionales que aún quedan en activo: la Imada Puppet Troupe, la Kuroda Puppet Troupe, La Furuta Puppets y la Waseda Puppets. Realidades que desde la perspectiva marionetística, convierten a Iida en una pequeña pero nada desdeñable capital interior de los títeres en Japón.

Ida se encuentra en la prefectura de Nagano, en el valle del río Tenryu que desciende por la parte sur de los llamados Alpes japoneses. Tiene una población de 104.877 habitantes y se halla a medio camino entre Nagoya y Tokio. Pertenece pues a esta región de las montañas más altas del Japón, muy visitada en verano por su clima agradable. Se distingue también por los múltiples festivales que se realizan en los santuarios sintoístas, que abundan en la ciudad. Concretamente en uno de ellos se alza el teatro Kuroda, en un lugar impresionante y que sólo funciona un único día al año: el primer domingo de abril de cada año. Ese día, se abren las grandes puertas del viejo teatro construído hace 180 años, y que substituye a otro más pequeño que ya tenía entonces 300 de antigüedad.

El Teatro Kuroda de Iida

Exterior del Teatro Kuroda

Acompañados por el amigo y joven ingeniero de sonido Takashi Nakaide, quién cumple de jefe técnico y logístico en nuestra gira, acudimos Rebecca Simpson y yo a la cita concertada con el señor Nakajima, actual mánager de la compañía Kuroda. Nos encontramos ante el gran local con forma de templo dónde la compañía ensaya y en la que tiene un pequeño museo familiar. De allí nos dirijimos al verdadero teatro, ahora cerrado pues, como se ha dicho, sólo funciona un día al año, durante el Festival de Primavera dedicado al Shimokuroda-Suwa Shrine. Se encuentra al lado mismo del edificio de ensayo, en una zona dedicada al culto sintoísta, el Suwa Shrine, rodeado de templetes, piedras, tumbas y otras casetas y ornamentaciones para nosotros indescifrables.

El señor Nakajima, Rebecca Simpson y Takashi Nakaide en
el interior del Teatro Kuroda de Bunraku, frente a las
ventanas que dan a la esplanada para el público.

Consiste en una construcción únicamente de madera, que se aguanta sin clavo alguno, con tablones impresionantes algunos de los cuales tienen más de setecientos años de antigüedad. Se trata en realidad de un escenario entero para marionetas del estilo ningyō jōruri o Bunraku, con dos plataformas laterales para los toyus y los músicos de shamisén. Actualmente sólo se utiliza la plataforma de la derecha (visto desde el público) aunque por lo visto, antiguamente se usaban las dos pues había más músicos disponibles en la compañía. Los espectadores están fuera del edificio, sentados en la esplanada que hay frente al teatro-escenario.

Viendo el entorno del teatro, nos damos cuenta de la significación ritualística de estas representaciones, celebradas cuando empieza la cosecha del arroz, al inicio de la primavera. Un rito pues de regeneración de la vida y de la naturaleza, y que reúne a miles de personas en los distintos santuarios del país. En todos ellos se celebran muchos festivales, la mayoría con representaciones al aire libre de Teatro Noh y de Kabuki, y en algunos casos de Bunraku. Iida es de los lugares que ha mantenido la vieja y más sofisticada tradición del ningyō jōruri, y el teatro de Kuroda es uno de los más señeros que quedan.

Fue un antepasado del señor Nakajima, músico de shamisén y hombre de posibles, quién financió el teatro a principios del s.XIX. El linaje familiar continuó la labor sin interrupción y el actual representante, aunque ya no es músico, sigue fiel a la tradición y es el encargado de organizar y mantener el teatro y la compañía.

Visita a la parte superior del teatro.

Subimos al piso superior del teatro y nos sobrecogen las señeras y nobles vigas de madera que sostienen el techo. Nos cuenta el señor Nakajima que cada cincuenta años cambian las maderas pequeñas que cubren el techo, mientras él mismo se encarga de las reparaciones necesarias en las grandes columnas y vigas más viejas, que se mantienen imperturbables a través de los años.

Lámparas de piedra del Shrine y al fondo el Teatro Kuroda.

Fascina esta religión (el Sintoísmo o Shintoísmo, que proviene de la palabra Shinto) que está basada en el culto al emperador y que se remonta a viejísimos orígenes chamanistas. Una religión que en realidad es como si no existiera, pues no tiene ni códices sagrados ni evangelios ni doctrinas, sino que constituye una suma de creencias antiguas relacionadas con el culto a la tierra, a los elementos y a la naturaleza, y que se confunde con el culto a los ancestros, que la figura de los primeros dioses-reyes y luego de los emperadores divinizados aglutina en un puro formalismo de ritos agrícolas y estacionales. Dicen los japoneses que su repertorio de dioses es de un millón y ocho (el ocho es el número mágico de Japón). Tan relativista es esta religión que gusta de convidir con el Budismo y con la versión Zen de éste, pues consideran los japoneses que la variedad humana es tan grande que una única religión sería incapaz de satisfacer a todos los gustos, inclinaciones y necesidades, de modo que lo mejor es que haya varias y muchos dioses por escoger. Se entiende que en el siglo XVII Japón decidiera cerrar el país al Critianismo, empeñado éste en considerarse la única religión posible y verdadera: conscientes de que los “bárbaros occidentales” eran más fuertes que ellos, se blindaron para no desaparecer. Decisión acertada, pues aunque pagaron un alto precio, han conseguido conservar su cultura.

El local de ensayo del KurodaTeatro.

Tras la visita al teatro, el señor Nakajima nos muestra el edificio de ensayo, un verdadero teatro de Bunraku de nueva planta, construído por el Ayuntamiento, de madera y que podría ubicar a un numeroso público en su interior, a diferencia del de verdad, en el que los espectadores están en la intemperie. Durante el Festival, por lo visto se realizan allí algunas representaciones pero al preguntar si se hacía alguna de la compañía Kuroda, volvimos a escuchar la para nosotros paradójica respuesta: sólo se actúa una vez al año, el primer domingo de abril. No deja de sorprenderme la exhuberancia de un espacio de ensayo, cuyo interior tiene una factura y un acabado de altísima calidad. Por lo visto, mientras el teatro pertenece a manos privadas, el edificio de ensayo ha sido pagado y construído por la ciudad, lo que explicaría este acopio de medios. No será hasta más tarde que llegaré a comprender el significado de los espacios de ensayo, cuando al día siguiente visitemos las instalaciones del Museo Takeda, cuyo relato dejo para más adelante.

Foto del Teatro Kuroda durante una representación.

Contemplamos las fotografías que se exhiben en la pared del pequeño espacio museo de la compañía, dónde se ven las distintas formaciones de manipuladores, toyús y shamisens a lo largo de los años. Una de ellas muestra el teatro en plena actividad, con el público sentado en la esplanada del santuario sintoísta, rodeada de templetes y hermosas lámparas de piedra. También están expuestas algunas marionetas y caras de las mismas.

La casa del Dios en el Shrine del Teatro Kuroda.

Nos acercamos de nuevo al teatro y al santuario sintoísta para dejarnos transportar por la extraña y placentera atmósfera que nos rodea. Pregunto para qué sirve una construcción de madera muy alta que parece vacía y que no está cerrada sino que constituye un enrejado de largas tablas de madera. La respuesta es desconcertante: allí vive el dios. Por eso está vacía y entreabierta, para que pueda entrar y salir. No pregunto cuál de ellos. Seguramente alguno de los millón y ocho. Me explica también Takashi con mucha seriedad –aunque pertenezca a una familia de tradición budista– que los dioses se encuentran durante el mes de agosto en el santuario de Izumo Taisha, en la prefectura de Shimane, dónde se celebran abundantes festivales para agasajarles, siendo lugar de mucha peregrinación. La consecuencia es que durante esta época, el resto del país se queda vacío de dioses.

Mientras regresamos a Iida, pienso si este extraño sistema de religiones algunas de ellas provenientes de un pasado arcaico, no será lo que más se acerque a una posible religión del futuro, neopagana y maravillosamente desligada de creencias, con muchos dioses y diocesillos para escoger, con cultos y formalismos al gusto de todos, y abierta a las necesidades, los deseos y las inventivas de cada uno de los mortales… Que un teatro de marionetas le sirva además de uso e instrumento, aunque sea sólo una vez al año, no deja de hacerlo todavía más extraño y sugerente…

Actuación en el Instituto Cervantes de Tokio

2011-08-05T13:06:00.000+02:00

Edificio del Instituto Cervantes
de Tokio

El miércoles 3 de agosto tocaba actuar en el Instituto Cervantes, ubicado en el corazón del barrio académico por excelencia en Tokio, entre Hanzomon y Yotsuya, junto a varias universidades, entre ellas la de Sofía, institutos, colegios y escuelas preparatorias para la universidad. Según reza la publicidad del centro, se encuentra en un nudo de comunicaciones privilegiado junto a las estaciones de metro y tren de Kojimachi, Ichigaya, Yotsuya, Hanzomon y Nagatacho. Por cierto, no lejos del Palacio Imperial. Una zona pues céntrica, aunque en una ciudad tan grande como Tokio, los centros suelen multiplicarse en cada sector de la ciudad. Abierto en el año 2007, el Cervantes de Tokio es por lo visto el más grande de los que existen en el mundo: un edificio de 7 plantas, 3 sótanos y un total de 4.300m².

La sala, situada en uno de los sótanos, es de una acústica perfecta y caben en ella unos 150 espectadores. Era la primera vez que se hacían títeres en el Centro y se ignoraba cuál sería la respuesta del público. Cabe decir que la convocatoria fue un verdadero éxito, pues la sala se llenó hasta los topes –se necesitaron añadir sillas y hubo gente que siguió la obra de pie. El público que acudió, mayoritariamente adulto, aunque también había algún niño, se dejó encandilar por el espectáculo, de modo que incluso participó activamente en el mismo, algo extraño en los espectadores japoneses, que por lo general suelen ser muy reservados y contenidos.

Yoshiharu Fujiwara, Rebecca Simpson, Teresa Iniesta
y Toni Rumbau

La experiencia, pues, fue muy agradable y todos salimos contentos de la misma. Lo celebramos en un restaurante japonés cercano al Cervantes, invitados por Teresa Iniesta, responsable Cultural del Centro. Por cierto, acudió a la función y a la cena posterior Yoshiharu Fujiwara, traductor y periodista de cultura del diario The Daily Yomiuri –nombre inglés de este periódico que es uno de los de más tirada del Japón y del mundo, pues los periódicos japoneses son los que más ejemplares imprimen del planeta. Lo cito porque Yoshiharu es un viejo amigo mío a quién conozco desde el año 1983, cuando vino a Barcelona con nuestro amigo común el director de escena francés Nicolás Bataille, y luego volvió a visitarnos durante las Olimpiadas, en 1992. Yoshiharu Fujiwara habla perfectamente el español e incluso el catalán, además del italiano, portugués, francés e inglés, y fue un verdadero placer reencontrarnos después de casi veinte años de no vernos. Con él charlamos de varios temas muy interesantes sobre los antecedentes de los distintos géneros de la animación en la época Edo.

La siguiente etapa de estas Rutas de Polichinela nos llevará a Lida, dónde se desarrolla el Festival de Títeres más importante del país. Capítulo que dejo para la próxima entrada de este blog.

El Teatro Bunraku de Marionetas

2011-08-02T17:29:00.005+02:00

Fachada del Teatro Nacional Bunraku de Osaka

Con el presente texto, en absoluto pretendo explicar lo que es el Bunraku. Sería imposible resumir, en las dimensiones de una entrada de este blog, un mundo tan fascinante, antiguo, complejo y sugerente como es el teatro tradicional de títeres literario por excelencia de Japón. Lo único a lo que puedo atreverme es a expresar mis impresiones tras asistir el jueves 28 de julio a una representación de la obra Shinju Yoigoshin (“El Doble Suicidio de Ochiyo y Hambei”) escrita por Chikamatsu Monzaemon y estrenada en el Teatro Takemoto-za de Osaka en 1722.

De entrada, impresiona el lugar dónde se realiza la representación: el Teatro Nacional Bunraku de Japón, abierto en 1996 y que tiene su sede en Osaka, aunque luego actúe en otras ciudades y en Tokio suela hacerlo en el llamado Teatro Nacional (abierto también al Kabuki y a otros estilos tradicionales). Impresiona porque se trata de un inmenso y muy bien dotado teatro dedicado exclusivamente al Bunraku, lo que indica la importancia que este teatro tiene para los japoneses. Me apunté al que era el tercer programa del día, pues por la mañana había una función especial para niños y luego otra a las 2h dedicada al tema de los Samurais llamada Ehon Taikoki, de más de cuatro horas de duración. Opté pues por la tercera, de sólo 3 horas, para disponer de la mañana entera en Kyoto.

El público era básicamente japonés (creo que era el único occidental en la sala), con una media alta de edad de los espectadores y, aun siendo una hora tardía en Japón, las 6:30 de la tarde, y teniendo en cuenta el precio de la entrada, por encima de los 7.000 yens (unos sesenta euros), puedo decir que la asistencia fue considerable. En el vestíbulo se vendían programas, videos y muchos objetos relacionados con el Bunraku y con su mundo. Un merchandising, pues, bien trabajado y perfectamente establecido. También había en una sala contigua una exposición con marionetas, instrumentos de música y otros artilugios usados en la representación. Pero lo que más abundaba eran las referencias a los textos, con ediciones antiguas de los mismos y, sobretodo, fotografías, objetos y detalles relacionados con los más famosos narradores, llamados tayû, quiénes son, por lo que pude comprobar, una de las partes más importantes, por no decir las verdaderas estrellas del espectáculo del Bunraku -visto al menos por los que entienden la letra, es decir, por los japoneses. Por ejemplo, al comprar un video a ojo –pues nadie hablaba allí inglés ni había traducciones disponibles–, comprobé luego que la mayor parte del mismo estaba dedicado no a las marionetas ni a sus actuaciones en la escena, sino a los principales y sin duda más famosos músicos y, sobretodo, narradores. Es decir, eran videos más para ser sobretodo “escuchados”.

Cartel del Teatro Nacional
Bunraku de Osaka

Y es que si antes he adjetivado el Bunraku como el teatro tradicional de títeres literario de Japón, no ha sido por capricho sino porque así me lo pareció después de comprobar la importancia del texto y de la narración en el mismo. Su origen mismo tiene que ver con un género muy arraigado en Japón, el joruri, un estilo de narración que desarrollaron los trovadores ya en la Edad Media, cuando cantaban las crónicas de la época, como la Historia de los Genji (Genji Monogatari) o la Historia de los Heike (Heike Monogatari). De entre ellas, la historia de la princesa Joruri se hizo tan popular que la gente empezó a asociar esta palabra -Joruri- con el estilo de narración.

El Bunraku nace de la unión entre estos trovadores y los titiriteros. Y aunque ya existía a finales del siglo XVI, fue hacia la segunda mitad del XVII cuando un narrador de gran prestigio, llamado Takemoto Gidayu I (1651-1714), crea un estilo nuevo conocido como Gidayu-bushi, mucho más dramático y expresivo que los anteriores. Takemoto se asocia con el dramaturgo Chikamatsu Monzaemon (autor de numerosas obras de Bunraku y de Kabuki, y al que se considere como el Shakespeare japonés), y ambos elevan el arte del Bunraku a las alturas de lo que suele considerarse como una de las más refinadas y conseguidas literaturas dramáticas del Japón. Tras fundar Takemoto en 1684 el teatro Takemoto-za en Osaka, pronto su estilo influye en el mismo Kabuki, que adapta textos del Bunraku y cuyos actores intentan imitar a las marionetas, tal es el éxito y el prestigio que éstas han alcanzado. A la vez, las marionetas imitan también a los actores, mejorando de este modo técnicas y textos. La otra gran incorporación del Bunraku es la del músico con el shamisén, un instrumento de tres cuerdas con el que se acompaña toda la acción y las palabras de la historia. Es decir, un único narrador para todo el texto y todos los diálogos, y un único músico para su acompañamiento.

Narrador y músico del Bunraku

Más tarde, surgió otro estilo de Bunraku en 1703, el Toyotake-za, dirigido por Toyotake Wakatayu I, alumno de Takemoto, quién con su nueva compañía competiría con su maestro. Sana competencia que no hizo más que mejorar y engrandecer los estilos de las dos compañías, de modo que ambos fueron finalmente incorporados por los actuales practicantes del Bunraku, considerados hoy tan válidos como clásicos.

Por lo visto, los años más sobresalientes del Bunraku fueron los tres que van de 1746 a 1748, cuando el trío Namiki Senryu, Miyoshi Shoraku i Takeda Izumo crearon en el Takemoto-za Teatro las tres obras consideradas como los tres clásicos por excelencia del Bunraku: Sugawara Denju Te-narai Kagami (El Secreto de la Caligrafía de Sugawara), Yoshitsune Senbon-zakura (Yoshitsune y los Cien Cerezos), y Kanadehon Chushingura (Tesorería de los Cortesanos Leales). Estas obras siguen siendo aún hoy las más representadas del repertorio.

Pero volvamos al Teatro Nacional Bunraku de Osaka. Cómodamente sentado en una butaca, miro la amplia platea -¿para unos 1.000 espectadores?- mientras una voz por los altavoces parece dar muchas instrucciones. Pronto hay cambio de luz y se oyen unos golpes de tambor, seguidos de una flauta que toca al modo escalofriante del Teatro Noh. Sin duda la obra está a punto de empezar. El telón se corre por fin desde un lado y aparece la escena preparada para que surjan las marionetas. Un actor recita unas palabras que deben ser de presentación, en un tono cantado, raramente agudo, algo estridente y ceremonioso. Tras ellas, a nuestra derecha gira un recuadro de la pared sobre si mismo y aparece sobre la plataforma de este pequeño lateral giratorio el toyú o narrador y el músico del shamisén. Ambos están sentados y muy rígidos, y parecen ser bien conocidos por el público, pues al surgir, se los recibe con una fuerte salva de aplausos. Se inclinan con una dignidad enorme, casi exagerada. Delante del narrador, el kendai, un pesado y hermoso atril de madera sobre el que reposa el maruhon o texto. Delante del músico, el shamisén. Ambos van vestidos con el kamishimo, el traje ceremonial propio de la época Edo y que se caracteriza por sus alados ombros. Tras los segundos indispensables de concentración, empieza la obra. La voz, oscura, baja, ronca y casi rota, surge rascando la garganta del toyú, y el shamisén empieza a soltar sus notas que parecen gemidos a veces, otras latidos o simples rasgaduras y puntuaciones emocionales de la acción. El texto se reproduce subtitulado en japonés en la parte superior, encima del proscenio, y constato que nadie se pierde una palabra del mismo.

Marioneta con sus tres manipuladores

Me fijo en el escenario: un interior de casa y un exterior al lado. Todo con un diseño de un perfecto acabado, de una carpintería casi demasiado limpia, se diría, como si lo acabaran de estrenar. Se notan los medios y se nota que no hay voluntad de ocultarlos: todo es nuevo y reluciente. Pienso que estamos en un Teatro Nacional y que debe darse lo que el público requiere y paga con sus entradas e impuestos. Por fin sale una marioneta: un maestro, que no va de negro y lleva la cabeza descubierta, manipula sus partes más nobles: cabeza y mano derecha. Tras él, dos asistentes de negro y encapuchados le ayudan, uno con la mano izquierda del muñeco y el otro con los dos pies. Al entrar en escena el maestro manipulador, el público aplaude. Se entiende que los maestros manipuladores son tan apreciados como los narradores y el músico, aunque constato que los aplausos no son tan sentidos como cuando salieron éstos. De pronto, ¡cinco marionetas en el escenario, lo que significa cinco equipos de tres manipuladores para cada una de ellas!

Me impresiona la enorme envergadura que debe tener una compañía de este tipo, pues los maestros manipuladores se van sucediendo y no siempre son los mismos. Igualmente, el narrador y el músico de la segunda parte son diferentes de los de la primera, y para la tercera, sorpresa total: ¡surgen 8 narradores y cinco músicos de shamisén! Yo que pensaba que siempre había un único narrador y un único músico, de pronto descubro un verdadero coro y una pequeña orquesta de shamisenes. Se entiende por el desarrollo de la historia: el tercer acto es el del suicidio de los dos amantes, y un único narrador no podría expresar la tragedia a la que se asiste. Como en la tragedia griega, también aquí los autores optaron por una voz colectiva para expresar la emoción de un desenlace trágico. Y realmente, este tercer acto justifica con creces las tres horas de espectáculo: la voz y la música, más la impresionante labor de los titiriteros, nos transportan a alturas que sólo pueden compararse a los grandes momentos de la ópera. Una enorme emoción recorre la sala cuando Hambei clava su katama a Ochiyo, y luego, tras preparar la ceremonia minuciosamente, se hace el harakiri para caer muerto sobre su amada. Las voces, que parecen salidas de las profundidades del alma, se alzan trémulas, roncas y variadas, junto al conjunto impresionante de shamisenes tocando al unísono sus notas desgarradas.

Visión interior del escenario

Los aplausos estallan en la sala. Los titiriteros hace rato que han desaparecido. Los narradores y músicos van saliendo uno tras otro, no sin antes haber saludado ceremoniosamente al público. Se corre el telón. El público aplaude unos segundos más y al acto se levanta. La dignidad casi hierática de los actores-titiriteros y de los músicos, con unos rostros que apenas desvelan las profundas emociones que denotan sus gestos, sonidos y gruñidos (pues también músicos y manipuladores sueltan de vez en cuenta curiosos gruñidos a veces casi imperceptibles, otras sonoros y evidentes), no permite saludos añadidos fuera del obligado al final de la obra. La contención emotiva, clave para entender todo el arte japonés y la vida misma de este curioso país, ha estado presente desde el inicio del espectáculo hasta su final. Sólo el toyú o el narrador actúa pero sólo con la cara, es decir, con sus muecas, sus gruñidos, sus gesticulaciones faciales y sus movimientos exagerados de los ojos, buscando la posición adecuada para extraer la voz distorsionada y ronca con la que expresa los sentimientos y las profundas emociones de la histyoria. Lo que explica la importancia relevante del narrador, cuya expresiva dicción y canto son el verdadero motor dramático del espectáculo.

Salgo impresionado, con la cabeza hirviendo de ideas, como si acabara de asistir a uno de los espectáculos más memorables y vanguardistas jamás visto. Un taxi me lleva a la estación tras cruzar Osaka de noche y un tren me traslada en media hora de nuevo a Kyoto. Las formas del Teatro Noh que vi días atrás se mezclan con las del Bunraku vistas hoy. Formas que vienen de los siglos XVI, XVII y XVIII y que me trasladan a lo más rabiosamente actual del siglo XXI.

Seguiremos reflexionando.

Kyoto y el Teatro La Clarté de Osaka

2011-07-31T03:03:00.006+02:00


Jardín del templo Ryogen-in, complejo Daitoku-ji, Kioto Foto de Rebecca Simpson.

Pasar tres días en Kioto ha sido uno de los mejores regalos de esta gira. No sólo por la ciudad, la antigua capital imperial de Japón, sino también porque estuvimos Rebecca Simpson y yo acomodados en un Riokan, nombre con el que se denomina a los hoteles de estilo tradicional japonés. Nada que ver con lo que se entiende normalmente por un hotel, aunque las prestaciones sean parecidas y la función la misma. Pero la diferencia es abismal en cuanto al trato, los espacios y los servicios de baño. No cuento los detalles para no provocar ataques de envidia y para dejar que los posibles usuarios descubran sus virtudes por cuenta propia.

Respecto a la ciudad, qué decir de esta increíble capital que ha conservado sus viejos aires imperiales, con una increíble profusión de templos zen, sintoístas o budistas, religiones que en Japón conviven entre si la mar de bien, con divinidades y cultos compartidos, a pesar de las múltiples sectas y variantes existentes. Lo importante aquí no es la religión como un credo al que someterse o al que ser fiel, sino que más bien parecen estar todas ellas al servicio de las necesidades espirituales de cada uno, según las fechas del año, las tradiciones compartidas, los orígenes regionales o familiares, los estados de ánimo… Una difusa espiritualidad que se encuentra tanto en las laicas ceremonias de la vida civil, en las celebraciones familiares, como en los encuentros personales, y que halla sus picos culminantes en los momentos más dramáticos de la existencia.

Kioto es una ciudad que requiere de muchos días para poder ser visitada con un mínimo de atención. Los tres días pasados en ella han sido una simple pero intensa toma de contacto. Visita corta pero que ha aclarado no pocas cuestiones de tan singular país, al concentrarnos en el complejo monástico de Daitoku-ji, dónde el Zen y el budismo conviven en diferentes espacios.

Como dato relevante de estos días, mi asistencia a una función de Bunraku en el Teatro Nacional de Osaka dedicado a esta tradición. Una experiencia inolvidable que dejo para un capítulo dedicado en exclusivo a este tema, que bien lo merece.

Dejemos pues Kioto y el Bunraku para otra ocasión, y regresemos al mundo de los títeres, concretamente al Teatro Klararute La Clarté, de Osaka, fundado en 1948, y que se encuentra en su actual ubicación desde hace ya más de treinta años. Datos que dan una idea de la persistencia de la que son capaces los titiriteros japoneses. Siempre bajo la guía de Tamiko Onagi, nuestra organizadora de la gira en conjunción con el Teatro Puk de Tokio, y en compañía de nuestro asistente técnico Takashi Nakaide, llegamos Rebecca Simpson y yo a este entrañable teatrillo situado en un barrio popular del centro de Osaka y que consiste en un edificio entero construído para ser lo que sigue siendo sesenta años más tarde: un teatro dedicado a los títeres. Formada por cincuenta titiriteros, la compañía de la Clarté está dirigida por la señora Kazuko Takahira y tiene unos dieciséis espectáculos en activo con varios equipos que actúan a la vez en distintos lugares, así como en su sede de Osaka. Teatro básicamente para niños, con obras dirigidas a distintas segmentos de edad.

Polichinela con sus amigos de La Clarté

Respecto al significado de La Clarté, nos enteramos que proviene de una afirmación europeísta y anti-imperial propia de la época en la que fue fundada la compañía, justo después de la Segunda Guerra Mundial. Curioso origen que indica el compromiso con la libertad y la democracia de los titiriteros modernos de Japón. Algo que ya descubrimos cuando visitamos el Teatro Puk de Tokio.

Nos acompaña también en Osaka el señor Nobuhiro Sugita, quién fue secretario general de Unima Japón y luego Presidente de la misma, titiritero con más de treinta años de trabajo en La Clarté, y buen especialista en el teatro del Bunraku. El señor Sugita es además un gran conocedor de las distintas tradiciones mundiales de títeres, pues desde que trabajó para Unima Japón, no ha cesado de viajar por el mundo entero, manteniendo intensos y numerosos contactos en todas partes. Tanto él como Tamiko Onagi son grandes apasionados de Polichinela, al que aman no sólo como personaje clave en la historia de los títeres, sino por su personalidad libre, autónoma y provocadora, características que la cultura japonesa tiene muy controladas o más bien dosificadas.

Al preguntar sobre la existencia de personajes polichinescos en el teatro japonés, mis amigos me hablan del Kyogen, estos intermezzos cómicos que suelen representarse entre las obra serias del Teatro Noh, aunque también existen tradiciones populares de títeres dónde se usa la cachiporra. Me han prometido hablar de ellas, de modo que pronto podré dar cuenta de las mismas.

Las funciones en La Clarté han sido dos: una dirigida a los mismos miembros de la compañía y allegados, pues muchos de ellos no podían asistir a la segunda función, abierta ésta al público y que se celebró al día siguiente. Un público de lujo, entregado y entusiasta, con el que he podido compartir momentos muy agradables, dentro y fuera del teatro, concretamente en un restaurante dónde comprobamos la merecida fama que tiene la cocina de Osaka. Los habitantes de esta ciudad son conocidos por ser buenos vividores, sobretodo en los temas del comer y del beber. Virtudes que quedaron demostradas con creces en compañía de los titiriteros de La Clarté. Antes de la cena, y para resacirme de las fatigas del día, con viaje, montaje y función incluída, el técnico ingeniero de sonido que nos acompaña, Tacashi Nakaide, me llevó a uno de los baños públicos al que los japoneses suelen acudir con mucha frecuencia para gozar de los placeres del agua, de la ducha y de las piscinas de agua fría y caliente. Un mundo que me recordaba el de los hamams turcos y árabes, pero dotado de una modernidad, de unos impecables servicios y de unos precios tan asequibles, que recabaron mi más profunda admiración.

Por cierto, un dato curioso que no ha dejado de admirarme desde mi llegada a Japón: la omnipresencia de las cigarras, cuyo canto agudo y persistente se siente en el mismo centro de las ciudades. Algo insólito en nuestras latitudes mediterráneas, dónde estos insectos tan maravillosos suelen actuar sólo en el campo y muy poco en las ciudades. Aquí se dedican a ensordecer a los habitantes urbanos mientras limpian el aire de mosquitos y embelesan a los japoneses que los consideran protectores y portadores de buenos augurios. En el mismo Teatro La Clarté, sus titiriteros me muestran muy orgullosos los tres árboles que tienen junto a la entrada: están repletos de cigarras chillonas a más no poder, lo que consideran el mejor de los augurios.

Al acabar al día siguiente la segunda función de Osaka, y tras desmontar el retablo, nos hemos dirigido a Nagoya con el tren super rápido que une estas dos ciudades en apenas cincuenta minutos. La carga, entretanto, se desplazaba en coche a su destino. Pero de la función en Nagoya y del curioso teatro en el que actuamos al día siguiente, hablaré más adelante.

Okinawa, el tórrido sur del Japón

2011-07-24T15:06:00.000+02:00

León de Okinawa

Recalamos por varios días en Okinawa, la mayor y más habitada de las islas del archipiélago que lleva el mismo nombre y que se encuentra bastante al sur de las tierras japonesas. De hecho, hay una distancia de unos 685 kilómetros entre Okinawa y Kagoshima, la ciudad costera de la sureña prefectura de Kyushu. La capital de la isla se llama Naha, y en ella actuamos dentro del llamado “International Theater Festival OKINAWA for Young Audience 2011”. El programa es extensísimo y cuenta con numerosas compañías japonesas pero también extranjeras de todo el mundo, centradas básicamente en cometidos de entretenimiento para niños y jóvenes, tal com como reza su largo título. Por cierto, se trata de la primera vez que una compañía española actúa en el Festival.

Actuamos en una salita que parece haberse adecuada ex profeso para la ocasión, con una grada hecha de tablas de madera y un rectángulo para que los que quieren puedan sentarse en el suelo. Deben caber unas 120 personas, aunque en la función de hoy por la tarde se diría que había más, tan llena se veía la sala. El público es exquisitamente educado y muy participativo, cosa que me ha sorprendido, pues me habían hablado mucho de la contención exagerada del público japonés.

De momento, no he visto aún tradiciones titiriteras propias de esta región. Las había en activo antiguamente, hoy parece ser que han desaparecido. De todas formas, seguiré investigando.

Danza Bon frente a un hotel

El Festival llena de actividad toda la ciudad y es frecuente encontrarse con grupos folclóricos formados por bandas de tambores y bailarines de ambos sexos. En realidad, constituyen los llamados Bon Odori Danse, bailes rituales que se celebran en Año Nuevo y en verano, y que sirven para convocar a los ancestros. Dos veces al año acuden los muertos locales a la llamada de los tambores y de las danzas de los jóvenes. Por lo visto, las danzas Bon se celebran en todo el país, y cada región y localidad tiene sus propias coreografías, vestuarios y ritmos. Impresiona el ritmo intenso que va acompañado de una gestualidad enérgica y elegante, con pasos muy estudiados y casi marciales de los jóvenes que aporrean sus tambores con gran fuerza. Una danza ritualística y catártica que la población japonesa incorpora con suma facilidad a la exterioridad tecnológica y superorganizada de sus sociedades. Verlas ejecutadas de noche en medio de la calle o en centros comerciales, metidos los ejecutantes en una atmósfera tórrida, casi de sauna, nos ilustra sobre esta dicotomía tan propia de lo japonés, capaz de juntar el pasado con el presente más futurista, y de revivir año tras año ceremonias arcaicas que sirven para juntar el mundo visible con el invsible. Se entiende que las formas tradicionales del Teatro No o del mismo Bunraku sigan tan vivas o aún más que antes, valoradas como están ahora por los especialistas y por el proteccionismo cultural de los organismos internacionales. Algo que, sin embargo, y salvando todas las distancias, no está tan lejos de nuestras procesiones de Semana Santa…

Danza Bon en un centro comercial de Okinawa

Por la noche, la calle se llena de acento americano: los marines que pueblan las grandes bases que mantienen los EEUU en Okinawa, salen de permiso y se dirijen a sus pubs y bares nocturnos, dónde camareros de color y acento yanqui les sirven copas y música. Por lo visto, una tercera parte del archipiélago pertenece todavía a los americanos, los cuales no entregaron el territorio al estado japonés hasta 1972. Los taxis llevan indicaciones en inglés dirigidas sin duda a los miembros de las bases, aunque poca gente lo habla con fluidez. Okinawa es también un importante destino turístico para los japoneses, pues hay buenas playas y muchos corales por ver. Y los precios no parecen muy altos.

Por cierto que en esta isla se celebró la única y gran batalla terrestre entre americanos y japoneses, celebrada entre marzo y septiembre de 1945, y en la que más de un tercio de la población local perdió la vida. Considerada como el asalto anfibio más importante del Pacífico, murieron unos 140.000 civiles okinawense. Las bajas norteamericanas fueron de unos 50.000 muertos, mientras que las japonesas ascendieron a 107.000 muertos. Son famosos los suicidios colectivos de japoneses, tanto de Okinawa como del resto del país, para no ser hechos prisioneros por los “bárbaros americanos” (así eran llamados por la propaganda de guerra, que los describía como mismísimos diablos). Hay muchos monumentos en la isla conmemorando estos suicidios.

La otra peculiaridad de Okinawa es que dio origen al Karate: una disciplina marcial que surgió de combinar el Ti, un arte guerrero local que se hacía con las manos, con un arte marcial chino que se hacía con los puños (el “kenpo”). Y aunque literalmente karate significa “mano vacía”, su origen etimológico viene de Kara (nombre que se daba antiguamente a China) y Te, que proviene del Ti antes citado. Fue el maestro okinawense Gichin Funakoshi quién dio forma al actual Karate, allanando el camino para su proyección primero nacional y luego internacional.

Esta relación de Okinawa con China no se ciñe únicamente al Karate, sino que es una constante en su historia. De hecho, el archipiélago de Ryukyu estuvo siempre en estrecha relación con China a través de fructurosos intercambios comerciales, que convirtieron estas islas en un próspero lugar de encuentro entre culturas de la región. Uno de los mitos más recurrentes del lugar es la devoción que sienten hacia la figura de un león chino, que al parecer protege a la isla. Los ves en todas partes por partida doble, pues suelen presentarse en pareja: uno con la boca abierta (para repeler a los malos espíritus) y el otro con la boca cerrada (para retener a los buenos). El origen mítico del león de Okinawa debe remontarse a una leyenda que habla de un dragón que salía de vez en cuando del mar (¿Japón, tal vez?) y atormentaba a los isleños. Para protegerlos, el rey les regaló una estatuilla de un león. Cuando se acercó el día en que el dragón iba a cobrarse sus piezas, la estatuilla empezó a temblar y tras partirse en dos, surgió de su interior un terrible león que se lanzó contra la bestia y la venció en singular batalla. Al terminar ésta, los aldeanos encontraron en la playa la estatuilla intacta, que de inmediato se convirtió en el protector oficial de los okinawenses.

Actualmente, la isla parece dedicada por entero al turismo y a los servicios, teniendo en cuenta sobretodo la gran presencia militar norteamericana que todavía existe y que debe activar enormemente la economía local.

Las Rutas de Polichinela siguen así por estos confines del Extremo Oriente, tan lejos de su punto de partida y, a la vez, tan cercano en tantos aspectos visibles e invisibles. En próximas entregas, volveremos a la temática titiritera, siempre subyacente en estas tierras en las que la tradición tanto gusta de convivir con el presente más rabiosamente contemporáneo.

El Kanze Noh Teatro.

2011-07-21T16:23:00.002+02:00

Exterior del Kanze Noh Teatro

Hoy, día libre en Tokio, lo hemos aprovechado para ver una representación de Teatro Noh en el Kanze Noh Theater, uno de los espacios de la capital dedicados a esta tradición teatral japonesa.

Actuaba la compañía Umewaska Kennokai Noh Theatre, cuyo director, Manzaburo Umewaka, pertenece al linaje de los Umewaka, un nombre de referencia en la història del Noh. El espectáculo estuvo compuesto de tres obras que se sucedían con breves descansos durante cuatro horas: “Ugetsu”, obra de Noh centrada en la figura del monje poeta Saigyo, una obra de Kyogen llamada “Tsutoyamabushi” y que significa ¿quién se ha comido mi desayuno? (el Kyogen es un intermedio cómico cuyos personajes se apartan de la gravedad del Noh y tienen por misión entretener al público y descargar a su vez la extraordinaria tensión creada por la anterior representación), y para terminar otra obra de Noh titulada “Semimaru”, centrada en la figura trágica de un príncipe ciego rechazado por su padre el emperador y que es condenado a muerte y salvado por su servidor, quién lo disfraza de monje y lo oculta en medio del bosque.

Interior del teatro antes de la función

Había visto alguna representación de Noh en Barcelona, pero la verdad es que no me percaté de la intensidad que tiene esta forma teatral antigua que de un modo indirecto, tanto se acerca al mundo de las marionetas. Lo que caracteriza al Teatro Noh es la extrema contención de sus modos de representación, realizada a través de una férrea disciplina de los tiempos, los movimientos y los sonidos, de manera que a mayor sometimiento de la vitalidad espontánea en la expresión, mayor intensidad de las emociones expresadas. Hay dos tipos de actores en una obra Noh: los humanos y los “extraordinarios”, ya sean éstos dioses, espíritus, genios, otros seres fantásticos, héroes, grandes sabios y poetas, o personajes trágicos que transitan de un mundo al otro. Los humanos son los que asisten a los “extraordinarios” y también son los componentes del coro que cantan el texto instalados en un lateral del escenario. Entre ambos extremos están los músicos, humanos pero que, a través de la música, en contacto con los mundos superiores. Sus funciones son, en cierta forma, de “mèdium”. Esto les permite entrar en escena por la “puerta grande” (alta y solemne, con unos cortinajes que unos tramoyistas levantan cada vez que pasa un actor o un músico, y que da al pasillo que conduce al escenario), mientras que los "humanos" (el coro y los asistentes) lo hacen por la “puerta pequeña” (una puerta en efecto baja y pequeña que obliga a inclinarse a quiénes pasan por ella), para indicar su condición humilde o inferior.

Para conseguir que sus personajes sean “extraordinarios”, los actores Noh usan de un riquísimo vestuario que tiende a exagerar sus formas, ya sea mediante pantalones enormes que convierten las piernas en columnas cúbicas, o ya sea mediante capas, suplementos en el cuerpo o sombreros altos y extravagantes que indican su naturaleza superior. Pero lo que realmente los acerca al “otro mundo” es el gesto y la voz. Sus movimientos son lentos hasta la exasperación y milimétricamente definidos. La voz es más un canto que alarga las sílabas y las palabras, buscando un efecto más emotivo que semántico. Toda la contención está centrada en limitar y corregir la expresión normal de las emociones, las cuales así aparecen en escena realzadas con una insólita intensidad. La música es la otra herramienta usada para conseguir esta contención emocional, con ritmos son pocas veces regulares aunque sí se repiten secuencias parecidas. El coro, por su parte, de una marcada solemnidad, recita el texto de la historia con distanciada y estirada expresión, en un tono de intensa gravedad al ser todas las voces masculinas.

Máscara Noh

Pero sin duda lo que aumenta este carácter “extraordinario” y acerca tanto los actores del Noh a la marioneta, és la máscara: cuando un personaje la lleva, está de algún modo poseído por ella, férreamente atrapado por la gravedad hierática, casi “inanimada” y de efigie, de la máscara. Los personajes que la llevan suelen ser los protagonistas de la historia y por ello, o bien son dioses, grandes seres o espíritus, o bien son personajes reales atrapados intensamente por la tragedia, cerca pues de la muerte. La máscara somete la psicología de los actores y los convierte en marionetas de carne y hueso. Cuando los asistentes acuden, con gestos humanos normales para arreglar el vestido, adecuar una máscara o cambiar el sombrero del personaje, la sensación de que nos encontramos ante unos manipuladores mortales con la función de cuidar y asistir a unas marionetas, es total.

Curioso que mientras en el Bunraku, los manipuladores invisibles (cubiertos de negro) buscan dar vida a los muñecos para que estos sean creíbles, en el Teatro Noh se hace el proceso inverso: se intenta privar de vida a los actores-personajes para que éstos sean lo más intensamente “muertos” e inanimados, a modo de efigies o espectros encarnados que, sin embargo, se mueven y expresan intensamente, por omisión (por contención máxima) sus emociones. Emociones, claro está, profundas, arquetípicamente asociadas a los grandes momentos de un ser inteligente. Es decir, se hace todo lo posible para que se acerquen más a la naturaleza “inanimada” de las marionetas (más cercanas a los dioses) que a la viva de los mortales.

Una contención que eleva el Noh hacia una refinadísima abstracción, la que deriva de esta economía radical de gestos, sonidos, tiempos y expresiones, y que convierte la representación en un verdadero rito de conexión con los mundos ocultos y superiores, dónde viven los dioses y los espíritus, más todo lo que nuestra imaginación es capaz de ver e inventar.

Curioso que esta forma tan elaborada de abstracción escénica provenga de una tradición tan antigua como es la del Teatro Noh. Lo que tal vez explica, o ilustra, ese profundo conservadurismo de la sociedad japonesa: ante la contingencia de lo efímero, tan expuesto al capricho de los elementos en unas islas de volcanes y terremotos, se entiende que sus pueblos vivas aferrados a las viejas tradiciones, fijando las mismas en el más profundo y minimalista de los sentidos, pues así se garantiza, a través del rito escénico petrificado, la pervivencia de lo que es “eterno” y no muere nunca, al perdurar en el espacio de lo “sagrado”.

Reflexiones que surgen a tropezones en este primer día en Tokio de mis Rutas de Polichinela.

El Teatro Puk de Tokio

2011-07-20T11:46:00.000+02:00

El Teatro Puk de Tokio

Hoy he visitado el Teatro Puk de Tokio, organizador de la gira por japón. Se trata del teatro de marionetas contemporáneas más importante del país, todo un edificio que contiene una sala para unos 120 espectadores, buenos almacenes, espacios de oficina, taller, biblioteca, ensayo... Tiene un elenco de 70 personas fijas trabajando en sus distintas areas y, como puede imaginarse, es un centro activísimo que no para de producir nuevos espectáculos y de ofrecerlos, ya sea en su propia sala o en otros espacios de la capital y del país entero.

Puk cumple cuarenta años de existencia en este mismo edificio (anteriormente ya había estado en otros) y para celebrarlo ha organizado una serie de eventos entre los cuales está la gira de la que soy beneficiario. Al frente de este bajel imparable está su director Tatsuo Sato, siendo Tamiko Onagi unas de sus almas más emprendedoras. Tamiko es además nueva Presidenta de Unima Japón y su actividad es torrencial, con viajes e iniciativas que la llevan por todo el mundo.

De momento el tiempo es bueno, es decir, el calor es soportable, con lluvias esporádicas y leves, en parte gracias al tifón que por lo visto está arrasando en otras zonas y que parece ser que no llegará a Tokio. Pero la amenaza del tifón se nota en la atmósfera, de una humedad altísima.

Gira en Japón

2011-07-18T14:28:00.004+02:00

Cartel de la Gira - portada

Este martes 19 viajo a Japón para iniciar una gira por el país con el espectáculo "A Manos Llenas" y que me tendrá ocupado hasta el 18 de agosto. Me acompaña en calidad de técnica asistente mi compañera Rebecca Simpson. Son siete los lugares dónde vamos a actuar, con un total de 17 representaciones:

- Okinawa, una isla que se encuentra en un archipélago de 160 islas y que se denomina del mismo modo. Constituye la región más sureña de Japón, y es famosa por ser aquí dónde nació el Karate así como otras artes marciales. Participo en el festival que se celebra anualmente llamado Kijimuna Festival.
- Osaka, la tercera ciudad del japón, capital indiscutible del Bunraku y del Kabuki. Allí actuaré en el Teatro Atelier of Clarté, dedicado al teatro de títeres.
- Nagoya, cuarta ciudad del Japón y que se encuentra entre Osaka y Tokio, conocida por su industria automovilística y que durante la Segunda Guerra Mundial fue destruída en su totalidad. La función será en el Teatro Himawari.
- Tokio, la capital del país, ciudad monstruo en la que actuaré dos veces: una para el Instituto Cervantes y otra para el Teatro Puk, organizador de la gira. Aunque el centro de Tokio, con sus 23 barrios, tiene una población cercana a los 8.340.000 de habitantes, su área metropolitana alcanza unos 34,5 millones, siendo la mayor aglomeración urbana del mundo.
- Lida, al oeste de Tokio, al sur de la prefectura de Nagano, lugar conocido como el "techo de Japón" por hallarse en una zona montañosa. Es famoso el Templo Zenkoji, lugar de peregrinación, así como el parque de macacos de Jigokudani, en el que los monos se bañan en piscinas de aguas termales, especialmente en invierno.En Lida se realiza el más importante festival de títeres del Japón, con participación de numerosas compañías. Será un privilegio poder asistir unos días a este encuentro de titiriteros.

- En la isla de Hokkaido, la más septentrional del Japón, voy actuar en dos ciudades distintas: en Asahikawa y en Sapporo. Curioso que fuera en esta ciudad dónde Maria Callas actuó por última vez en un escenario, el 11 de noviembre de 1974 (lo dice Wikipedia).

cartel de la gira - contraportada

Durante el viaje, está previsto conocer varios teatros, festivales así como las tradiciones populares de marionetas del país. Un viaje que abre las Rutas de Polichinela hacia los lejanos confines del País del Sol Naciente. Seguiremos informando.

Magníficos videos sobre Pulcinella

2011-07-05T00:57:00.002+02:00

Me han mandado el enlace de tres magníficos videos sobre el Pulcinella napolitano, con varias entrevistas a maestros como Nunzio Zampella, Giovanni Pino, Bruno Leone, Salvatore Gato u Otelo Sarzio, con imágenes de distintas épocas todas ellas muy interesantes. Un valioso documento que ha puesto en su canal de Youtube Licio Esposito.

Bruno Leone en el Rinconcillo de Cristobita

2011-06-15T23:44:00.001+02:00

Siguiendo con mi empeño de ir mostrando imágenes de mis Rutas de Polichinela, ofrezco este video con algunas escenas de uno de los espectáculos que presentó Bruno Leone en el Rinconcillo de Cristobita. Al final hay una fugaz mención al taller que hizo el maestro napolitano con niños de Valderrubio, cuyos resultados fueron presentados en el patio de la Casa Museo de García Lorca.

"LA PRIMERA Y LA ULTIMA", de Alicia Muñoz

2011-06-12T13:15:00.002+02:00

Antes de empezar

Como ya decíamos en artículos anteriores, Barcelona se ha convertido en una pequeña capital titiritera digna de ser tenida en cuenta, gracias a los numerosos grupos que residen en ella, a los eventos festivos y a los constantes estrenos. El último al que he tenido ocasión de asistir es el de la mejicana Alicia Muñoz, de la compañía “A la otra orilla”, con la obra “La primera y la última”. El estreno tuvo lugar en la barcelonesa librería Pròleg, dedicada a la mujer y que se ubica en la calle Sant Pere Més Alt, 46.

Hace años que Alicia Muñoz reside en Barcelona dónde ha establecido la base de sus actividades. Sus espectáculos hasta ahora han sido de calle y basados en marionetas de hilo, muy en la línea de las utilizadas por Pepe Otal, pues no en vano vivió en su taller hasta la muerte de éste. Romper con este pasado y establecer una línea propia de trabajo era el reto que se propuso Alicia cuando decidió embarcarse en este proyecto. Tras ver los resultados, puedo decir que lo ha conseguido con creces y con la nota muy alta.

Ha entrado Alicia en este grupo de creadores (o mejor dicho, de “creadoras”, pues domina en él el género femenino) decididas a trabajar desde propuestas arriesgadas, honestas y personales. Es decir, desde una actitud de compromiso hacia uno mismo y hacia el mundo que nos rodea. Cuando se entra en estos territorios, se requiere mucho coraje y una decisión muy clara de ir hasta dónde haga falta llegar. El tema escogido por Alicia es el de las mujeres desaparecidas de Juárez, en México, para lo cual ha realizado un profundo trabajo de documentación. Una opción que indica también un deseo de resituarse respecto a sus raíces, volviendo la mirada a su país tras años de ausencia.

Alicia Muñoz tras la función

Pero lo que ha logrado Alicia con “Las primeras y las últimas” es crear una obra que enlaza la temática local de las mujeres desaparecidas con una temática más universal sobre el destino de las mujeres que se enfrentan solas a un mundo hostil, desagradecido, injusto, huraño y carente de los valores humanos más elementales. Es la misma presencia de la titiritera, que se presenta ante el público descalza, con un simple vestido negro y una extraordinaria dignidad, entre humilde y aplomada, lo que desarma al público y lo sitúa en un ámbito de esencias arquetípicas. El texto que abre y cierra el espectáculo nos sumerje ya en este contexto de realidades profundas. Después, es el tono mismo de la representación, que se desarrolla a un ritmo lento e inquietante, el que nos introduce en el interior de un verdadero rito de vida y de muerte: en él, la titiritera, encarnada en el personaje femenino de la obra, se afirma y se libera reviviendo el drama cotidiano de las mujeres de Juárez. Un drama que se muestra con una desnudez aplastante dentro del mismo cuerpo de la mujer, representado por un busto que centra la escena de principio a fin.

La sencillez desnuda del espectáculo más la simple iluminación de las velas que rodean el “retablo”, de función casi “litúrgica” más que teatral, es el gran acierto de la propuesta de Muñoz y la clave del impacto que produce. Hecho con poquísimos medios, su mérito es haber creado este personaje que interpela al público, a través del desdoblamiento ritualístico, desde la humildad desnuda de quién sale al escenario con la verdad por delante.

Creo que Alicia Muñoz tiene entre manos una pequeña joya que, tras ser pulida con el rodaje y los cuatro toques técnicos que le quedan por acometer, correrá por los festivales del país y seguramente por los de México. El logro de su esfuerzo bien lo merece.

Video de la Gira por el Líbano.

2011-06-10T16:07:00.001+02:00

He aquí la primera parte del reportaje filmado de la gira hecha en Líbano durante mayo de 2011, organizada por la Asociación El Khayal y con la colaboración de la Embajada de España en Líbano. Muestra imágenes de los siguientes lugares visitados: Raifoun, Btekhnay y Tibnine. Nuevos videos irán apareciendo a medida que se vatan editando.

Video sobre la Estación de Rayak en Líbano

2011-06-07T21:18:00.001+02:00

Tal como prometí, pongo en esta entrada un video que grabé en la Estación de Rayak, en el Valle de la Bekáa, en Líbano. Un cementerio de trenes impresionante del que ya hablé en una anterior entrada de este blog (ver aquí). También para los interesados en saber más sobre este fascinante lugar y los proyectos que despierta en la imaginación de sus vecinos, les animo a visitar la web del Museo de Trenes de Rayak, un proyecto de Elías Boutros Maalouf.

El Teatro de Karagöz con Cengiz Ozek

2011-06-05T11:58:00.001+02:00

Siguiendo con la publicación de videos sobre la última gira, presento estos dos reportajes sobre el Karagöz de Cengiz Ozek: una imágenes de la representación que hizo en su Centro de Títeres de Estambul durante el Festival de Títeres, y otras sobre la exposición que el mismo Ozek montó en el Centro Cultural Francés, situado al inicio de la calle Istiklal número 4.

Estas imágenes muestran la viveza de una tradición que nació como expresión popular de la vida en las ciudades del Imperio Otomano, en la misma época en que el personaje de Pulcinella se expandía por Europa y con un espíritu muy cercano al de éste. Una tradición que titiriteros como Cengiz Ozek actualizan y mantienen al día, buscando la conexión con el público de hoy.

Titelles Vergés, en el Rinconcillo de Cristobica.

2011-06-04T11:01:00.002+02:00

Tras regresar de esta larga gira que empezó en Valderrubio, con el Rinconcillo de Cristobica, continuó en Estambul y acabó en el Líbano, he podido encontrar un momento para editar algunas de las imágenes tomadas en video. Iré mostrando los distintos reportajes a medida que se vayan editando. Indicar sólo que estas filmaciones deben considerarse como simples documentos de viaje, a modo de notas visuales de mis Rutas de Polichinela.

Empezaré con el encuentro de titiriteros celebrado en Valderrubio y la presentación que hizo de sus títeres Sebastià Vergés, último miembro en activo de este centenario linaje marionetístico.

Actuación en Sawani con la FINUL

2011-06-02T11:40:00.000+02:00

Local de la función en Sawani

El último día de la gira fue en el sur, en Sawani, con una actuación ofrecida al destacamento español de la FINUL, encargado de organizar el evento. La función tuvo lugar en una hermosa sala abovedada que cumple las funciones de local social y biblioteca. Resultó ser una de las más entrañables de la gira, con un público mixto de niños, padres, militares españoles e indonesios de la FINUL y el Alcalde de la aldea, público muy entregado a la obra y que gozó de una proximidad física extraordinaria, dadas las dimensiones del espacio.

Rebecca Simpson con algunos niños de Sawani

Viajando al sur para alcanzar Sawani, pasamos junto a la Puerta de Fátima, que comunica el vecino estado de Israel con el Líbano. Toda la zona expresa una cierta desolación, muy en especial las poblaciones más cercanas a la línea de la frontera, compuesta de alambradas electrificadas y puestos de vigilancia de la FINUL. Estas poblaciones son las primeras que sufren los embistes de las fuerzas israelitas cuando éstas deciden entrar en el Líbano, lo que explica el gran número de casas vacías, a medio construir o arruinadas por la guerra y el abandono. Sin embargo, choca la presencia de muchas nuevas construcciones, muestra de una vitalidad sorprendente, en algunos casos torres con alardes de verdaderos palacios. Según nos dijeron, muchas de estas casas pertenecen a emigrantes libaneses instalados en África y otros lugares, quiénes deciden invertir las riquezas en sus lugares de origen.

Bordeando la frontera con los Altos del Golán
al fondo sobre un mar de nubes

En realidad, y contra lo que uno pueda imaginar, el sur del Líbano no es una zona pobre sino más bien todo lo contrario, lo que explica el auge de las construcciones urbanas y una frágil aunque notable calidad de vida. Es una pena que la región esté ensombrecida por el constante conflicto con su vecino del sur. Una carga que su población, tal como pudimos comprobar, conlleva con relevante dignidad.

Función en Zahlé y el cementerio de trenes de Rayak

2011-06-01T23:09:00.003+02:00

Biblioteca de Zahlé

Fue un placer actuar en Zahlé, tercera ciudad libanesa situada a una cierta altura sobre el Valle de la Beká. La función, realizada en la pequeña biblioteca pública que hay en un noble edificio de una de las calles principales de la ciudad, sirvió de marco para la inauguración de unas nuevas aulas del Instituto Cervantes en Zahlé. Asistió el Embajador de España, Juan Carlos Gafo, Antonio Prats, segundo de la Embajada, así como el director del Cervantes de Beirut, Eduardo Calvo.

Esta ciudad, conocida sobretodo por ser una plaza veraniega de vacaciones –tiempo fresco, aire limpio y buenos restaurantes–, está a 55km de Beirut pero a una altura considerable, a 1010 m, y fue durante un tiempo un activo centro agrícola y comercial entre Beirut, Damasco, Mosul y Bagdad, sobretodo desde que a partir de 1885 pasara el tren por ella. Una línea que venía de Estambul, se bifurcaba en Alepo, cruzaba la Beká, llegaba a Beirut y de ahí bajaba hasta Haifa.

Tren en la Estación de Rayak

Lamentablemente, esta línea ya no está en activo. Existe, pero rota y abandonada tras la guerra civil libanesa. Y es que hablar de trenes viene a cuento cuando uno entra en esta región, no porque los haya –desde 1976 dejaron de circular– sino precisamente por la ausencia de ellos. Una ausencia que está dramáticamente expresada en la vieja estación de Rayak, población situada en el corazón de la Beká, entre Zahlé y Balbek.

La gran sala de máquinas de la Estación
de Rayak. Foto de Rebecca Simpson

La estación fue detenida en el tiempo de un día para el otro, con la llegada de las fuerzas sirias que ocuparon la zona e interrumpieron la línea férrea. Todo quedó como estaba: los trenes a medio construir (Rayak era también un importante centro de producción de trenes, incluso se construyeron en sus talleres aviones franceses durante la Segunda Guerra Mundial), los trenes que tenían que partir, los vagones que esperaban ser enganchados, y toda la maquinaria, los talleres y los hangares quedaron a merced del tiempo y del abandono. El resultado es escalofriante, un verdadero cementerio de trenes que a su vez expresa el triunfo de la lentitud y de la persistencia vegetal frente a las prisas humanas y sus ambiciosas maquinarias. Los árboles han crecido por debajo de los vagones y poderosos troncos se yerguen tras haber roto las corroídas planchas, ramificándose por las aberturas de las viejas locomotoras de vapor.

Tren varado en la Estación de Rayak.
Foto de Rebecca Simpson

Todo el dramatismo de la Guerra Civil Libanesa, que duró de 1975 a 1991, está aquí escrito en mudas palabras, sin los fuegos de artificio de las balas ni las lacerantes heridas de las bombas, sino a través del abandono y de la impotencia de unos trenes que de pronto se vieron impedidos de comunicar unas regiones con otras, y de intercambiar pacíficamente sus poblaciones. Para los libaneses, la estación de Rayak simboliza al país entero: parado y sin funcionar desde que en 1976 sus líneas de comunicación territorial se vieron interrumpidas por la guerra. La gran sala de máquinas, con todos sus componentes rotos pero con la elegancia y el poderío de las herramientas que en su día funcionaron a bien ritmo, representa el gobierno de la nación, con individuos de mucha prestancia pero sin conexión entre si, por estar las correas de transmisión completamente rotas y deshilachadas.

Tren en la Estación de Rayak

Existe un proyecto, liderado por el cineasta Elias Boutros Maalouf –quién habla por cierto perfectamente el español–, de convertir la vieja estación de Rayak en un Museo del Tren. El proyecto persigue igualmente volver a poner en pie la línea férrea con circulación de trenes o tranvías que conecten las distintas regiones entre si. Una idea que de realizarse sería de extrema utilidad, en un país como el Líbano dónde el transporte público prácticamente no existe. Quién quiera más información sobre el proyecto de Boutros Maalouf, puede clicar aquí.

Días antes, y mientras paseábamos por las ruinas romanas de Tiro, vimos parte de las vías del tren que cruzaba la ciudad y se alejaba hacia el sur. Las vías pasaban por encima de la vieja ciudad romana, pues todavía no se habían desenterrado sus restos. Viéndolas en aquel contexto, oxidadas y medio colgadas en el aire, parecían aún más viejas que las brillantes piedras romanas que ahora relucían orgullosas al sol.

Artilugio en la gran sala de máquinas.
Foto de Rebecca Simpson.

Volviendo a Rayak, y regresando al contexto de estas Rutas de Polichinela, la estación de trenes parados parece mostrarnos, con explícita elocuencia, los sutiles hilos del tiempo en su lenta manipulación de la materia. El desgaste del hierro, con sus óxidas corrosiones, contrasta con la pujanza de la vegetación y el verde de hojas y ramas. Las abandonadas máquinas, paradas a la fuerza, se han convertido en verdaderas esculturas modeladas por los elementos y por el Tiempo. La mano del hombre aquí es indirecta y arqueológica. El arte de Cronos nos habla con inspiración simbólica de lo que fue y ya no es, y nos traslada a geografías imaginarias de mundos distintos que ya no existen. En esta alquimia del tiempo y de la imaginación, lo viejo se transmuta en materia de arte, apta para la creación de lo nuevo. ¡Afortunados quienes beban de estas fuentes directamente de la mano de Cronos! Aunque antes habrá que arreglar la sala de máquinas…

Algunas imágenes y un video de la estación, que colgaré en cuánto pueda, ilustran estas palabras.

De función en función por el Líbano

2011-05-31T23:59:00.001+02:00

Tras un día de descanso, volvieron las funciones en Líbano. Primero en Jounieh, en un teatro dedicado a las programaciones infantiles de grandes montajes musicales, que por lo visto son bastante frecuentes en Líbano, y luego de nuevo en el Teatro Tournesol de Beirut, mientras por la mañana y luego por la tarde, impartía un taller sobre la relación entre sombras y títeres.

Imagen de un momento del taller realizado
en el Teatro Tournesol

Fue una buena ocasón para experimentar sobre la dualidad de estos dos lenguajes tan diferentes entre si. De entre las muchas manera de tratar el asunto, escogí la que, a mi modo de ver, excita y provoca más sugerencias y correspondencias simbólicas y técnicas: los títeres como el mundo exterior de lo objetivo, de lo medible, y las sombras como el mundo interior de la subjetividad, de lo que no se deja medir. Hubo una primera parte teórica en la que expuse mi punto de vista sobre el tema, y luego empezamos las improvisaciones.

Al ser las sombras un lenguaje tan rico en posibilidades y a la vez tan sugerente, ocurrió lo que suele ocurrir en estos casos: los participantes se dejaron atrapar por la magia de las sombras, de modo que salir de las mismas y jugar con las tres dimensiones visibles del espacio, resultó harto difícil. Pero era algo previsible y por ello subsanable. Creo que todo el mundo sacó provecho de la experiencia y algunos de los resultados finales fueron de muy buena calidad.

El edificio biblioteca de Jbaa.

Al día siguiente tocó actuar en la biblioteca de Jbaa, cerca de la ciudad de Sidón. Se encuentra esta aldea en la zona llamada “liberada” pues fue ocupada por los israelís hasta el año 2000. Muy cerca hay una montaña dónde hubo encarnizados combates y en la que ahora se levanta un Museo de la Resistencia, obra de Herzbolá, el movimiento que ha monopolizado la resistencia en los últimos años. Una inteligente maniobra de propaganda política y, a la vez, una forma de distanciarse de la guerra, lo que siempre es un sano ejercicio. Pensé que todo el mundo tiene derecho a levantar museos y a distanciarse de sus guerras, aunque éstas no estén terminadas. Al distanciarse de ellas, se efectúa un primer paso de racionalización que ojalá sirva para refrenar la irracionalidad del lenguaje bélico.

la sala de actuaciones de la biblioteca de Jbaa

Mientras montábamos en Jbaa, rodeados como estábamos por tantos signos evidentes de un conflicto que gusta estirarse en los años, pensé en cómo Líbano ha sido y sigue siendo una pequeña pero magnificada caja de resonancia dónde todos los conflictos de la región acaban repercutiendo.Y es que el Líbano sigue siendo una excepción que molesta mucho a todos los que quieren imponer soluciones reduccionistas y de homogeneidad. Que en un país coexistan tantas comunidades religiosas distintas, hablando todos la misma lengua, que es el árabe, es un insulto para las mentes simplistas que han optado por los estados confesionales. A Israel se le revuelven las entrañas pensar que en un país puedan vivir en igualdad de oportunidades todo el repertorio de las confesiones religiosas monoteístas. No digamos a Arabia Saudí, inmerso en un totalitarismo de corte medieval pero con unas fuerzas armadas de última generación, o al Irán confesional que ha optado por la teocracia. Estos intereses, aunque enfrentados, coinciden en un mismo objetivo: dividir el Líbano a base de enfrentar a las minorías entre si. Ya se consiguió durante la larga guerra civil libanesa, y en cualquier momento podrían volver a ello, pues las espadas siguen bien en alto.

Una imagen del Museo de la Resistencia

Por suerte cada vez hay más libaneses que optan por soluciones laicas y reniegan de la división confesional, aunque aun no son mayoría, sino una “nueva minoría” que busca también su sitio. ¿Conseguirán un día ganar la mayoría del país? Sin duda, pero no mientras los intereses regionales y de las grandes potencias sigan con sus políticas de guerra y de sometimiento de las minorías o de sus propias poblaciones. Aunque son tan fuertes los vientos de cambio que soplan en la región, que todo es posible en un futuro más próximo de lo que podamos imaginar.